Tarati Taraguá

O Mistério do Samba - Hermano Vianna

2012-01-30T15:35:00.000-08:00

Uma excelente obra retratando as origens do samba, visto sob a ótica da antropologia é o livro "O Mistério do Samba", de Hermano Vianna. O livro fraz um relato sobre as origens, a popularização, os preconceitos sofridos, e a identificação do samba como um marco da cultura de raiz do Brasil. Na orelha do livro, é citado um encontro histórico entre duas das figuras mais marcantes da cultura brasileira: Pixinguinha e Gilberto Freyre. A música e as ciências sociais se encontram numa mesa de bar. O texto diz: "Um encontro de bar ocorrido em meados dos anos 20, tendo Pixinguinha e Gilberto Freyre como principais protagonistas, é o ponto de partida e o mote deste livro, que busca elucidar um mistério: como o samba - música de morro discriminada pelo resto da população e reprimida pela polícia - transformou-se em símbolo da identidade nacional brasileira?
Os estudos anteriores sobre o tema passavam ao largo do 'mistério', limitando-se a constatá-lo; como se, de súbito e num passe de mágica, o recalcado passasse a ser louvado, tornando-se quase sinônimo de uma nação. Em terras brasileiras, 'quem não gosta de samba é ruim da cabeça ou doente do pé(...)"
Em um capítulo específico sobre Gilberto Freyre e sua mais importante obra, Hermano inicia declarando:
"A publicação de Casa Grande e Senzala foi recebida de imediato como um grande acontecimento no mundo intelectual dos anos 30. Jorge Amado, o escritor que praticamente inventou o romance 'mestiço' brasileiro, assim recorda o evento: 'Foi uma expolosão, um fato novo, alguma coisa como ainda não possuíamos e houve de imediato uma consciência de que crescêramos e estávamos mais capazes. Quem não viveu aquele tempo não pode realmente imaginar sua beleza." E acrescenta: "O livro de Gilberto deslumbrava o país, falava-se dele como nunca se falara antes de outros livros". Monteiro Lobato consegue ser ainda mais bombástico: 'Qual o cometa de Halley, irrompeu nos céus de nossa literatura o Casa Grande e Senzala(...)'
O Mistério do Samba, que faz parte de uma coleção intitulada Antropologia Social, publicada pela Jorge Zahar Editora, é uma importante obra para quem busca conhecimentos sobre as origens de nosso samba, visto sob a ótica social, utilizando uma linguagem acessível, apesar do caráter acadêmico que a obra carrega. Em seu prefácio, o jornalista e historiador Sérgio Cabral destaca:
"Sou grato a Hermano Vianna por ter elaborado um trabalho acadêmico perfeitamente inteligível para qualquer um de nós, simples mortais. Mas, apaixonado pela música popular brasileira de todas as épocas, sou mais grato ainda pelas portas que abriu para que os apaixonados e estudiosos penetrássemos na história de nossa música."

Até a ONU Tentou Reunir Os Beatles

2012-01-28T05:13:00.000-08:00

Durante muitos anos a grande utopia musical do show bizz internacional era reunir os quatro integrantes dos Beatles, nem que fosse para fazer um único show. Aqui mesmo, nesse espaço já publiquei um dos muitos rumores daquela tão desejada volta, quando em 1976 um rico empresário ofereceu uma fortuna para reuní-los, mas nada aconteceu. Aliás, grana não seria um motivo relevante para trazer de volta o quarteto. Cada um cuidava de sua carreira e seus projetos pessoais, John Lennon, por exemplo, havia abandonado temporariamente o mundo artístico para cuidar da família, além do mais ainda havia alguns problemas pessoais entre membros da banda, que ainda não haviam sido resolvidos devidamente, portanto a tão esperada reunião era algo bem improvável.
Lembro que o empresário Roberto Medina, após trazer Frank Sinatra ao Brasil, para cantar no Maracanã, declarou que sua próxima empreitada seria reunir os Beatles para fazerem um mega-show no mesmo local. Logicamente foi um grande delírio do futuro idealizador do Rock In Rio.
Até a ONU tentou realizar esse sonho. Já que o fator financeiro parecia mesmo não ser um motivo para reagrupar o quarteto, talvez um caráter beneficente proposto pelo órgão os sensibilizasse. A revista Veja, de 26 de setembro de 1979 trazia uma nota sobre mais essa tentativa, intitulada "Help! A ONU pede socorro aos Beatles". Talvez tenha sido uma das últimas tentativas de trazer os Beatles de volta, já que menos de um ano e três meses depois, esse sonho foi sepultado após o assassinato de John Lennon. Abaixo a matéria da revista:
"Na impossibilidade de aproximar outros desafetos empedernidos, como árabes e judeus, chineses e russos ou curdos e iranianos, a ONU está prestes a marcar um tento de menor envergadura, mas nem por isso inexpressivo - reunir os Beatles, pela primeira vez em treze anos, para três exibições em Nova York.

O mais bem sucedido grupo de música popular em todos os tempos, os Beatles, embora tenha se separado em 1970, exibiram-se em público pela última vez em 1966 - nove anos antes do fim da guerra do Vietnã e doze antes que milhares de refugiados escapassem para os países do Sudeste Asiático fora do controle comunista.
Milionários e irreconciliáveis, os Beatles resistiram ao longo de todo esse tempo a todas as tentativas de reaproximação. A ONU parce estar conseguindo o milagre. Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr já concordaram com as três apresentações. John Lennon ficou de dar a resposta. Com a renda dos shows, a ONU espera cobrir as despesas de assistência aos refugiados indochineses. Somadas as receitas de bilheteria, direitos para transmissão por televisão e discos, calcula-se que os três espetáculos renderiam 500 milhões de dólares. Prova de que os Beatles continuam insuperáveis - no ano passado, um concerto do conjunto Bee Gees, talvez o mais popular grupo musical de hoje, rendeu à ONU, para o Ano Internacional da Criança, apenas 3 milhões de dólares."

Vinte Anos do Programa Jovem Guarda - Set/85

2012-01-24T11:33:00.000-08:00

Em sua edição de 15 de setembro de 1985, a revista Domingo do Jornal do Brasil, trazia uma matéria de capa sobre os 20 anos da estreia do programa Jovem Guarda, na TV Record. Naquele mesmo mês de setembro ia ao ar pela primeira vez, em 1965, um programa de tv que faria história, não só por ser o porta-voz de um movimento musical que ganhava cada vez mais força no cenário musical brasileiro - apesar dos inúmeros detratores - como por lançar ao estrelato o líder do movimento, Roberto Carlos, que ao lado de seu parceiro Erasmo Carlos e de Wanderléia, definiria as bases do que se tornaria o rock brasileiro.
Na época em que a matéria foi publicada vivia-se o auge de sucesso do rock brasileiro dos anos 80, quando várias bandas e cantores faziam grande sucesso, como Legião, Paralamas, Titâs, Lulu Santos, Barão Vermelho, Lobão, Ultraje, etc. Por isso mesmo a matéria, de 5 páginas, traz vários depoimentos do pessoal daquela época, além de quem participou da Jovem Guarda. Segue abaixo um trecho da matéria, assinada por Antônio José Mendes, intitulada "Os Reis do Iê-Iê-Iê":

"A coisa começou às 16h30min de um domingo de setembro de 1965. Em poucos meses, todo o país falava nos 'amigos' para quem Roberto Carlos apontava no palco do auditório da TV Record, na Rua da Consolação: Martinha, Prini Lorez, Waldirene, Leno e Lilian, Renato e Seus Blue Caps, Os Vips, Eduardo Araújo, Demétrius, Rosemary, Cleide Alves, Meire Pavão, Golden Boys, Vanusa, Os Brasões, The Pops e dezenas de outros artistas. O rock que eles cantavam era extremamente ingênuo, com base na fase pré-psicodélica dos Beatles (um gênero que se convencionou chamar de iê-iê-iê), em sucessos da canção italiana e até em boleros. Suas roupas eram terninhos sem gola, botas, minissaias e todos usavam cabelos desafiadoramente compridos para a época.
O ápice veio na comemoração do aniversário de Roberto Carlos em abril de 1966. Em vez de fazer o programa no Teatro Paramount como de costume (o da Rua da Consolação, onde o programa começou, já ficara pequeno), a Record arrendou o Cinema Universo. Ali, cerca de 15 mil pessoas bloquearam ruas, quebraram, vidros de carros, perseguiram ídolos e dançaram aos gritos de 'ei, ei, ei, Roberto é nosso rei' e 'asa,asa,asa, Roberto é uma brasa'. No palco, os roqueiros olhavam perplexos para o que viam, ou choravam como Ronaldo, da dupla Os Vips. Nessa época, o programa era transmitido ao vivo em São Paulo e retransmitido por VT para Rio, Belo Horizonte, Porto Alegre e Recife (só em São Paulo tinha três milhões de espectadores).Os produtos (roupas, bonecos, joias) associados à Jovem Guarda - em marcas como Calhambeque, Brasa, Tremendão e Ternurinha - vendiam à beça. Um sucesso de Roberto na Jovem Guarda, O Calhambeque,vendia bem na França, Angola, Argentina e México.

Houve oposição, é claro: no início muitos patrocinadores se recusaram a associar seus produtos 'a um bando de cabeludos delinquentes'. A elite desprezava os cabeludos, seus costumes e sons, considerando-os cafonas, e setores de esquerda viam as guitarras elétricas que eles usavam como o supra-sumo do imperialismo ianque. Mas nada conteve a avalanche: em 1966, um rígido crítico de música popular, José Ramos Tinhorão, registrava: 'O iê-iê-iê é o ritmo de maior comunicação com a massa, desde a utilização do baião rural de Humberto Teixeira, na década de 40'."

Nova História da MPB - 1976

2012-01-22T04:19:00.001-08:00

De tempos em tempos a editora Abril costumava lançar séries de fascículos sobre a MPB, que vinham acompanhados de um disco. A primeira dessas séries foi lançada em 1970, indo até 1972; a segunda em 1976 até 1978, a terceira, a partir de 1982. Os discos que acompanhavam as duas primeiras séries eram vinis de 18 polegadas, de formato menor que os LPS convencionais, com oito músicas. A edição de 1982 era acompanhada por um LP, de formato normal.
O primeiro volume da segunda série, publicada a partir de 1976 trazia um encarte especial, falando sobre o projeto, fartamente ilustrado, e contando resumidamente a história da música brasileira, desde os seus primórdios, até o que de mais moderno e atual se produzia até então. Vinha em formato de poster, que após aberto, trazia a ilustração abaixo, criada pelo artista gráfico Elifas Andreato, que por sinal, ilustrava todas as edições publicadas, dando um bonito visual aos fascículos.

Num texto de apresentação que vinha nesse encarte, em forma de Carta do Editor, o então presidente da editora dizia:
"Caro Leitor,
Em 1970-1972, a Abril Cultural produziu um antológico documento: a História da Música Popular Brasileira, narrada ao longo de 48 fascículos enriquecidos com discos que continham o principal da obra dos compositores biografados. A criteriosa seleção desses nomes permitiu a formação de um elenco de autores, que sempre representará uma síntese fiel - editorial e fonográfica - das origens e do desenvolvimento da nossa música popular(...)"
Os discos, dedicados às obras dos compositores em destaque trazia gravações variadas, com vários intérpretes, e vinha acompanhado das letras. Às vezes eram destacados mais de um compositor, que faziam um trabalho na mesma linha, algumas vezes as edições falavam não de compositores especificamente, mas sim de algum gênero musical. Uma curiosidade, por exemplo, que nunca consegui decifrar é uma gravação que saiu numa edição da segunda série (1976-78), dedicada a Alceu Valença, Geraldo Azevedo e Marcus Vinícius. No disco que acompanha o fascículo existe uma gravação de Vou Danado Pra Catende, de Alceu Valença, que segundo informações que acompanham o fascículo foi extraída do LP do Festival Abertura, disco que também possuo. Porém a gravação que consta do disco do festival está incompleta, e o do fascículo aparece inteira. Quando baixei o disco do festival em mp3 é a mesma gravação incompleta. Porém o fascículo traz inclusive o número de série do LP onde a gravação foi extráda, sendo o mesmo do disco que possuo. Até hoje não sei como eles conseguiram a gravação com a música completa.

Como na época eu não tinha muita grana para comprar discos, esses fascículos representavam uma ótima alternativa para conseguir gravações que eu não possuia.
Ainda guardo vários daqueles fascículos, um ótimo material de pesquisa, fartamente ilustrado, e trazendo um bom material sonoro, às vezes inédito, como é o caso da gravação de Alceu Valença que citei. A primeira edição, publicada a partir de 1970 trazia inclusive, gravações inéditas, feitas especialmente para as edições, o que se constitui em raridade hoje em dia. Anos mais tarde, já na era do cd, outras edições semelhantes foram lançadas também. Mas tudo começou naquela primeira série, em 1970.

A Morte de Etta James

2012-01-21T12:23:00.000-08:00

Ontem o blues e o jazz perderam uma de suas grandes estrelas, morreu Etta James, dona de uma voz poderosa e grande intérprete, que deu vida a grandes clássicos desse segmento. A primeira vez que ouvi falar em Etta, foi quando ela veio ao Brasail para participar do Festival de Jazz de São Paulo, em 1978. Etta foi uma das grandes sensações do evento, dando um verdadeiro show de interpretação em sua apresentação. Em janeiro de 1979, a revista Pop fez uma matéria com ela, por conta de sua participação no festival. As fotos que ilustram essa postagem são de sua apresentação aqui. Abaixo, trancrição da matéria:
"Quando Etta James cantou A Piece of My Heart no primeiro Festival de Jazz de São Paulo, um enorme ponto de interrogação tomou conta dos ouvidos da plateia que superlotava o Palácio das Convenções do Anhembi: 'Ela está imitando Janis Joplin', reclamavam os fãs de Janis, no meio da multidão, indignados com a audácia daquela gorda meio desajeitada.
Etta se acostumou a esse tipo de confusão. Para ela, era apenas a confirmação, mais uma vez, de que os garotos brancos que compram discos nunca tinham ouvido falar de seu nome. Pouca gente sabe que foi Etta James quem influenciou Janis Joplin, e não o contrário. E Janis sempre fez questão de dizer isso.
De qualquer forma, todos os que foram ao Anhembi sentiram logo que estavam diante de uma incrível cantora de rhythm and blues. Etta James é considerada, por toda a crítica americana, como uma das mais competentes vocalistas de blues, ao lado de Aretha Franklin. A música que sai de seus poderosos pulmões, em meio a seus 140 kg de peso, pode ser comparada apenas à de miss Franklin ou a alguma daquelas fantásticas negras que cantam nas igrejas batistas dos Estados Unidos. John Morthland, crítico da revista Rolling Stonevai mais longe: 'Toda vez que vejo uma mulher tentando recriar sucessos de Janis Joplin', ele diz, 'fico espantado com a overdose de paixão mórbida de que elas necessitam para conseguir apenas uma migalha do que Janis conseguia. Depois que ouvi Etta James cantando A Piece of My Heart , tive que mudar de ideia. Etta pode cantar os sucessos de Janis até melhor que a própria...'

O sucesso de Etta James no Festival de Jazz de São Paulo já teve resultados positivos: ela volta ao Brasil em abril para uma excursão por várias cidades ainda a confirmar. Em entrevista exclusiva a POP, Etta mostrou o outro lado de uma mulher sofrida que persegue o sucesso há 25 anos, numa carreira cheia de altos e baixos: 'Quem quiser saber alguma coisa sobre minha vida sexual, que pergunte a Mick Jagger...' Etta acaba de fazer uma excursão com os Rolling Stones pelos Estados Unidos e diz que 'trabalhar dez dias com Mick Jagger é viver cem anos de vida bem vividos'. E não há mágoa quando ela fala de sua tumultuada carreira, cheia de injustiças:
'Minha história é igual à de milhares de delinquentes juvenis que povoam os EUA, parados nas esquinas, tentando chamar a atenção do primeiro que que passar.' Foi numa dessas esquinas, em Los Angeles, que Johnny Otis descobriu Etta James e quase conseguiu levá-la ao sucesso. Mas vieram as drogas, a heroína, o internamento numa clínica. E a inevitável interrupção da carreira:'Toda a indústria do disco sabia que eu era viciada. Ninguém queria se envolver com uma junkie. Cinco anos depois de deixar a clínica, Etta está de volta, reabilitada pela gravadora WEA e pelo produtor Jerry Wexler. 'Uma voz privilegiada, a versão feminina de Otis Redding', dizem os críticos sobre seu mais recente LP, Deep in the Night, já lançado no Brasil. Finalmente livre das drogas, com um ótimo LP nas paradas e viajando pelo mundo, Etta parece mais perto que nunca do sucesso que quer e merece. O que, para nós, o público, só pode ser ótimo..."

30 Anos Sem Elis

2012-01-19T15:48:00.001-08:00

Há trinta anos morria Elis Regina. Naquela manhã, como de costume, liguei a tv, e recebi a notícia, que como a todos, me surpreendeu. Fiquei tão transtornado, que liguei para minha irmã, que é fã de Elis, para dar-lhe a notícia, e disquei um número errado. Ela já sabia. Eu não queria acreditar no noticiário. Na época, costumava assistir ao TV Mulher, um programa matinal da Globo, apresentado por Marília Gabriela, e que trazia vários quadros, conduzidos por diferentes apresentadores: Marta Suplicy, que na época ainda não tinha entrado na política, falava de sexo, Clodovil falava de moda, Henfil tinha um quadro de humor, etc. Naquele dia só se falou em Elis, e a choradeira foi geral. Lembro que Marília Gabriela na ocasião estava brigada com Clodovil, mas naquela manhã os dois choraram juntos a morte de Elis. Foi uma grande comoção nacional. O que me surpreendeu, e a muitos, foi o fato de Elis, apesar da sua popularidade, era uma cantora considerada de elite, mas o que se viu foi uma verdadeira multidão a acompanhar seu velório, com pessoas de todas as classes sociais.
Como sempre acontece nesses casos, muitas revistas especiais são lançadas para lembrar a vida e a carreira de um artista que se foi. Na ocasião a revista Amiga, que era especializada em tv e no mundo artístico em geral, lançou uma edição especial sobre a vida e a carreira de Elis. A revista trazia uma matéria sobre o velório, enterro, e principalmente sobre a carreira e a vida de Elis, além de muitos depoimentos e fotos. Aliás, todas as ilustrações dessa postagem foram extraídas dessa revista.
Como destaque, transcrevo algumas frases de Elis, reunidas numa matéria chamada "Os pensamentos de Elis - sempre em busca da verdade". Ali está um pouco de sua personalidade e de sua visão do mundo e da vida:

"As pessoas ditas corretas têm todas as frustrações de não ser o que é a marginália. E a marginália tem a frustração de não ter essa correção."
"A única mulher com coragem de dizer que sente prazer é a Rita Lee. Ela fala o que a mulher fala, sem pudor. E a mulherada fica querendo se emancipar sem saber para onde vai, que nem om país."
"No Brasil, a inspiração é americana, mas a organização é macunaímica."
"As pessoas que me chamavam de mau-caráter estavam se auto-criticando."
"Eu sou guerreira e pego a metralhadora para sair atrás de quem me enche o saco. Agora, se um amigo precisa de mim eu faço tudo e não cobro gratidão para o resto da vida, somente exijo um mínimo de fidelidade e decência."
"Para quem está vivo, viver é um risco."

"Aprendi também que não se pode ser vulnerável diante das pessoas que nos rodeiam. Eu perdi a noção do que querem de mim as pessoas que me cercam, perdi a confiança em mim e no resto. Só acredito numa meia dúzia de pessoas no mundo que são meus amigos sinceros."

"Ninguém vai fazer da minha vida uma novela, nem vou sair da minha estrada por causa de fofocas, até porque quem paga as minhas contas sou eu."
"Por que exigem de mim tanta coisa? Sou boa cantora e ainda tenho que ser educada?"
"Se eu seguisse o rumo natural da minha vida, eu seria uma operária têxtil, de qualquer indústria do país, porque meu pai é operário, e minha mãe dona-de-casa. Então, se eu tive tantas portas abertas, foi porque eu tenho a anomalia de ser uma boa cantora, num país que poucas pessoas cantam bem, e expus isso publicamente."

João Bosco - Do Rock Aos Cabarés (1975)

2012-01-16T11:14:00.000-08:00

Em 1975, João Bosco era um jovem e promissor músico e compositor, que começava a se destacar no cenário musical brasileiro. Seu segundo disco, Caça À Raposa, trazia várias composições de sucesso, algumas delas gravadas por Elis Regina, que foi uma de suas melhores intérpretes. Ao lado do letrista Aldir Blanc, João formava uma das mais perfeitas parcerias da MPB, e naquele ano foi a grande revelação de compositor.
Em agosto de 75, a revista Pop trazia uma matéria sobre ele, com o título de João Bosco: Do Rock Aos Cabarés:
"Em 1972, o crítico Sérgio Cabral escreveu que apostava sua reputação e seus dez anos de experiência em música ´popular brasileira: 'Nada, rigorosamente, nada é mais importante atualmente na MPB, em matéria de coisa nova, do que a dupla João Bosco-Aldir Blanc'.
Pra muita gente, Sérgio ganhou de longe a aposta. Hoje, três anos depois, suas músicas tão tocando adoidado, fazendo muita gente se ligar na sua força. E João Bosco entrou definitamente nos ouvidos de todas as pessoas, depois de ter-se mantido como uma espécie de vinho raro, saboreado quase que só pelos conhecedores. Elis Regina, por exemplo, que descobriu Agnus Sei, faz questão de botar músicas suas em todos os seus discos, e que é que ainda não curtiu a nostálgica 'Dois pra lá, dois pra cá'? E alguns já o comparam a Milton Nascimento, um páreo mais suficiente para mostrar o peso de sua barra.
No começo de sua história, no entanto, não havia nada indicando que seria essa a sua estrada. Natural de Ponte Nova, cidadezinha do interior mineiro com uma forte dose de religiosidade, João Bosco cresceu ouvindo violino e piano, que sua mãe e sua irmã mais velha tocavam. E quando não eram os clássicos, ao vivo, eram Dalva de Oliveira, Ângela Maria e Cauby Peixoto, pelo rádio - até então, única fonte de música na sua cidade.. 'Até hoje me lembro, uma das coisas que mais marcou minha infância foi um show de Ângela Maria lá em Ponte Nova. Minha primeira visão de uma estrela, sabe? Aquele vestido todo de lantejoulas, desfile pela cidade em carro aberto, uma loucura'.
Depois pintaram Elvis Presley e Litlle Richard - e João se ligou no rock. Tantop que, pouco tempo depois, montou um conjunto: o nome era Charm Boys, e tinha dois violões (não eram guitarras eleétricas, não: violões mesmo), bateria e, inacreditavelmente, um afoché.

'Tinha também um casal que fazia a coreografia. Coitada, a menina vivia esfolada de tanto tombo que levava no palco'. O som que eles tiravam com esse 'equipamento' não devia mersmo ser dos melhores, por isso não se perdeu nada quando ele terminou o ginásio e foi estudar em Ouro Preto.
'Lá fiquei uns dois anos sem pegar no violão'. Mas era a época do estouro da bossa nova, e não demorou para que ele voltasse à estrada e começasse também a compor. Já dava pra sentir o seu talento, quando Vinícius de Moraes pintou por lá, em 68. 'Aí eu pensei: preciso mostrar meu trabalho para esse cara, pô. Então na maior sem-cerimônia, enfiei minhas duas músicas embaixo do braço, e fui bater na porta do hotel. A cara de pau valeu, e dois uísques depois eu estava tocando pra ele. O Vinícius ouviu, virou-se e falou: 'Essas duas nós vamos botar letra agora mesmo. Me mostra o resto'. E eu tive que disfarçar, porque só tinha mesmo aquelas: e eu que tinha ido lá pensando que ele não ia nem querr me ouvir.' Até hoje essas duas músicas estão inéditas, guardadas com carinho como sua porta de entrada.
Tocando (há quem diga que, quando toca, um dos dois parece ter três braços: o violão ou ele), cantando e compondo, João foi amadurecendo, arrumando parceiros e escolhendo seu caminho, até cruzar com Aldir Blanc. Na época, João estudava engenharia e Aldir, psiquiatria. Na música dos dois, o que resulta de científico é uma união das melhores que já pintou na música brasileira., melodia e letra se juntando como se tivessem saído da mesma cabeça. 'Nós fotografamos as coisas da mesma maneira, sabe?' Nos preocupamos com os mesmos problemas, a sensibilidade da gente é muito parecida.'
Ao mesmo tempo em que confessa a influência que recebeu de Gilberto Gil, João recusa-se a delimitar seu caminho a esta ou àquela trilha. 'No fundo, eu sei muito bem o que estou fazendo, onde estou pisando', diz ele, sem nenhum medo de passar da crítica religiosa de Agnus Seipara os cabarés que serviram de cenário de Dois pra lá, dois pra cá."

Pepeu Gomes em Atafona

2012-01-10T09:38:00.000-08:00

Um show empolgante. Se tivesse que descrever com poucas palavras o show de Pepeu Gomes na praia de Atafona no último domingo, usaria essa frase curta, mas que resume o que Pepeu Gomes e sua banda passaram para o público que compareceu ao Balneário, em Atafona. Após uma noite de sábado quando uma forte chuva inundou a região, o dia de domingo amanheceu nublado, com uma ameaça de chuva, porém felizmente o domingo estava num ótimo clima para um show. Não havia aquele sol escaldante típico dos verões, nem a chuva, que ainda ameaçava estragar, ou pelo menos, atrapalhar a festa. Estava tudo perfeito para um show espetacular, e Pepeu e banda fizeram sua parte, trazendo um ótimo espetáculo. Trazendo em sua banda Dadi Carvalho (baixo), Davi Moraes (guitarra), Felipe Pascoal (guitarra), Paulinho He-man (percussão) e Jorginho Gomes (bateria), Pepeu mostrou seu virtuosismo e ao mesmo tempo trouxe hits de seu repertório.

Pepeu foi o primeiro guitarrista que eu assisti tocando ao vivo, já que o primeiro show que assisti na vida foi quando eu tinha 14 anos, uma apresentação dos Novos Baianos, grupo do qual fez parte. Diferentemente de duas de suas apresentações que assisti, quando ele tocou mais violão do que guitarra, no show do último domingo, Pepeu fez um show elétrico e vibrante. Iniciando a apresentação com Deusa do Amor, um de seus maiores sucessos, Papeu e banda empolgaram o público, que cantava junto cada verso da música. Outros sucessos de seu repertório não faltaram, como Sexy Yemanjá e Um Raio Laser (uma de suas músicas mais suingadas). Uma versão para Soul Sacifice, de Santana, foi uma verdadeira benção para os roqueiros da antiga. A banda afiada, deu uma verdadeira aula de como se fazer um som instrumental. Dadi, um dos grandes baixistas do Brasil (Novos Baianos, A Cor do Som, Barão Vermelho, Tribalistas) mostrou porque ainda é um músico de peso, o jovem guitarrista Felipe, que não deve ter mais de 17 anos, executou solos como gente grande, assim como Davi Moraes, que apesar de ser de outra geração, traz no sangue o DNA dos Novos Baianos, já que é filho de Moraes Moreira. A música, que pede muita percussão, teve em Paulinho e Jorginho Gomes (também ex-Novos Baianos), um apoio perfeito.

Uma bonita homenagem a Chico Science trouxe A Cidade, do repertório do astro do mangue beat, um fã confesso de Pepeu e dos Novos Baianos. Outros covers também aconteceram, como Garota Dourado (Rádio Táxi), somente na voz e violão, e É Preciso Saber Viver, de Roberto Carlos, também numa versão acústica. Outros sucessos não faltaram, como Fazendo Música, Jogando Bola e Masculino e Feminino.
Uma versão pessoal para Preta Pretinha, o maior sucesso dos Novos Baianos, também não faltou. Aliás, em entrevistas recentes ele declarou que pretende fazer versões pessoais para as músicas dos Novos Baianos, o que é uma boa notícia, já que o grupo não seria o mesmo sem a guitarra mágica de Pepeu. Alguns dos solos de guitarra mais marcantes da MPB e do rock brasileiro saíram de suas mãos na época dos novos Baianos.
Uma versão eletrificada de Brasileirinho também levantou a plateia, assim como Eu Também Quero Beijar, um de seus maiores sucessos. Nossa Gente, um grande sucesso do samba-reggae (aquele do refrão Avisa Lá, Avisa Lá, Avisa Lá que eu vou...) e o frevo instrumental Vassourinha encerraram o show, em clima de carnaval, agradando ao público festeiro, e também os mais chegados ao rock. Foi um belo show para um domingo sem chuva nessa época de dilúvios inesperados.

George Harrison no Brasil - 1979

2012-01-06T09:20:00.000-08:00

Pouca gente sabe, ou se lembra, mas George Harrison já esteve no Brasil. Em janeiro de 1979 ele veio ao nosso país, não para se apresentar, infelizmente, mas para acompanhar o Grande Prêmio Brasil de Fórmula Um, uma de suas paixões. Na ocasião a revista Música conseguiu uma entrevista exclusica com o ex-Beatle, e ainda um autógrafo em nome da revista, que é um tesouro (não acredito que alguém possa deixar perder um autógrafo de um astro como Harrison). Além de exibir o autógrafo, a matéria traz fotos dele no autódromo, que não me lembro se era o de Jacarepaguá, no Rio ou o de Interlagos em São Paulo. Sobre a paixão de Harrison pela Fórmula Um, lembro que há alguns anos assisti a um programa no SBT em homenagem a Emerson Fittipaldi, com vários depoimentos de amigos do piloto, quando aparece a imagem de George cantando uma versão especial de Here Comes The Sun, com uma letra falando em Fittipaldi. Acho que se pode encontrar essas imagens no Youtube. Abaixo a matéria/entrevista:

George Harrisom é um ex-Beatle, e por isso não encontra paz em lugar algum do mundo. Mesmo já tendo passado 10 anos da dissolução do 'quarteto de Liverpool', todos cobram dele posições com relação a uma possível nova formação do grupo, à política praticada pelo conjunto, ao relacionamento entre eles, etc. E, durante 10 anos, em todos os cantos deste planeta, onde vai passear, descansar, gravar, tem que responder às mesmas perguntas. Naturalmente no Brasil não seria diferente.
Vindo para ver a corrida de Fórmula 1, devidamente acompanhado por Jackie Stewart - um dos melhores pilotos da categoria - e Emerson Fittipaldi - de quem tornou-se amigo graças ao gosto pelo esporte - George foi alvo de ataques sistemáticos por parte da imprensa e de fãs, que não o deixaram à vontade.
Por Música ele começou a ser contatado em São Paulo e terminou no Rio de Janeiro, onde participou de entrevista coletiva.
Música - Por que você nunca se interessou em visitar a América do Sul antes, especialmente o Brasil?
George - Bem, nós estamos muito ligados à Europa e aos Estados Unidos, por contratos, shows, gravações, enfim, é um mundo que está muito mais ligado a nós, músicos. E, apesar de todo mundo pensar que temos muito tempo de folga, nós somos muito atados a compromissos. Mas devo reconhecer que é uma falha de nossa parte, temos muito a aprender por aqui.
Música - É difícil aguentar a barra de ser ex-Beatle? Todo mundo dá mais valor a seu trabalho naquele tempo, esquecendo o atual?
George- Realmente, depois de passado tanto tempo a gente chega até a duvidar de que os Beatles tenham tido tanta influência na juventude. Quando nos juntamos e fizemos os Beatles, nada disso passava pela nossa cabeça, sabíamos que tínhamos um tipo de música que poderia vir a fazer sucesso, mas nunca imaginávamos tudo isso. Inclusive, nunca fomos um grande conjunto, éramos um conjunto razoável, assim como os Stones. Tudo isto a gente tem que explicar em qualquer lugar onde esteja. Mas, na Europa e Estados Unidos, por estarmos mais frequentemente, eles já esqueceram um pouco este lado e passaram a observar nosso trabalho individualmente.
Música - Como você está hoje, depois de tanto tempo na luta?
George - Bem, já estou completando 36 anos (25 de fevereiro), mas não tenho intenção de alguma de parar. É claro que a gente vai diminuindo o ritmo, mas parar não. Já faz parte do quotidiano, inclusive não estou mais atrás de dinheiro, mas de satisfação pessoal. O dinheiro deixou totalmente de ser importante, aprendi isso com a filosofia hindu. Eu o uso para viajar, comprar, divertir, nunca como um fim. Sei que há muitos músicos que mudaram sua linha apenas para se tornarem mais comerciais e ganhar mais dinheiro. Até os Beatles fizeram isso por algum tempo, mas quando você atinge alguns bens materiais necessários, pra que mais?

Música - Como anda o relacionamento entre você, Paul, Ringo e John?
George - A gente não se vê periodicamente por falta de tempo. Quando um está livre, o outro não, quando um está na Europa, outro está fora. Mas não existe qualquer tipo de rivalidade, as que existiam foram superadas há muito tempo, o resto é por conta da imprensa. John acalmou-se e está curtindo a família, talvez tenha-se cansado de ser muleta para a fraqueza alheia. Ringo é um bon-vivant, gravando quando quer e badalando muito, sempre foi o mais alegre de nós, o que dava mais importância à alegria e ao descompromisso, e Paul é o mais trabalhador, o que mais gosta de promoção em torno de seu nome. Claro que hoje é o que mais faz sucesso, o que mais vende disco, mais por uma necessidade pessoal que propriamente por dinheiro.
Música - Qual seu real interesse por filosofia hindu?
George - Ela me ajudou muito a me conhecer por dentro. Não dou mais valor a roupas, carros, viagens, garotas, badalações, tudo isso porque acredito que seja uma maneira de cobrir a solidão da qual todos têm medo. Quando você se encontra, descobre o enorme potencial que há dentro de você, todo o resto passa a ser futilidade. Mas isto também vem com o tempo. Quando era jovem, também queria ser badalado. Foi a India que me modificou completamente."

Peréio, Eu Te Odeio

2012-01-05T11:04:00.000-08:00

Além de um grande ator, Paulo Cesar Peréio é uma figura das mais interesantes do mundo artístico brasileiro. Sempre transitando na contra-mão, um marginal por excelência, Peréio carrega a fama de difícil, maldito, porralouca, etc.
Em 1981 o filme Eu Te Amo, de Arnaldo Jabor, que ele contracenou ao lado de Sonia Braga, lhe deu grande projeção, e na época a revista Careta fez uma longa entrevista com ele, intitulada "Peréio, Nem Feminista Nem Viadista", onde ele falou de variados assuntos, como cinema, política, etc. Para a matéria ele posou para fotos com o vestido usado por Sonia Braga no filme (ou um similar), e na chamada de capa vinha estampada a frase "Peréio Eu Te Odeio", fazendo um contraponto com o título do filme. Essa frase, aliás, vai virar título de um documentário sobre ele, que a produtora do desenhista gaúcho Alan Sieber está finalizando. Ao ser procurado, Peréio disse que só autorizaria a feitura da obra, se só se falasse mal dele o tempo todo, daí o título.

Na matéria para a revista, publicada em junho de 1981, Arnaldo Jabor dá o seguinte depoimento sobre Peréio:
"Como não tenho forças para chegar até a máquina de escrever declaro pelo telefone que Peréio é uma mistura de urso de pelúcia com Judas de Sábado de Aleluia. Durante as filmagens, eu não sabia se o acariciava ou o enchia de porrada cruelmente. Na dúvida, fazia as duas coisas - que não davam em nada, do mesmo jeito. Ele só faz o que quer, geralmente bem, quando você menos espera. Peréio é incontestável na sua aparente liberdade: possui contudo uma mãe fina e ardilosa que o mantém preso a uma corrente de paetês e cristaleiras sulinas e o controla, lá do Rio Grande, entre sibilos e suaves ordens telepáticas. Seu pai, lindo como Tyrone Power, joga pôquer num retrato em branco e preto por toda a eternidade.

Peréio me dá sempre a sensação de que vai ficar louco; esta é a sua grande maldição: nunca terá esta chance. Vagará pelas noites do Brasil arrastando sua depressão didática, sua figura educativa. É um contrafóbico, ou seja, só faz o que tem medo.
Peréio é o retrato de uma época. Ele é a realidade brasileira. Às vezes, é a clase média, rosnando suas dúvidas e desmazelos. Em noites em que o uísque é mais cintilante contra as estrelas do Leblon, avulta fino e limpo como um diplomata. Então ele é a burguesia nacional. Nestas horas, circula à sua volta - dentes brancos, olhos neon, patins niquelados, roller-skate a mil por hora - Cissa(*), mulher foguete, espicaçando um touro preguiçoso. O mais das vezes, contudo, ele é proletariado - esculhambado, emblema do subdesenvolvido. Em suma, Peréio é as classes sociais brasileiras. Um retrato do Brasil - desnecessário, esperançoso e deprimido. E o único ator que se parece com o noticiário dos jornais.
Naturalmente, ele me inveja. E eu invejo a ele. Ambos somos dois mendigos, dois miseráveis parecidíssimos andando por aí. Só que ele é a fome. E eu a vontade de comer."
(*) Na época Peréio era casado copm a atriz Cissa Guimarães

Crumb- A Heroica Luta de Um Artista Para Se Manter Longe do Sucesso

2012-01-04T13:22:00.000-08:00

O desenhista de quadrinhos Robert Crumb é um personagem dos mais interessantes. Além de artista genial, sua irreverência e aversão à fama fazem dele uma figura ímpar. Sua vida daria um ótimo documentário, com realmente deu. Para se conseguir produzir um documentário com imagens e entrevistas exclusivas só mesmo alguém muito ligado ao personagem, o que é o caso do diretor Terry Zwigoff, amigo de Crumb.
A revista General, especializada em cultura geral, que circulou nos anos 90, em seu nº 12 traz uma matéria sobre o filme, que estava sendo lançado. A matéria é assinada pelo também desenhista Fábio Cobiaco, com colaboração de Paulo Góes. Abaixo, transcrição da matéria.
"O sucesso persegue Robert Crumb. O mais underground dos artistas underground, o heroi dos quadrinhos marginais que recusou todos os insistentes convites milionários para trabalhar na grande imprensa, consegue sem querer o que muito artista esforçado tenta a vida inteira: ser sucesso. Crumb, nascido para ser mártir da cultura alernativa, está virando moda.
Tem até CD Rom baseado em suas histórias em quadrinhos. E um after dark para tela de computador estrelado pela Engelfood McSpade.
Para 'piorar' a situação de Crumb, um documentário sobre sua vida acaba de receber o prêmio de melhor filme não ficção no Festival de Sundance, um dos principais eventos do cinema norte-americano. Justo Crumb que, depois do sucesso do desenho animado Fritz The Cat , havia prometido nunca mais se meter com cinema. Pobre vítima do sistema!
Crumb - o singelo nome do filme - é dirigido por Terry Zwigoff, amigo do desenhista. Zwigoff é também um dos companheiros de Crumb na banda Sheep Swit Serenaders, especializada em música folclórica norte-americana.
Enquanto os amigos fazem esse tipo de traição contra ele, Crumb continua se esforçando para manter a popularidade à distância. Seu último feito nesse sentido foram as HQs Quando Os Negros Tomarem A América e Quando Os Malditos Judeus Tomarem A América. Uma imagina a realização de todos os ridículos pesadelos de racistas norte-americanos: negros no poder invadindo casas para roubar as mulheres e estrupar a comida. A outra coloca batalhões de rabinos, com kippás, tranças e tudo mais, marchando vitoriosos sobre as ruas dos EUA. Dois típicos exemplos do humor absurdo de Crumb, que desde os anos 60 não deixou ninguém escapar - nem hippies, nem nazistas, nem yuppies, nem feministas, nem policiais, nem hare krishnas, nem sua esposa, nem ele próprio.

Desta vez ele ganhou a chance de ser chamado de racista e nazista. Muita gente não entendeu a piada e está fazendo escândalo. A alfândega canadense, por exemplo, proibiu a entrada do gibi no país. Mais ridículo: uma publicação neo-nazi, Race And Reality, levou as HQs a sério e as publicou sem autorização (Crumb entrou com um processo contra a publicação). São os problemas de tornar-se popular.
Crumb, o filme, será exibido no Brasil na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo."

Regendo o Avesso - Luiz Tatit

2012-01-03T11:42:00.000-08:00

A música de Luiz Tatit sempre chamou minha atenção. Nos anos 80, o Grupo Rumo era um dos meus grupos preferidos, e as letras de Tatit era um dos fatores que me fazia gostar tanto daquele grupo da Vanguarda Paulistana nos anos 80. Apesar de só ali, naquele período, eu tomar conhecimento da obra de Tatit, eu já o conhecia de nome, de uma matéria publicada no início de 76, no Jornal de Música, que vinha encartado na revista "Rock, A História e a Glória". Havia nessa publicação uma sessão chamada Ilustre Desconhecido, que falava sempre de um músico ou banda que não era conhecido do grande público, ou por estar ainda no início de carreira, ou por trazer um trabalho pouco comercial. Luiz Tatit, que na época só trazia o sobrenome como nome artístico, foi destacado naquela edição, numa matéria assinada por Maurício Kubrusly, que mais tarde ficaria famoso por apresentar quadros no Fantástico. Eis a matéria:
"Mais ou menos ilustre, Tatit provavelmente terá de se conformar em permanecer para sempre desconhecido. Pelo menos, no que depender de discos. Ou será que alguma gravadora se arriscaria a lançar um compositor intéprete entoando uma letra como esta?
Han-han
Ahn
Xiiiiiiii!
Hein? Tá!
Nossa! É isso!
Hei! Oh! Para!
Este é um trecho dos versos da canção 'Ah!', na qual Tatit brinca com interjeições, empregando-as de maneira não convencional - por exemplo: um 'Oba!', exclamação que usualmente aparece na forma ascendente, surge de maneira inversa, numa frase melódica descendente, revelando inconfundível desânimo. Questionar os lugares comuns da música popular é uma das intenções do trabalho desse paulista, hoje estudante da música dita clássica.
- Nosso trabalho pode ser definido como um estudo das unidades melódicas naturais que acompanham a fala, e a utilização delas no processo de composição. A fala revela-se como elemento essencial na música chamada popular. O resultado do nosso trabalho não é muito 'bonito'; é antes, interessante. Não mostramos 'música para o deleite', mas elementos para discussão. E eles surgem através de perguntas como: o que adianta a música sem comunicação fácil? seria popular também?
Por enquanto, no caso de Tatit e seu grupo (todos estudantes da Universidade de São Paulo), as respostas têm sido sempre negativas. Nos poucos recitais que conseguiram apresentar, as plateias, obviamente surpreendidas, permaneceram quase estáticas, não aderindo ao debate proposto. A surpresa torna-se, portanto, a presença dominadora, talvez até incômoda, na relação entre Tatit e o público. Porque não se trata, por exemplo, de uma espécie de 'novo Walter Franco'. Não, Tatit ultrapasa todos esses limites usuais da vanguarda da música popular, com ou sem aspas, para oferecer propostas como: uma canção montada a partir dos refrões de uma feira. Mostra então, a fita que gravou numa feira de rua, onde se ouve o pregão do vendedor de peixe, o grito do garoto que vende limão, a malícia de um feirante que mexe com uma empregada ao mesmo tempo que anuncia o preço do tomate, etc. Trocando algumas palavras. Tatit e seu grupo recriam esse universo e conseguem montar uma peça magnífica, madrigal urbano, e contemporâneo, com várias vozes.

Outro exemplo: 'Tema de Amélia', uma colagem de partículas de sambas de Ataufo Alves, denunciando os comportamentos mais comuns das composições de Ataulfo - ou, dos sambistas em geral. (E Tatit interpreta a 'canção' quase à capela, praticamente sem acompanhamento, num recitativo distante de tonalidades e andamentos, ritmos e harmonias comuns. E, este inusitado o distancia ainda mais do universo acomodado da música de mercado). Mais um exemplo: 'Vou Contar', de autoria de Paulo, músico do grupo de Tatit: trata-se de um rock pândego, construído somente com aquelas partes menos valorizadas pelos músicos e público, ou seja: os ruídos iniciais ou finais das faixas, a afinação dos instrumentos, os gritos de estímulo à plateia ('Are you ready?) ou de consulta ao técnico de som ('OK, man?')(...)
No começo Tatit quase arriscou uma escorregada até o hit parade, criando o que chama de 'música de inspiração', com redundâncias agradáveis de ouvir, simplezinhas. Mas logo preferiu não repetir, se propondo investigar os maneirismos e mesmices dessa música. A partir daí, suas apresentações se tornaram mais raras; as plateias, mais vazias; e a distância dos estúdios, das gravadoras, muito, maior."

A Geração Beat Abriu A Porta Sem Bater

2012-01-02T12:38:00.000-08:00

Em 1993 foi lançado um excelente jornal especializado em música, chamado Mixer. Foi mais uma daquelas ótimas, porém efêmeras publicações - creio que só durou duas edições (pelo menos foram as duas únicas que conheci). O jornal trazia um bom time de redatores, como Pedro Só, Camilo Rocha, Gastão, Claudio Willer, Sonia Abreu e Fernando Naporano, dentre outros. De seu conselho editorial fazia parte o prestigiado maestro Julio Medalha. Em seu primeiro número, o jornal trazia um bom texto sobre a geração beat e sua influência no rock e na cultura em geral, assinado por Claudio Willer. Abaixo transcrevo trechos da matéria, que se intitula "A Geração Beat Abriu a Porta Sem Bater":
"Ao que consta, as bandas de Seattle são influenciadas pela Geração Beat. Mas, para não acabar escrevendo a história da música pelo método confuso, é preciso verificar quais manifestações importantes na área do rock, pop e jazz não tiveram influência da beat nas últimas três ou quatro décadas. Talvez seja mais fácil fazer o levantamento dos refratários ao impacto provocado por Allen Ginsberg, Jack Kerouac e seus companheiros de viagens e literatura. Uma influência plural, exercida sobre grupos, intérpretes e tendências. Discuti-la em detalhes obrigaria a comentar as homenagens prestadas por Laurie Anderson a William Burroughs, como em seu filme-performance "Home of the Brave". E o modo como grupos punk também homenagearam o autor de 'Naked Lunch" (Almoço Nu, na tradução brasileira). Ou então, registrar os encontros e trocas de figurinhas de Allen Ginsberg com Bob Dylan e outros expoentes da música de protesto. Tomemos, por exemplo, a fase do rock lisérgico. Alucinógenos tornaram-se moeda corrente da contracultura dos anos 60, depois de serem tema de Ginsberg (nos poemas sobre mescalina, LSD e aiauasca de 'Kaddish and other poems').
Então, quando um grupo como o Jefferson Airplaine rodava pelos Estados Unidos, por volta de 1967, distribuindo LSD para quem quisesse experimentar, no ônibus psicodélico capitaneado por Ken Kesey, o autor de 'Um Estranho no Ninho', eles haviam assimilado toda essa literatura e a estavam pondo em prática.

A lista de conexões entre literatura beat e música vai mais longe. Basta lembrar os rapazes de Liverpool que, há mais de três décadas (na época da publicação), batizaram seu conjunto de The Beatles, depois de uma visita de Allen Ginsberg à Inglaterra, conforme revela Bruce Cook, em seu livro 'Beat Generation'. Isso, como uma das consequências da explosão beat na segunda metade dos anos 50, com a publicação e a venda de milhões de exemplares de 'How and other poems', de Ginsberg e 'On the Road', de Kerouac.
Outras influências são menos acidentais. É o caso de um dos personagens mais complexos da história da música contemporânea, Jim Morrison. Também poeta, Morrison revestiu-se de rebelião e hiper-romantismo. No entanto é como se ele tivesse lido Artaud, Rimbaud, William Blake e outros poetas da rebeldia e transgressão através do olhar de Allen Ginsberg ou de William Burroughs. O nome de seu conjunto, The Doors, remete a isso. A ideia de transpor uma porta está presente em Ginsberg, por exemplo, na epígrafe de abertura de 'Howl and other poems': 'Soltem a fechadura das portas! Soltem também as portas de seus batentes!'. A mesma porta está em várias passagens de William Blake, autor referencial de ambos, Ginsberg e Morrison (...)"

Gente de Sucesso - A Vida de Tom Jobim

2012-01-01T10:13:00.000-08:00

Tom Jobim é um patrimônio nacional, um músico excepcional, um compositor dos mais inspirados que esse país já teve. Sua obra representa o que de mais rico e universal a arte brasileira já produziu. Muitos trabalhos sobre sua vida e obra foram lançados, principalmente após sua morte, em dezembro de 94. No momento, inclusive está sendo feito um documentário sobre sua vida, com direção do premiado diretor Nelson Pereira dos Santos. Dentre os ítens que possuo sobre o maestro, há um interessante livro publicado por uma editora que acredito que não mais exista, chamada Editora Rio Cultura. Trata-se de uma série de livros intitulada Gente de Sucesso, que também destaca em outras edições Fernanda Montenegro, Walter Clark, Florinda Bolkan, Marlene e Orlando Villas Boas. Esses livros foram publicados através de um convênio com as Faculdades Integradas Estácio de Sá, o que evidencia o caráter educativo e cultural. Comprei o livro em um sebo, provavelmente no início dos anos 90, quando Tom ainda era vivo. Aliás, falando em data, no livro não há nenhuma menção a seu ano de publicação, mas consultando a discografia do músico que acompanha a obra, o último lançamento de Tom até então, é o disco que gravou com Edu Lobo em 1981, portanto a publicação é dos anos 80.
O livro de 103 páginas, traz uma biografia do compositor, além de depoimentos, discografia, relação de prêmios concedidos e fotos variadas. Tom fala de assuntos diversos, como parceiros, Bossa Nova, sucesso no exterior, encontro com Frank Sinatra, festivais, trilhas sonoras que produziu, influências, etc.
Nada melhor do que trazer um pouco do pensamento de Jobim nessa primeira postagem do ano. Abaixo algumas frases tiradas do livro:

"Algumas vezes dormi nos bancos da Praça Nossa Senhora da Paz, de tarde, com aquela preguiça que o calor dá."
"Bastava sentar e escrever a música, o resto vinha por si."
"Toda vez que há qualquer coisa criativa na América Latina, ela vai acabar na América do Norte."
"Dolores Duran fez 'Por Causa de Você' com um lápis de sobrancelha, o instrumento que tinha na mão para não perder aquele ótimo momento de inspiração." (sobre suas parcerias)
"Acho o Sinatra ótimo. Pena que ele não fale mais com a imprensa... Pessoalmente, é uma criatura excelente."

"Você faz uma música toda trabalhada, põe nela o que você tem de melhor, leva com carinho para ser ouvida, e é vaiado." (sobre os festivais da canção, e a vaia que levou com Sabiá)
"...é tráfego engarrafado, é assalto em elevador, é neraustenia. O homem foi feito para casar com uma mulher, morar numa casa, passear na calçada."
"Digo que minha música vem da natureza, agora mais do que nunca. Amo as árvores, as pedras, os passarinhos. Acho medonho que a gente esteja contribuindo para destruir as coisas."
"A criação é um ato de amor, alguma coisa que se comunica a toda a humanidade."

Revistas Legais - História do Rock (4 Volumes)

2011-12-31T10:26:00.000-08:00

Nos anos 80 a antiga Editora Três era responsável por algumas publicações musicais, como a antiga revista Somtrês, especializada em equipamentos e matérias musicais, uma série de revistas-poster, falando de várias bandas e artistas, e de vez em quando publicava alguma edição especial, sempre na área musical. Uma dessas edições foi uma série com quatro revistas contando a história do rock, de seu início nos anos 50, até a época em que as revistas foram publicadas.
O responsável pelo texto foi o jornalista e pesquisador musical Roberto Muggiati, de quem aliás, já falei aqui neste espaço, quando comentei sobre dois livros de sua autoria. Os quatro volumes foram assim divididos: 1º Volume - Os Anos Heroicos (1954-1959); 2º Volume - Os Anos de Ouro (1962-1966); 3º Volume - Os Anos da Utopia (1967-1970) e 4º Volume - Os Anos da Incerteza (1970-1980). Fartamente ilustrado, e com um ótimo texto, onde o rock é contextualizado dentro dos períodos em que foram divididos na obra, onde as transformações sociais, políticas e culturais são destacadas, os quatro volumes da História do Rock oferecem um amplo panorama do que o rock representou no período destacado.
No primeiro volume, dedicado aos primórdios do rock'n roll (anos 50), Muggiati inicia seu texto dizendo: "No começo da década de 50, uma estranha e imprevista combinação iria desencadear a grande revolução. Um caipira do Mississipi, um americano típico de Detroit, um branco meio maluco da Luisiana, o filho de um lavrador do Tennessee, um ex-trombadinha de St. Louis, um crioulo de Nova Orleans filho de violonista, um mulato da Georgia gênero bicha louca, dois irmãos do Kentucky, filhos de cantores de rádio, um colegial do Texas. Nenhum deles parecia destinado a pouco mais do que uma existência anônima, sem a maior importância. Um time de perdedores. Mas, com a força da sua música, eles abriram caminho para o explosivo fenômeno do rock'n roll e se tornaram os heróis culturais de toda uma geração. Seus nomes: Elvis Presley, Bill Haley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Chuck Berry, Fats Domino, Little Richard, os Everly Brothers e Buddy Holly".
Cada um deses personagens tem sua história contada, juntamente com a história do gênero, além de outros personagens não ligados à música, e sim ao cinema, mas que se interligam com a história do rock, como James Dean e Marlon Brando, e a figura emblemática do "rebelde sem causa", muito ligada aos anos 50.

O Volume 2 destaca os anos 60, de 62 a 66, e traz na capa, como não poderia deixar de ser, os Beatles. Na introdução do segundo volume, Muggiati destaca:
"Com o final da década de 50, o rock já tinha se transformado numa assinatura reconhecida em todo o mundo. E quando a maioria imaginava que o gênero poderia ser vítima de uma decadência precoce - como dezenas de outras modas que vieram e passaram, o rock sacudiu a década de 60 com uma força que ninguém poderia prever."
Nesse segundo volume é destacada primeiramente a música de protesto e engajada em movimentos políticos, destacando-se Joan Baez e Bob Dylan. A folk music é apresentada como uma música que fala dos direitos civis, na luta ao lado das classes desfavorecidas. Mostra ilustrações com fotos de Joan Baez em concertos de fundo político e uma foto em que ela aparece numa marcha ao lado de Martin Luther King.
Bob Dylan (que por sua importância também poderia ser destacado na capa da edição) é amplamente citado numa matéria de várias páginas, onde é destacado não só seu lado de músico, que revolucionou e influenciou toda uma geração (inclusive os próprios Beatles, e mais tarde Hendrix, dentre outros) como também seu engajamento político, destacado em suas músicas de protesto.

Uma longa matéria com os Beatles vem em seguida, destacando seu início em Liverpool, até sua afirmação e ascenção - os anos da beatlemania e toda a influência que a banda representou. Como o segundo volume fala até o ano de 1966, a história dos Beatles continua a ser contada na terceira edição. Esse volume também destaca o fenômeno conhecido como Britsh Invasion, a invasão das bandas inglesas no mercado do rock: Rolling Stones, The Animals, The Yardbyrds, The Who, Cream e The Kinks.
Também é destacado o surgimento de novas bandas americanas. Num tópico intitulado "Reação Americana", o texto diz: "O boom britânico acabaria por despertar o rock americano, que entrara em hibernação em fins de 50/início de 60." É destacado principalmente o novo som vindo do estado da Califórnia, que iria dar no rock psicodélico dos anos 60: The Byrds, Country Joe & The Fish, Jefferson Airplaine, The Mammas and The Papas, The Mothers of Invention, Canned Heat, The Grateful Dead, etc.
O volume 3 destaca o período 1967-1970. Fala dos grandes festivais, como Monterey e Woodstock, e o surgimento de figuras marcantes como Jimi Hendrix, Janis Joplin,Jim Morrison dentre outros. É destacado também o movimento hippie, o "Verão do Amor", e vários pensadores que influenciaram aquela geração, como os autores beats e Herbert Marcuse. Como curiosidade a revista traz uma matéria de várias páginas contando detalhes sobre a gravação do álbum Sgt Peppers, dos Beatles.
O quarto e último volume, intitulado Os Anos da Incerteza, destaca o período de dez anos, entre 1970 e 1980. A introdução do volume diz: "A década de 70 parecia bem distante da petulância dos anos heroicos do rock. Muitos dos grandes nomes do passado já não revelavam sequer uma parte da força original, se acomodando e produzindo música sem interesse. Ao mesmo tempo, grupos novos não conseguiam ocupar um vácuo tão grande."
o último volume da série destaca o rock progressivo (Yes, Emerson, Lake and Palmer, King Crimson, Pink Floyd), destaca supergrupos, como Led Zeppelin, o surgimento do movimento punk (em várias páginas), a ascenção do reggae, a dico music, o estilo fusion, soul, etc. Esses quatro volumes da História do Rock é um excelente material de pesquisa sobre as três primeiras décadas do rock, escritas por quem entende do do assunto.

Cartola - Filosofias de um Herói Proletário

2011-12-27T14:27:00.000-08:00

Em Cartola convivem hermoniosamente, o elegante músico e o poeta acurado. De um lado, o cultor de sambas de preferência lentos, de harmonia trabalhada e ritmo sutil. E com ele, o escritor de imagens filosóficas, banhadas em acentuado misticismo, boa dose de resignação e outro tanto de alegria de viver, indispensáveis a uma sobrevivência árdua como deste herói proletário. Afinal, com essas armas, na prática, ele conseguiu furar todos os bloqueios e dissimuladas hostilidades, projetando sua arte num meio intelectual acentuadadamente elitista.
É certo que não se trata de um iconoclasta, demolidor de mitos, formas ou conteúdos. Ao contrário, Cartola é um clássico que raramente deixa escapar uma imagem mais crua como as rudes cenas de "O Que É Feito De Você", onde deplora a perda da mocidade. "E hoje quando passo/ A gurizada pasma/ Horrorizada/Como quem vê um fantasma/ E um esqueleto/Humano assim vai cambaleando/ Quase cai não cai". Outra excessão é "Desfigurado", onde ele compara a infelicidade de seu coração "pobre e magoado" com a do "menor abandonado". Com maior frequência, no entanto, as músicas de Cartola (que tanto pedem flautas e cavaquinhos, quanto violinos e oboés) desenrolam seus atos num cenário quase matafísico, onde se discute Deus, a vida, a morte, amores e ódios. Ou, em resumo, as desventuras e os prazeres da arte de viver, para a qual Cartola ostenta o diploma duplo de filósofo e aprendiz.
"Semente de Amor" - Este experimentado pensador descobre uma imponderável relação entre as coisas que previsivelmente "acontecem" ou não: "Vai chorar, vai sofrer e você não merece/ Mas isso acontece (...)". E fatalmente conclui que "o mundo é um moinho e vai reduzir as ilusões a pó". Nada como um dia após o outro afirma "O Sol Nascerá" (Finda a tempestade o sol nascerá). E qua as aparências enganam: "Quem me vê sorrindo pensa que estou alegre/ O meu sorriso é por consolação/ Porque sei conter pra ninguém ver/ O pranto do meu coração".
Candidamente, o sincero poeta admite a fragilidade da tese do amor único e eterno: "Tive sim, outro amor antes do teu/ Tive sim". Mas prefere calar, porque não pretende magoar sua nova paixão. "Semente de amor desde nascença", como confessa num verso de concisão extrema, Cartola termina por entregar sua solidão às rosas: "Que bobagem, as rosas não falam/ Simplesmente as rosas exalam o perfume que roubam de ti". Tantas decepções e frequentes voltas à realidade poderiam alistar o cético Cartola entre os trovadores da amargura e do pessimismo. No entanto ele tem fé (Grande Deus) e professa a modesta alegria do sambista de morro: "Habitada por gente simples e tão pobre/ Que só tem o sol que a todos cobre, como podes Mangueira cantar?/ Mas então saibas que não desejamos mais nada/ À noite a lua prateada".
Parecem estreitos estes limites poéticos que desfilam pelos três elepês do compositor. No entanto, eles bastariam ao Mestre Cartola para que passasse de pedreiro, gráfico, quitandeiro e vendedor ambulante ao artista reconhecido e convidado aos melhores salões. Uma trajetória de todo modo semelhante à que ocorreu ao próprio samba e que não escaparia às escuras - mas visionárias - lentes de Cartola, em parceria com Carlos Cachaça em "Tempos Idos": "Já não pertence mais à praça/ Já não é samba de terreiro (...) conseguiu penetrar no Municipal/ Depois de percorrer todo o universo". Enfim, missão cumprida.

Tárik de Souza (Veja - 18/10/78)

Ringo Starr - O Arlequim das Baquetas

2011-12-17T12:23:00.000-08:00

Muita gente considera Ringo Starr um cara mais sortudo do que talentoso. Por ter feito parte da mais brilhante banda de todos os tempos, os Beatles, e ter tido três companheiros de inegável talento, sendo um baterista de estilo discreto, e não um virtuose de seu instrumento, Ringo talvez nunca tenha sido considerado por nenhum fã da banda como seu Beatle favorito. Mas a verdade é que Ringo na banda era um baterista seguro, que definiu o ritmo e a batida de várias das canções clássicas da banda. Assim com Charles Watts dos Stones, por exemplo, Ringo tinha seu estilo discreto, sem usar mão de solos mirabolantes, mas de estilo fundamental para a música que a banda executava. Abaixo, transcrevo um texto sobre ele, escrito por Pedro Amaral na revista de arte e cultura O Carioca, em 1997, intitulado O Arlequim das Baquetas.
"Nascido Richard Starkey, nome que abria-lhe um amplo campo profissional, ou pelo menos não o limitava, jovem ainda, fez-se Ringo Starr. Além de lavrar (por sugestão, quem sabe, de algum diretor de propaganda) seu ingresso na constelação das celebridades, este nome, aparentemente uma opção, deliberada pela brincadeira, pela pantomima, traz, no eco da palavra 'anel' (ring), a ideia - por desenvolver - de que ele não pretendia senão tornar-se uma espécie de adorno, um enfeite, jamais o centro das atenções. As más línguas - que no chamado show business parecem ser as únicas existentes - consagraram a lenda de que Ringo, provavelmente o baterista mais famoso do mundo, jamais aprendeu a rufar os tambores. Com efeito, percebe-se que, não bastasse a posição que ocupava, junto ao pano de fundo, escondido atrás de seu instrumento como um atirador em uma trincheira, seu estilo caracterizava-se por uma economia de meios, uma atenção ao 'essencial', limitando-se a ele, às vezes, à função de metrônomo - talvez por isso mesmo as fugas a essa regra se tenha gravado na memória de milhões de ouvintes, inclusive ouvintes desatentos.

Contudo, o feito notável (embora ainda não notado) desse arlequim narigudo, de riso infantil e costeletas improváveis foi certamente o de estabelecer em torno de si uma tríade de personalidades distintas, que se misturavam e se equilibravam formando uma espécie de escudo, um campo magnético que lhe garantia a impermeabilidade de seu mundo: de um lado, um homem inquieto, impulsivo, de um violento poder criador (que reivindicava para si um fim trágico), e que exercia sobre as pessoas um fascínio tal que fazia muitas terem nele um guia, uma liderança irresistível; de outro, um tipo vaidoso, bem-comportado, dotado de um grande talento e que, mesmo sem compreender (por não tentar ou por não compreender) a natureza da força que tinha ao lado, esmerava-se em acompanhá-la, ampará-la (o que às vezes significava apará-la), saciando, com aparente abnegação, sua sede de glória; ao centro de ambos, como o fiel da balança, o mais lúcido, maduro, que, sem contar com aqueles maiúsculos atributos de seus pares (mas munido de uma espécie de fé), contemplava-os e seguia-os, como um irmão mais velho, um tutor benevolente, amigo de seus protegidos - suas intervenções, sempre simples e pungentes, agiam como uma linha a cerzir aquele variegado tecido. Por detrás de todos, no lado escuro da Lua, Ringo seguia intocado, gozando de uma alegre irresponsabilidade, e podemos imaginar a que deleites se entregava quando não estava sob a guarda dos três: 'entornava' garrafas de scoth, fumava brincando com a fumaça, tinha lá seus amores, delírios, escrevia composições e aforismos (em lampejos de clarividência), tascava epítetos nos circundantes e, principalmente, varava madrugadas sozinho, no estúdio de seu castelo, rindo e... fazendo rufar os tambores."

Arnaldo Antunes - 1990

2011-12-16T10:42:00.001-08:00

Em fevereiro de 1990 o jornal cultural Nicolau, editado pela Secretaria de Cultura do Paraná, publicava um texto de Arnaldo Antunes. Na época Arnaldo só tinha um livro publicado, e ainda não seguia carreira-solo. Ao final do texto, na apresentação do autor, Arnaldo era apresentado como "poeta, autor de Psia (Ed. Expressão, 1987) e integrante do grupo de rock Titãs". É um texto muito louco e interessante, datilografado, e com algumas correções feitas a caneta, como crases, vírgulas acentos e riscos, corrigindo imperfeições. Na época eu era um fã dos Titãs, e já via em Arnaldo o artista talentoso que ele já demonstrava ser. Segue abaixo o texto:

Eu pedi um café e perguntei à moça que servia no balcão se ela acreditava em discos voadores. A moça disse que não. Eu desdobrei o jornal que dizia que um objeto não-identificado tinha seguido um avião durante duas horas, sendo visto por todos os passageiros, menos por um cardeal e pelo padre que acompanhava o cardeal pois eles se recusaram a olhar. Eu perguntei à moça o que ela pensava daquilo. O jornal mostrava um desenho do objeto feito pelo comandante do avião. A moça disse que devia ser um cometa. Eu perguntei se ela nunca havia visto um marciano na vida dela. Disse que não, e eu disse que ela estava olhando pra um naquele momento. Eu saí do bar como o meu jornal e um policial me perguntou aonde eu ia. Que eu ia pra casa, ele viu nos meus olhos e na minha roupa que eu mentia, mas me deixou ir. Enquanto eu falava com o policial um tipo alto e magro ria, junto com seu companheiro um pouco mais baixo de cabellos encaracolados. Eles riam de mim, me olhando sentados no balcão e cochichando um com o outro porque eu tremia ao falar com o policial. Quando eu estava liberado eu voltei ao bar e pedi outro café, encarando os dois caras que continuavam a rir. Eu disse para o mais alto: vocês estão sempre juntos, hem? E ele respondeu que sim, tipo umas trinta vezes por noite.

Preciosidades em Vinil: Orós - Fagner

2011-12-11T05:00:00.000-08:00

Um grande disco que possuo, não só em vinil, como também em cd é Orós, de Fagner. Lançado em 77, esse disco representou uma ruptura no trabalho de Fagner, e até hoje é um trabalho diferenciado em sua carreira, pelo experimentalismo e ousadia. Tendo Hermeto Pascoal como arranjador e diretor musical (ao lado do próprio Fagner), Orós traz músicos de expressão, como Robertinho de Recife (guitarra), Paulinho Braga (bateria), Chico Batera (percussão), Nivaldo Ornelas (sax), Márcio Montarroyos (trumpete e flugelhorn), Dominguinhos (acordeon), Mauro Senise (flauta), além de Hermeto Pascoal e seu grupo. Na época de seu lançamento, a jornalista Ana Maria Bahiana fez a seguinte resenha do álbum para o Jornal de Música:

"O difícil do progresso é a transição. Insatisfeito em ser apenas mais um compositor cearense ligado ao formato 'canção popular', Fagner foi buscar em Hermeto as luzes e forças necessárias para progredir. Passo interessante na atitude, na inquietação , mas perigoso nos resultados. Hermeto, como se sabe, é um superfuracão albino, estraçalhador de moldes convencionais, catapulta tão possante quanto destruidora, depende da resistência do que é projetado. E a música de Fagner, ainda ligada ao feitio canção, quase se espatifa toda e, como o açude que dá nome ao disco, transborda. No mau sentido. O que Orós poderia ter sido, integralmente - e o que a música inteira de Fagner, inteira poderá ser se ele souber segurar firmemente o barco - está em algumas faixas brilhantes: Romanza, uma das derradeiras parcerias Fagner/Belchior (com Fausto Nilo também) parte de uma base nordestina de galope e, por artes de Hermeto, explode em todas as direções, com a voz cortante de Fagner duelando com o sitar diabólico de Robertinho de Recife; e Cebola Cortada, de Petrúcio Maia e Clodo, onde Hermeto consegue conciliar seus impulsos amazônicos com os limites da canção de amor, coisa que Fagner certamente sabe cantar. Há também esboços interessantes, como a faixa título, bem mais hermética que fagneriana, e Fofoca, composta pela dupla no estúdio, com um uso inteligente de timbres de voz e dublagens sucessivas - coisa que está colocada, com perfeição em Romanza."
Como se vê em sua crítica, a jornalista faz restrições ao álbum, justamente pelo aspecto ousadia, que citei no início do texto. Creio que algumas obras só são compreendidas integralmente, com o distanciamente que o tempo sabiamente traz.

Algumas faixas não são citadas na crítica, e que ouvidas hoje, se constituem em algumas das melhores gravações da carreira de Fagner, como Cinza, Flor da Paisagem e Epigrama nº 9 (poema de Cecília Meireles musicado por Fagner). Não há uma música sequer que pode ser considerada fraca, e o transbordamento a que se refere a jornalista, da música de Fagner, que ela ressalta ser no mau sentido do termo, eu colocaria justamente na condição contrária: é um transbordamento de criatividade, de ousadia e musicalidade, coisas que andam tão em falta hoje em dia.
Posso dizer que Orós é um grande disco, e que hoje, 34 anos depois de seu lançamento, pode ser mais compreendido do que na época.

Eu Comi a Merenda de Zé Carlos e Neguei - João Ubaldo Ribeiro

2011-12-09T12:14:00.000-08:00

A revista Careta, que circulou nos anos 80, trazia uma sessão chamada "Minha Escrotidão Inesquecível", onde uma personalidade confessava um deslize, uma babaquice ou um ato pouco louvável de sua vida. Em sua edição de julho de 1981 a revista trazia um depoimento do escritor João Ubaldo Ribeiro, relembrando um episódio de sua infância. Segue abaixo sua narrativa:
"No jardim de infância dirigido por Dona Bebé, em Aracaju, por volta de 1946, o costume era a gente levar de casa nossas lancheiras, com um sanduíche ou dois, um refrigerante ou então um chocolate quente na garrafa térmica (que lá se chama 'quente-frio'). Algumas classes eram organizadas, na hora da merenda. A professora mandava buscar as lancheiras e distribuía as merendas nominalmente, uma por uma. Outras clases, contudo, eram mais esculhambadas: empilhavam as lancheiras na mesa da professora e o pessoal avançava.
Não foi assim que, por engano - porque sempre fui meio abestalhado - entrei na classe de meu amigo Zé Carlos, que era do tipo 'avançar'. Não reparei nada. Pensei que o sistema tinha mudado e avancei também. Peguei o primeiro pacotinho e bagunhei. Era pão com goiabada. Mendei ver. Futuquei mais na lancheira, achei um quente-frio meio diferente do meu, mas tomei de qualquer jeito. Era laranjada.
Eu já tinha quase acabado a laranjada e o pão com goiabada, quando, no meio da confusão, vejo o Zé Carlos diante de mim, e apontando a merenda dele, que eu praticamente já devorara. Zé Carlos - terrível agravante - era um menino ótimo, que morava perto de mim e me fazia favores, emprestava coisas e quebrava galhos.
- Você comeu minha merenda! - berrou ele.
- Mentira sua! - disse eu, com todo o cinismo.
E, engolindo calmamente o último pedaço de pão com goiabada, marchei em compasso lento para a porta como um desses pistoleiros que se evadem sem precipitação, andei para a minha sala, ainda peguei minha própria merenda (sanduíche misto e chocolate) e não tive remorsos. Quando Zé Carlos se queixou, neguei tudo com veemência, fiquei ofendido. A história era inverossímil, a professora dele não queria admitir que não estava fiscalizando a classe. Todo mundo me deu razão, até hoje eu passo de bonzinho lá. A verdade é esta.
Não tenho a mínima justificativa para minha atitude. Foi uma coisa que deu em mim."

Caetano e o Pasquim (1969)

2011-12-08T11:16:00.000-08:00

Em 1969 Caetano e Gil viviam exilados em Londres. Nesse ano surgiu um novo veículo de comunicação que seria o principal órgão de imprensa a expresar críticas à ditadura militar que se instalara no Brasil há cinco anos - o jornal O Pasquim. Naquele período, Caetano passou a escrever regularmente para o jornal, enviando notícias de seu exílio. Muitas crônicas foram escritas naquele período. Ao homenageá-lo com a música Quero Voltar Pra Bahia, o compositor Paulo Diniz dizia : "Via Intelsat eu mando notícias minhas para O Pasquim...". O Intelsat citado na música era um satélite que permitia que notícias e imagens de países distantes chegassem até nós em tempó real, uma novidade na época. A ilustração dessa postagem mostra uma interessante foto de Caetano tirada em Londres, que rendeu ao jornal uma bela capa. Abaixo reproduzo uma crônica de Caetano publicada em novembro de 1969:
"Hoje quando eu acordei eu dei de cara com a coisa mais feia que já vi na minha vida. Essa coisa era a minha própria cara. Eu sou um sujeito famoso no Brasil, muita gente me conhece. Eu acredito que a maneira pela qual esse conhecimento se dá pode dizer muito a mim mesmo sobre mim. Acho que uma capa de revista pode ser como um espelho para um homem famoso.
Quando um homem vê sua cara no espelho ele vê objetivamente em que estado a vida o deixou.
O vídeo-tape, a fotografia colorida e as manchetes que incluem o nome de um homem famoso são também assim como o espelho. Durante todo o tempo em que estive trabalhando em música popular no Brasil eu sempre levei em conta esse fato. E eu pensava que estivese fazendo alguma coisa, pois a imagem que me era devolvida era a de alguém vivo, em movimento, passando realmente por essas coisas.
Hoje eu fui à aula de inglês e Mr. Lee me ensinou como usar direct speech em lugar de reported speech. Depois da aula King's Road estava sem beleza, sob uma chuva fria e crônica. Eu atravesso as ruas sem medo, pois eu sei que eles são educados e deixam o caminho livre para eu passar. Mas eu não estou aqui e não tenho nada com isso.
Estou andando como homens, com meus dois pés. Não penso em fazer nada. Alguém entende o que seja isso?

O cara que me vende cigarro no Picasso fala espanhol. Na janela da casa onde estou morando tem uns gerânios que já estão secando por causa do outono. Meu coração está cheio de um ódio opaco. As crianças inglesas são belas e agressivas. A Rainha Elizabeth está pedindo aumento de salário. Eu não dependo disso tudo. Nada disso depende de mim. O aspirador não serve para limpar as cortinas porque é muito pesado. Aqui em casa. O Rei esteve ontem aqui em casa e eu chorei muito. Se você quiser saber quem eu sou posso lhe dizer: entre no meu carro, na estrada de Santos você vai me conhecer.
Talvez alguns caras no Brasil tenham querido me aniquilar; talvez tudo tenha acontecido por acaso. Mas eu agora quero dizer aquele abraço a quem quer que tenha querido me aniquilar porque o conseguiu. Gilberto Gil e eu enviamos de Londres aquele abraço para esses caras. Não muito merecido porque agora sabemos que não era tão difícil assim nos aniquilar. Mas virão outros. Nós estamos mortos.
Ele está mais vivo do que nós."

Black Oak Arkansas - 1976

2011-12-07T12:54:00.000-08:00

O rock sulista americano produziu várias bandas que ajudaram a marcar um estilo, baseado em influências do country rock, com pitadas de blues. Bandas como os Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, Poco, e outras, fariam a fama do rock produzido no sul dos EUA. Dentre essas bandas, uma das mais interessantes é a Black Oak Arkansas. Em novembro de 1976, a revista Pop trazia uma matéria sobre eles, que começavam a se destacar no cenário musical americano. Segue abaixo a matéria:
"Na pequena vila de Black Oak, em Arkansas, uma das regiões menos desenvolvidas dos Estados Unidos, a vida de seus 500 habitantes nunca sofre grandes transformações: plantar, colher, esperar algum benefício das cidades vizinhas. Nos últimos anos, porém, a fulminante trajetória de um grupo de rock mudou quase radicalmente as feições do lugar. Entre outras proezas, depois que deixaram Black Oak para alcançar sucesso internacional, os rapazes do Black Oak Arkansas ajudaram a construir a agência de correios da cidade, doaram 35 mil dólares para a construção de uma escola (transformando a velha em um museu), importaram um um pulmão de aço para o posto de saúde, foram acusados pelo padre local de 'grupo de origens satânicas' e convidados especialmente para a posse do novo governador do Estado. Certamente, uma ficha heroica e contraditória, como o próprio rock.
Amigos íntimos desde muito jovens, os seis rapazes do Black Oak Arkansas sempre tiveram certeza de que suas vidas não seriam iguais às das pessoas do lugar. E para conseguir esse objetivo, a música era o melhor caminho, segundo relembra o vocalista Jim Dandy:

- Há dez anos, nós vivíamos em Black Oak e éramos rebeldes, como todos os adolescentes. Não sabíamos o que queríamos fazer, e tudo o que ouvíamos, dos vizinhos e professores era: 'Comportem-se, sejam como nós'. No entanto, sentíamos que a vida era bem maior que a compreensão das pessoas de Black Oak. Queríamos ter nossa própria consciência, algo que a maioria das pessoas não tem e não gosta que outros tenham. Nós fomos os primeiros a usar cabelo comprido em Arkansas. Quando íamos tocar nas cidades vizinhas, tínhamos que voltar correndo pra casa depois do show, para evitar brigas e agressões do público, por causa de nosso cabelo e comportamento. Quando as pessoas nos diziam para sermos bonzinhos e não incitar o público, nós achávamos engraçado. Afinal, incitar o público significa fazer mudanças, e as mudanças precisam acontecer.
Hoje em dia, os músicos do Black Oak Arkansas continuam morando na mesma região, numa imensa fazenda que chamam de 'Paraíso Terrestre'. Com nove LPs editados, vários deles tendo recebido o 'disco de platina' (um milhão de cópias vendidas), eles são um dos grupos americanos que mais se apresentam, com uma média de 200 shows por ano. Ao contrário dos Allman Brothers, com quem são constantemente comparados por causa das origens sulistas, a música do Black Oak é barulhenta, suja e improvisada. Mas, segundo Jim Dandy, não podria ser de outro modo, 'já que nossa música é reflexo do mundo atual...'"

Os Carloz - Sesi Campos

2011-11-26T07:20:00.001-08:00

O SESI Campos durante esse ano de 2011 se constituiu em um novo espaço para a música produzida na cidade. O bom teatro, com espaço para duzentas pessoas, tem atendido bem aos projetos musicais desenvolvidos por bandas e artistas locais de diferentes segmentos, do samba ao rock. Várias bandas da cidade têm passado pelo palco do teatro do SESI, e tudo indica que em 2012 o espaço continuará aberto para a produção local, não só de música, como também o teatro. Não se pode esquecer de mencinar o empenho do diretor Fernando Rossi, que administra o espaço e tem dado esse apoio tão necessário.
Mas falando especificamente do show de ontem, a banda Os Carloz se dedica preferencialmente ao repertório da fase Jovem Guarda de Roberto Carlos. Formada por Ranieri Martins (vocal), Ricardo Kadico Azevedo (guitarra), Guilherme Rabelo (baixo) e Daniel Azevedo (bateria), a banda se propõe a dar uma nova roupagem ao repertório Jovem Guarda de Roberto, porém sem procurar inventar muito - os arranjos originais foram na maioria respeitados.
A descontração foi a tônica do show, com os membros tocando como se estivessem numa festa entre amigos, e na verdade era um pouco isso mesmo, e esse clima ajudou a tornar o show bem animado, com o público bem participativo. Na verdade foi uma grande festa de arromba, como foi a fase da Jovem Guarda.
Alertando ao público que não se considera um cantor, o vocalista Ranieri, apesar de não ter uma grande voz soube segurar a onda, interpretando vários clássicos do Rei. Iniciando a apresentação com Se Você Pensa, trazendo em seguida É Proibido Fumar e Não Vou Ficar, ele chamou o público a se levantar das poltronas e se aproximar do palco, pra festa ficar completa. Empolgado pela música dançante, e ainda estimulado por uma cachacinha oferecida pelos promotores do evento, a diversão estava garantida. Não faltaram outros clássicos da Jovem Guarda, como Ciúme de Você, O Gênio, Noite de Terror, Eu Te Amo,Te Amo,Te Amo, Não Há Dinheiro e Nasci Para Chorar, entre outras. A bela balada, de autoria de Antonio Marcos, E Não Vou Mais Deixar Você Tão Só, representou bem o romantismo do Rei. Agumas músicas pós-Jovem Guarda também entraram no repertório, como o Portão.

Muito boa também a inclusão de uma de Erasmo, como não poderia deixar de ser, e melhor ainda de tê-la dedicada a mim, um fã confesso do Tremendão. Filho Único, do disco A Banda dos Contentes, de 1977, caiu bem em meio aos sucessos de Roberto. Outra da fase posterior à Jovem Guarda incluída no set-list foi Além do Horizonte. Essa música eu preferiria que fosse cantada conforme Roberto gravou, sem a inversão dos versos "Se você não vem comigo tudo isso vai ficar no horizonte esperando por nós dois/Se você não vem comigo nada disso tem valor valor, de que vale o paraíso sem amor". A letra foi cantada conforme a gravação do Jota Quest. Eu gosto mais da forma original. Mas esse detalhe não invalida a interpretação.
O ponto alto da apresentação em minha opinião foi com Todos Estão Surdos, numa levada bem funkeada. A fase soul de Roberto, um dos pontos altos de sua longa carreira, não poderia ficar de fora, e nessa música novamente a banda mostrou competência, com o baixo de Guilherme fazendo a marcação funk, com a guitarra de Kadico conduzindo a levada funk/soul, e a batera segura de Daniel ditando o ritmo, enquanto Ranieri nos vocais passava a mensagem pacifista da bela letra. Encerrando o show, Amigo, outro clássico pós-Jovem Guarda, para dar um clima de fim de festa, e fazendo todo mundo cantar e dançar. Foi um belo show para homenagear aquele que sempre será o nosso Rei.

Raul Seixas - 1976

2011-11-14T09:00:00.000-08:00

Raul Seixas é um dos mais marcantes, influentes e carismáticos artistas surgidos no Brasil. "Você tem que deixar sua marca no planeta" disse ele uma vez, e hoje o culto à sua obra prova que sua marca ficou.
Em agosto de 1976 a revista Música trazia uma matéria de capa com Raul, que vivia na época o seu auge criativo, vivendo ainda sua antológica parceria com Paulo Coelho. O texto se iniciava com uma pequena apresentação de Raul e sua obra:
"Raul Seixas é uma figura nebulosa. Para falar dele, e entendê-lo, necessita-se uma visão aberta aos conhecimentos racionais, à Metafísica. Na sua mente misturam-se plantas, velas, frenesis, espíritos, bomba atômica. Uma coisa meio complicada. Mas tudo isso é ele mesmo. É sua vivência, sua cabeça. Suas letras apresentam figuras bíblicas aliadas a mulheres de taberna, Condes Dráculas e Zumbis e soldados de campanha. Em outras, se auto-define como sendo as coisas da vida, o início, o fim e o meio. Aqui ele se expõe. Sem início, meio e fim."
Na época em que a revista saiu, Raul vivia um período de grande sucesso. A faixa-título de seu disco Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás, tocava direto nas rádios, impulsionando as vendagens de seu álbum. O disco, por sinal, era muito bom. Sua parceria com Paulo Coelho representava a melhor fase de seu trabalho. Apesar de hoje, seu antigo parceiro ser considerado um escritor que produz uma literatura de qualidade duvidosa, não se pode negar que como letrista, Paulo Coelho conseguia traduzir em palavras todas as ideias revolucionárias e contestadoras que emergiam da cabeça inquieta de Raul. Abaixo alguns trechos da matéria:
"'Eu sou de 45, o ano em que soltaram a bomba atômica'... é assim que ele se define, fruto de uma época. Seu trabalho, como diz é 'o espírito social de uma época.' Criado em uma família comum, teve uma infância fechada em casa. 'Minha mãe não me deixava sair na rua para não aprender palavrão.' A vasta biblioteca de seu pai foi seu brinquedo preferido , daí veio seu gosto pela palavra e uma miopia precoce. Como muitos garotos dessa geração, logo se interessou por James Dean e sua rebeldia. Elvis Presley veio logo em seguida tomar seu lugar. 'Eu ouvia Elvis o tempo todo'. Um violão comprado pela mãe foi o resultado rápido dessa devoção. Os acordes foram vindo sozinhos, ouvindo os discos e tentando tirar as músicas. 'Pegava fogo dentro de mim'. A música e a literatura misturavam-se, preparando o caminho para sua carreira."

A matéria segue narrando a carreira e a vida de Raul. Em determinado trecho é citada a ida de Raul para os Estados Unidos - um exílio imposto pelo governo da ditadura, pelo seu caráter anarquista que incomodava os militares. O enorme sucesso de Gita, que estourou nas paradas quando ele estava fora, obrigou os militares a trazê-lo de volta, pois não tinham como justificar a ausência do mais popular cantor da ocasião. De volta ao Brasil, Raul alimentou um mito, um suposto encontro com John Lennon e Yoko Ono, que na verdade nunca ocorreu. A matéria assim descreve esse episódio:
"Nos Estados Unidos em Nova York por um ano, conhece John Lennon e Yoko Ono e lança as bases da Sociedade Alternativa, uma proposta de vida, da qual muita gente tentou ser sócio, 'mas não é nada disso, ela está apenas na cabeça de todos nós.' Seus estatutos diziam: 'Faze o que tu queres, tudo é da Lei'."
Na parte final da matéria, Raul declara:
"Faço um embrulho bonito do que eu quero dizer. A música é uma embalagem do que eu sei fazer. Poderia ter sido escritor, mas canalizei no rock.
Eu sei ser simpático quando aperto a mão das pessoas. Isso vem de coração. Elas entendem. É assim que eu faço música, na intenção e na intuição. A ideia básica sai do coração, espontânea. O invólucro, a embalagem é um tempero proposital para as pessoas gostarem."

Só Garotos - Patti Smith

2011-11-10T11:56:00.000-08:00

No momento estou lendo, e já quase chegando ao fim, o livro Só Garotos, que são memórias da cantora Patti Smith. Trata-se de um livro onde ela narra sua relação com o fotógrafo Robert Mapplethorpe, com quem ela conviveu bem antes de se tornar uma das cantoras e compositoras revelação dos anos 70. Numa apresentação na contracapa, o livro é assim apresentado:
"Antes de se tornar famosa, a poeta e performer Patti Smith dividiu a cama, a comida e o sonho de ser artista com o fotógrafo Robert Mapplethorpe, a quem prometeu escrever este livro, pouco antes que ele morresse".
O título do livro é explicado logo em seu início, nesse trecho:
"Em um dia de veranico vestimos nossas roupas favoritas, eu com minha sandália beatinik e uma velha echarpe, e Robert com suas amadas miçangas e o colete de ovelha. Pegamos o metrô até a West Fourth Street e passamos a tarde na Washington Square (...)
Estávamos andando em direção à fonte, o epicentro da ação, quando um casal mais velho parou e ficou abertamente nos observando. Robert gostava de ser notado, e apertou minha mão com carinho.
'Oh, tire uma foto deles', disse a mulher para o marido distraído, 'acho que são artistas.'
Ora, vamos logo, ele deu de ombros. 'São só garotos.'"
Um trecho do livro me fez lembrar de um fato que também aconteceu comigo uma vez, nos anos 80. O trecho é o seguinte:
"Uma frente fria passara por Nova York em outubro. Fiquei com muita tosse. O aquecimento nem sempre fucionava em nosso espaço. Não era um lugar feito para morar e sentíamos frio à noite. Robert muitas vezes ficava no Davis, e eu pegava todos os nossos cobertores e ficava acordada até bem tarde lendo Luluzinha e ouvindo Bob Dylan. Tive problemas com meus dentes do siso e estava acabada. Meu médico disse que eu estava com anemia e me mandou comer carne vermelha e beber cerveja escura, conselho dado a Baudelaire quando passou um inverno terrível em Bruxelas, doente e solitário.
Eu dispunha de um pouco mais de recursos do que o pobre Baudelaire na época. Vesti um velho casaco xadrez com bolsos grandes e surrupiei dois filés pequenos no Gristede's, pensando em fazê-los na frigideira de ferro fundido da minha avó, fritos no meu fogareiro elétrico. Fiquei surpresa ao encontrar Slim na rua e fizemos nosso primeiro passeio não noturno.Preocupada que a carne pudesse estragar, finalmente admiti que estava com dois pedaços de carne crua no bolso. Ele olhou para mim, tentando apurar se eu dizia a verdade, então enfiou a mão no meu bolso e puxou o bife no meio da Seventh Avenue. Balançou a cabeça fingindo me dar uma bronca e disse: 'Ok, docinho, vamos comer'".

O fato semelhante que aconteceu comigo, e que esse trecho me fez recordar é o seguinte. Uma vez, nos anos 80, numa noite de sábado, encontrei com um amigo, que estava de carro. Havia outras pessoas conosco, e uma dessas pessoas era um cara, que eu não conhecia, e que teve acesso à cozinha de um hotel da cidade. Num momento em que ficou sozinho no recinto, surrupiou um pedaço de carne crua, então saímos pela cidade, na madrugada, procurando um trailer que aceitasse assar aquele pedaço de bife na chapa. Após peregrinarmos por vários trailers da cidade, finalmente encontramos um que aceitasse grelhar nosso bife, que dividimos irmamente.
Também éramos só garotos.

Rumble Fish/ O Selvagem da Motocicleta

2011-11-05T19:13:00.000-07:00

Em minha recente postagem sobre o poeta Chacal, eu falei sobre uma coleção chamada Cantadas Literárias, que a Editora Brasiliense mantinha nos idos dos anos 80. Várias obras de peso, nacionais e internacionais foram lançadas nessa coleção. Dentre elas um livro marcante, e que gerou uma excelente adaptação para o cinema. Trata-se de Rumble Fish, de Susan E. Hinton, que foi adaptado para o cinema em 1983. No Brasil, o filme ganhou o título de O Selvagem da Motocicleta. Esse título, por sinal, de vez em quando confunde algumas pessoas, que ao citarem o clássico O Selvagem, com Marlon Brando, erroneamente lhe dão o título de O Selvagem da Motocicleta, até porque Brando nesse filme, faz parte de uma gang de motociclistas.
O livro de Susan E. Hinton foi lançado em 1969, quando a autora tinha 19 anos. A adaptação para o cinema, com direção de Francis Ford Copolla aconteceu bem depois, já nos anos 80, e ajudou a impulsionar e trazer o livro de volta às livrarias.
No Brasil, na esteira do filme, Rumble Fish foi lançado em 1988, e na época saiu uma resenha num informativo da Editora Brasiliense chamado Primeiro Toque, que era um catálogo dos lançamentos de editora. Abaixo, alguns trechos dessa resenha, escrita por Pedro de Luna:
“Ainda me lembro muito bem do dia em que assisti a Rumble Fish pela primeira vez. Como sou um autêntico ‘cinemaníaco’, sempre procuro assistir aos novos filmes logo que eles estreiam. No caso de Rumble Fish isso não foi diferente. Era uma quinta-feira superquente, março de 87. Eu tinha passado o dia todo trabalhando aqui na editora e quando bateu as 5:30 eu queria, tinha, precisava mesmo dar uma saída. Eu já sabia que o filme estreava naquele dia e sabia que era do Copolla, um diretor que para mim, desde que assisti a Apocalypse Now é simplesmente demais!
Saí daqui com uma amiga que trabalhava na Arte, a Ângela, pegamos um ônibus na Paulista e fomos pro cinema, o Paulistano, ali na Brigadeiro Luis Antônio.
A gente tinha marcado de se encontrar com Celso, um cara muito legal que já editou o Primeiro Toque e que hoje está em Londres, mas ele deu o cano. Compramos os ingressos, entramos na sala e fomos sentar lá na frente. Estava passando o jornal do Primo Carbonari e a gente se divertiu contando quantas vezes o próprio Primo Carbonari (um velho imensamente gordo e careca que parece sempre usar o mesmo terno) aparecia nas reportagens daquele lixo que ele chama de cinejornal. E aí, de repente, Rumble Fish – proibido para menores de 16 anos, porque, segundo a censura, abordava ‘temáticas complexas’...(???)
Imagens em preto e branco, cenas de uma pequena cidade do meio-oeste americano, anos 60, o Bar do Benny (um cara de óculos que eu logo reconheci como sendo o músico Tom Waits), e Matt Dylon, ou melhor, Rusty James, um garoto de 16 anos, metido a valentão, e que sonha em ser como o irmão mais velho (explicação: o irmão mais velho é nada mais, nada menos do que Mickey Rourke, o motorcycle Boy)
Foram duas horas de paralisia. Eu estava grudado na poltrona e não conseguia me mexer. Através da simples história de uma guerra entre gangs juvenis e das perspectivas de um adolescente diante do seu futuro, Rumble Fish foi para mim uma das mais contundentes e ferinas críticas ao american way of life, um sistema que, como todo o sistema, só serve para quem nele se insere, ou se submete.”

Apesar da publicação ter como objetivo promover e divulgar o livro, o texto fala do filme e não da obra literária, embora, logicamente por se tratar de uma adaptação, o livro indiretamente é lembrado e também divulgado. O livro é mesmo ótimo, e mereceu a excelente adaptação cinematográfica, algo que nem sempre ocorre.
Uma citação de uma resenha publicada no jornal americano Newsweek descreve Rumble Fish como “um livro que fala de juventude, de liberdade e de espaços abertos. Mais do que isso, revela uma outra visão do american way of life: a dos inconformados, dos ‘selvagens’ que tentam a todo custo levar suas vidas fora dos padrões pré-estabelecidos, mesmo que – para isso – corram o risco de perdê-las. Rumble Fish é um brilhante poema sobre o exílio interior.”

Kafka em Quadrinhos

2011-10-25T13:52:00.001-07:00

A união da literatura e quadrinhos sempre rendeu bons frutos. É lógico que depende muito da visão do desenhista, aliado à de quem adapta o texto para que ele execute seu trabalho. Isso quando não é o próprio artista que faz sua própria adaptação ao texto literário.
Já há um bom tempo, os quadrinhos, que já foram considerados uma arte menor, passaram a ganhar status de grande arte, com o reconhecimento do valor de vários mestres do traço, como Will Eisner, Moebius, Guido Crepax, Frank Miller, Robert Crumb e tantos outros, cada qual em sua escola e seu tempo.
Adaptar obras literárias para os quadrinhos é uma prática que seduz muitos quadrinhistas, pelo desafio e prazer que é colocar no papel através de ilustrações e adaptações, textos já conhecidos e celebrados. Aqui mesmo nesse espaço já falei de uma antiga revista que lançou uma edição especial só com adaptações em quadrinhos para textos de Edgar Allan Poe. O resultado ficou muito bom. Por se tratar de uma publicação voltada ao gênero terror, os textos de Poe oferecem uma excelente fonte de adaptação para o gênero HQ.
No caso da revista a ser comentada, o resultado também foi dos mais interessantes. Em 1987, a Press Editorial, uma editora voltada aos quadrinhos, que lançava revistas voltadas para o humor, lançou uma edição mais luxuosa, com capa plastificada e papel de melhor qualidade, tipo cartão, com adaptações de textos de Franz Kafka. O responsável pela arte é um quadrinhista e ilustrador argentino chamado Léo Durañona.
Os textos adaptados são alguns contos escritos pelo escritor tcheco: E Execução, A Mensagem Imperial, Diante da Lei, Médico do Campo, O Pesadelo da Senhora Aghata e A Célula. Todas as histórias são adaptações livres, com exceção de O Pesadelo da Senhora Agatha, escrita por Guilhermo Saccomano.

Um pequeno e resumido texto de contracapa define bem a obra: “Kafka Em Quadrinhos Por Léo Durañona une dois grandes mestres. O primeiro, da literatura, o segundo, das artes gráficas. E o resultado é dos mais belos e profundos jamais antes obtidos nos quadrinhos. Temos aqui uma obra do gênero, que merece destaque em qualquer quadrinhoteca.”
Em uma pequena biografia ao final da revista, o ilustrador argentino, cujo trabalho eu não conhecia até então, é assim apresentado: “(...) Estudou desenho e pintura na Academia Superior de Belas Artes, e estética e desenho na Universidade Nacional de Buenos Aires. Já viajou pelo México, Estados Unidos e Europa. Ele começou a fazer quadrinhos nas revistas Hora Cero e Frontera, de 1958 a 1961. No ano seguinte e durante cinco anos, trabalhou como free-lancer para várias editoras argentinas como ilustrador para as revistas Para Ti, Billiken, Maribel e Semana Ilustrada. Depois trabalhou em televisão e publicidade até 1974, quando foi para os Estados Unidos. E até 1980 trabalhou para a Warren, fazendo histórias em quadrinhos para as revistas Vampirella, Creepy e Eerie; e também para a revista Heavy Metal e para a Marvel Comic Group. Ilustrações para o New York Times e Village Voice.”

Os textos de Kafka são bastante densos e carregados de metáforas. Sendo assim exigem um traço preciso, que passe ao leitor toda a carga emocional que o texto carrega, e isso Durañona soube fazer com maestria. Carregados em detalhes, em preto e branco, usando bastante a técnica do sombreamento com precisão, os desenhos envolvem o leitor naquele clima noir das obras de Kafka, bem exemplificadas em seus títulos mais conhecidos: Metamorfose e O Processo. Aliás, no texto biográfico do artista argentino, a revista revela que na ocasião (1987) ele estava desenvolvendo um trabalho baseado em Metamorfose. Não sei como ficou essa adaptação, se ela realmente aconteceu, se foi publicada ou lançada por aqui. Acredito que não. De qualquer forma, Kafka em Quadrinhos dá uma boa mostra do trabalho de Durañona baseado nesse grande mestre da literatura mundial, provando que quadrinhos é cultura, e das boas.

Hermeto Pascoal em Campos - 1995

2011-10-23T11:04:00.000-07:00

Tem dias que ficam na história. Uma data marcante para quem gosta da boa música em Campos foi o dia 4 de maio de 1995, quando aconteceu um show em praça pública, do grande músico Hermeto Pascoal. Numa iniciativa da Casa de Cultura Vila Maria, ligada à UENF, uma superestrutura foi montada para receber o grande músico. Aliás, é triste ver hoje a Casa de Cultura Vila Maria não promover mais nada, não sei se por falta de verba ou interesse. Além do show de Hermeto, a instituição chegou a trazer shows de gente como Luiz Melodia, Jards Macalé, João Nogueira, Milton Banana, Miltinho (MPB4), Diana Pequeno dentre outros.
Na época eu produzia um fanzine chamado Ligações On’ Pidididíri, e fiz uma resenha do show. Abaixo a reprodução da matéria:
“No dia 4 de maio último, Campos finalmente foi abençoada pela música de Hermeto Pascoal. Trazido pela Casa de Cultura Vila Maria, ligada à UENF (Universidade Federal do Norte-Fluminense), Hermeto Pascoal e banda ofereceram ao povo da cidade o mais vibrante e inesquecível espetáculo musical dos últimos anos.
A programação começou à tarde, quando Hermeto concedeu uma entrevista coletiva para órgãos de imprensa e o público em geral, além do contato direto com seus fãs, autografando discos e posando para fotos, demonstrando sempre uma grande simplicidade. A expectativa para o show da noite era bem grande, e seu grupo já passava o som no palco armado.
Tendo como pano de fundo o majestoso prédio do Fórum de Campos, e sua arquitetura greco-romana, o show de Hermeto em praça pública serviu de uma vez por todas para desmentir a velha mística de que sua música não é assimilável pelo público, que não entende e absorve suas “complicadas” harmonizações. Se avaliarmos sob a ótica dos diretores e programadores de nossas desgastadas e padronizadas FMs, sem dúvida músicos como Hermeto já teriam morrido de fome ou trocado de profissão. Mas o que se viu naquela memorável noite foi uma verdadeira festa popular, com muitas pessoas movidas pela curiosidade de assistir a um show de graça, de um cara que muitos nunca tinham ouvido falar (culpa da mídia em sua burrice) e se contagiaram com sua música. A excelente banda de apoio formada por Itiberê Zwarg (baixo), André Marques (teclados), Vinícius Dorim (sopros), Márcio Bahia (bateria) e Pernambuco e Fábio Pascoal (percussão) mostrou total integração, sendo até difícil destacar alguns nomes em especial. Os temas de Hermeto eram desenvolvidos num clima de total improvisação e liberdade criativa.
Foi realmente um espetáculo para entrar para a história de Campos.”

Drops de Abril - Chacal

2011-10-22T10:48:00.000-07:00

Semprei prestei muita atenção a uma geração de poetas que se formou no Brasil na década de 70, e que deu origem a um movimento chamado "poesia marginal". Esses poetas produziam seu material de forma artesanal à revelia de publicação pelas editoras. O mimeógrafo era a forma que utilizavam para reproduzir, vender e distribuir seus textos, que muitas vezes eram apresentados em performances por bares e espaços públicos. Na época foi criado no Rio de Janeiro um grupo chamado Nuvem Cigana, que reunia não só poetas, mas fotógrafos, artistas plásticos e atores, que realizavam mostras, exposições e performances, que muitas vezes percorriam outros estados.
Dentre os poetas que faziam parte da "geração mimeógrafo", como também ficou conhecido o grupo, o de maior destaque foi Chacal. Anos depois, já nos anos 80, seus livros passaram a ser editados e melhor distribuídos. Na época, a editora Brasiliense lançou uma coleção denominada "Cantadas Literárias", que lançou alguns de seus livros, um deles Drops de Abril, lançado em 83, e trazendo vários daqueles textos lançados naquele esquema independente.
Em seu texto de apresentação Chacal diz:
"Esse drops é um voo de reconhecimento na minha gíria de poeta. Anos 70. Nacos de 80. São relatos de minha trip pelo planeta. Onda. Ele podia se chamar 'Sexo, drogas e rock and roll', santíssima trindade da rapaziada nesses redemoinhos urbanos. Ou então, 'Xadrez Chinês', artifícios da palavra no tabuleiro de papel. Mas ficou mesmo 'Drops de Abril', pelo que tem de ácido e mel."
Chacal nasceu em 24 de maio de 1951. "Nasci com o nome de Ricardo de Carvalho Duarte. Chacal só 15 anos depois, por causa de um dente torto. Campeão carioca de vôlei em 65 e bi de futebol de salão 65/66 pelo Fluminense. Tempo de atleta. Em 71, tempo de poeta, escrevi e editei: Muito Prazer, Ricardo. Em 72, Preço da Passagem. De novembro de 72 a dezembro de 73, uma subterrânea estadia em Londres e Lisboa. Em 75, América. Em 77, Quanpérius, edição Nuvem Cigana. Em 79, Olhos Vermelhos, Nariz Aniz, Boca Roxa. Em 77, me formei em Comunicação pela UFRJ."
Drops de Abril traz uma coleção de poemas, às vezes curtos, sintéticos e diretos, sem meias palavras. Como define o poeta ainda em seu texto de apresentação: "A Poesia está no ato, no papo, no rato, no mato. A Poesia está do lado da Vida, olhando para o Norte. A Poesia me deu a sorte de ser Poeta. E para comemorar, dou uma volta no tempo e faço a mesma dedicatória do meu primeiro livro, Muito Prazer, Ricardo. 'Essas são as coisas que eu faço com prazer. Achei que você podia saber e brincar com elas. Taí'".

Abaixo alguns poemas de Drops de Abril:

Rápido e Rasteiro
vai ter uma festa
que eu vou dançar
até o sapato pedir pra parar
aí eu tiro o sapato
e danço o resto da vida.

Deixa pra lá
sabe essas unhas do pé
que a gente tira com a mão
pra ficar brincando? pois é
naquela loucura toda
perdi a que mais gostava

Jogo duro
acho que me falta tato
pra mamar na tua teta
pra te chamar de minha preta
acho que sou o maior pato

Pronto pra outra
gravei seu olhar seu andar
sua voz, seu sorriso
você foi embora
e eu vou na papelaria
comprar uma borracha

Pra você
morro de amores
e mordo diamantes
e dos cacos dos meus dentes sangrando,
faço um cordão pra
enfeitar sua fantasia

Troca troca
minsina a andar de bicicleta
que eu perdi o equilíbrio.
eu tinsino a levantar tapetes
e a construir o caos.

Desabutino
quem quer saber de um poeta na idade do rock
um cara que se cobre de penas e letras lentas
que passa sábado à noite embriagado
chorando que nem criança, a solidão
quem quer saber de namoro na idade do pó
um romance romântico de Cuba
cheio de dúvidas e desvarios
tal a balada de Neil Sedaka
quem quer saber de mim na cidade do arrepio
um poeta sem eira
na beira de um calipso neurótico
um orfeu fudido
sem ficha nem ninguém para ligar
num dos 527 orelhões dessa cidade vazia

Pedras Rolando no Sesc com a Vibratto

2011-10-21T12:35:00.000-07:00

O SESC Campos vem apresentando neste mês de outubro o projeto 70 - Os Anos Que Não Se Foram. E para falar nos anos 70 nada melhor que a música que se produziu naquele período para se ter uma visão do que foram aqueles anos agitados, conturbados, mas acima de tudo criativos. Dentre os shows programados, ontem aconteceu o da banda Vibratto, já bem conhecida no segmento classic rock/blues de Campos. O show, denominado "Only Rolling Stones", fez um apanhado da carreira da banda inglesa, com músicas que já fazem parte do repertório da banda, além de algumas novidades, já que é a primeira performance da Vibratto dedicada a uma única banda.
Acompanho a carreira da Vibratto desde sua primeira apresentação, no final de 2007, em uma pequena participação após um show do extinto trio Black Dog Blues no Bar do Gordo. A partir de 2008 a banda realmente começou a tocar seu repertório baseado em classic rocks dos anos 60 e 70, e começou a cativar seu público. Daqueles primeiros shows pra cá, a formação da banda é praticamente a mesma. A única alteração foi a saída do baixista original, Felipe Capachão, que foi substituído por Sérgio Máximo. Outra alteração, apenas provisória, foi a entrada do guitarrista Rafael Caetano substituindo Israel Squef, que morou fora em 2010. Os demais membros - Thiago Azevedo (vocais), Felipe Machia (guitarra) e Dario Buján (bateria) sempre fizeram parte da banda.
Foi a primeira vez que vi a Vibratto tocando em um teatro, e também a primeira vez que assisti a um show deles completamente sóbrio, o que não alterou em nada meu entusiasmo, embora tenha sentido falta da cerveja, essencial principalmente por se tratar de um show em homenagem aos Stones, umas de minhas bandas preferidas.
A acústica de um teatro ajuda na qualidade do som, embora tenha achado que a guitarra de Felipe em certos momentos poderia ganhar um pouco mais de volume. O show, pela temática do evento, foi calcado no repertório do Stones dos anos 70, mas curiosamente se iniciou com um hit da banda de 1981, Start Me Up, do disco Tatto You.
Thiago tem uma excelente voz, e é um ótimo intérprete dos Stones, assim como das demais músicas do repertório da Vibratto. Os backig vocals de Israel, Sérgio e Dario ajudam a moldar as interpretações, com um ótimo resultado.

Ao longo do show não poderiam faltar várias das pérolas dos Stones que a banda já interpreta em seus shows, como Brown Sugar, Bitch, Under My Thumb, Honky Tonky Women, Gimmie Shelter, entre outras. Dentre as novidades, I'm Free, Happy (umas das poucas músicas dos Stones com vocal de Keith Richards) e Wild Horses. Nessa última música, por sinal, por se tratar de uma balada, de caráter mais intimista, Israel tocou violão em substituição à guitarra. Um outro senão em relação ao som, é que o som do violão ficou abafado pelo baixo, que poderia ficar num volume menor. Mas esse detalhe não comprometeu a bela interpretação. Para o final da apresentação eles guardaram uma das mais emblemáticas e contagiantes músicas dos Stones: Jupin' Jack Flash - uma excelente maneira de se encerrar qualquer show de rock, independente de ser em homenagem aos Stones ou não.
Foi bom ver o teatro de SESC lotado, e o pessoal curtindo mais um ótimo show de rock. Agora é aguardar a nova empreitada da Vibratto, que é mostrar seu trabalho próprio de composição. Algumas dessas músicas já são tocadas em seus shows, mas uma apresentação somente com repertório próprio é sem dúvida um desafio, já que é sempre mais fácil cativar um público com músicas já conhecidas. Enquanto isso, as pedras continuam rolando.

Preciosidades em Vinil : Transa - Caetano Veloso

2011-10-18T12:43:00.000-07:00

Um disco histórico. É o que se pode falar do álbum Transa, de Caetano Veloso. Gravado em 1971, durante seu exílio londrino, o disco seria lançado no ano seguinte, quando Caetano já havia voltado em definitivo ao Brasil. Com participação e arranjos de músicos brasileiros: Jards Macalé, Tutti Moreno, Moacyr Albuquerque e Áureo de Sousa, Transa representou uma retomada na carreira de Caetano.
Ainda trazendo em sua grande maioria composições em inglês: You Don't Know Me, Nine Out Of Ten, It's A Long Way, Neolithic Man e Nostalgia ( That's What Rock'n Roll Is All About), o álbum, ao contrário do que pode sugerir, tem uma sonoridade bem brasileira. Os arranjos e a produção musical de Jards Macalé ajudaram a definir a linha musical pretendida por Caetano na época, que segundo o próprio, experimentava um crescimento em virtude do que assimilara em Londres, ao lado de Gilberto Gil.
Sobre Transa, Caetano comentou em seu livro de memórias Verdade Tropical:
"Minha ideia era fazer um grupo que tocasse a partir do meu próprio modo de tocar violão. Tutti Moreno já estava morando em Londres e Áureo de Sousa tinha chegado para passar algum tempo. Juntamente com Tutti, ele se encarregaria da bateria e da percussão. Escrevi para a Bahia chamando Moacir Albuquerque, o belo e talentoso irmão de Perinho, para fazer um 'contrabaixo baiano' para a minha banda. Ele também aceitou. Daí nasceu o Transa, um dos meus discos preferidos(...) Entreguei a direção musical a Macalé, que era um violonista de verdade."

Apesar do excelente resultado no trabalho final do álbum, Transa, segundo se conta, desencadeou uma longa cisão pessoal e artística entre Caetano e Macalé, que teria ficado descontente pelo fato do álbum não ter trazido uma ficha técnica que creditasse sua participação e dos demais músicos na concepção do disco.
Caetano, mais tarde, em uma entrevista ao Jornal do Brasil diria:
"Como é que bota essa bobagem de dobra e desdobra, parece que vai fazer um abajur com a capa, e não bota a ficha técnica? Era importantíssimo. Era um trabalho orgânico, espontâneo."
As duas faixas cantadas em português: Triste Bahia (Gregório de Matos Guerra e Caetano) e Mora na Filosofia (Monsueteo Menezes e Arnaldo Passos) completam o álbum com duas gravações primorosas.
Transa, com todo merecimento, sempre entra em qualquer listagem de melhores discos brasileiros de todos os tempos. Na edição especial da Rolling Stone brasileira dos 100 melhores discos brasileiros de todos os tempos, aparece em oitavo.

Postagem nº 300 - Falando de Erasmo

2011-10-15T12:16:00.000-07:00

Cheguei à postagem nº 300. Como se trata de um número expressivo, resolvi que nessa postagem falaria de algo ou alguém que seja bem especial pra mim, por isso resolvi falar de Erasmo Carlos.
Comecei a gostar de música na minha infância, e o primeiro gênero de música que me despertou foi a Jovem Guarda. Gostava daquelas músicas, daqueles caras cabeludos cantando aquelas músicas que me traziam uma vibração diferente. Ouvia muito rádio na época, e junto aos onipresentes Beatles e outras bandas de rock da época, ouvia muita coisa da Jovem Guarda. Roberto, Erasmo e Wanderléia, o grande trio, que melhor representava o movimento viraram meus primeiros ídolos nacionais, ao lado de Renato e Seus Blue Caps, minha banda preferida na ocasião. Na tv havia alguns programas dedicados ao gênero, porém o mais célebre deles, o Jovem Guarda, eu não tinha como assitir, pois aqui na terra só entrava o sinal da TV Tupi, e o programa era transmitido para o Rio pela TV Excelsior, se não me engano. Por isso, a imagem de Roberto Carlos era coisa muito rara pra mim, já que ele era contratado exclusivo da emissora. Erasmo e Wanderléia ainda apareciam em outros canais de TV, mas eu sentia falta da presença de Roberto na tela de minha tv.
De uma certa forma, Erasmo passou a suprir a falta de Roberto pra mim, e eu passei a admiriá-lo, e também suas músicas. Até um chiclete chamado Tremendão eu curtia. Vinha com uma figurinha ilustrando trechos de músicas do homenageado, como por exemplo, um coração onde havia uma cela de prisão em que aparecia a figura de uma gata, e abaixo escrito "Um dia , gatinha manhosa, eu prendo você em meu coração"
Já adolescente, eu descobria o rock dos anos 70, e verifiquei que alguns daqueles astros da Jovem Guarda continuaram nos caminhos do rock, com um som mais potente e ousado, como deveria ser nos novos tempos, já sem aquele ar de ingenuidade das letras de antes. Nesse período, minha admiração pelo som que Erasmo fazia confirmava a atenção especial que seu trabalho já havia me despertado ainda criança. A foto que ilustra essa postagem é de um poster de Erasmo que eu havia colocado atrás da porta de meu quarto, e que guardo até hoje. As bordas rasgadas são decorrentes da fita durex que o prendia. O poster, que veio de brinde na revista Pop, a publicação que falava de rock na época, trazia no verso uma foto de Mick Jagger, ou seja, tive que optar entre Jagger e Erasmo. Logicamente fiquei meio dividido, mas minha opção por Erasmo foi consciente. Uma das razões de minha devoção adolescente por Erasmo, foi um disco marcante pra mim, que ele havia lançado em 1974, chamado 1990 - Projeto Salva-Terra. Alguém desavisado, ao deparar com o título, pode achar que o disco foi lançado em 1990, mas na verdade trata-se de uma música que fala de um futuro ainda distante, imaginando o mundo 16 anos depois: "Em 1990 a crise era demais/as pessoas enlatadas não lembravam mais de paz/às vezes Deus era lembrado pela falta que fazia...". Considero esse disco, cuja capa é essa abaixo, um dos melhores discos de rock lançados no Brasil.

Na ocasião, Erasmo montou uma excelente banda para acompanhá-lo, chamada Cia Paulista de Rock. Lembro que assisti pela tv em janeiro de 1975 uma apresentação de Erasmo que me alucinou. Foi no intervalo de uma das eliminatórias do Festival Abertura, da Globo. Enquanto eram apuradas as notas dos jurados, Erasmo Carlos e a Cia Paulista de Rock fizeram um showzaço. Lembro dele com uma jaqueta de couro, cantando Bolas Azuis, uma música desse disco, que apesar do título em português, é um rock arrasador, com letra em inglês. Uma imagem de Erasmo e sua banda da época pode ser vista no filme Ritmo Alucinante, um documentário sobre um festival de rock, acontecido em 1975.
Mas antes de gravar esse disco que tanto me marcou, ele já havia lançado outros discos antológicos, como Carlos, Erasmo (1971) e Sonhos e Memórias (1972), que são verdadeiras pérolas.

Recentemente, durante o Rock In Rio, tive que fazer uma outra opção, assim como aquela do poster Erasmo/Jagger. Quem me conhece sabe que não sou de perder nenhum jogo do Fluminense. O Flu jogaria uma partida muito importante contra o Santos, no mesmo horário de um show muito aguardado por mim: Erasmo Carlos e Arnaldo Antunes. Optei pelo show, que assiti pela internet, e deixei de assistir a um dos melhores jogos do Brasileirão, uma vitória espetacular do meu tricolor por 3 a 2, com um gol nos acréscimos, aos 50 minutos. Mas não me arrependo. Curti muito o show.

Revista Bizz Especial - De Monterey ao Rock In Rio 2011

2011-10-08T16:38:00.000-07:00

Durante 15 anos a revista Bizz foi o grande órgão de divulgação e informação a respeito de rock. De 1985 até 2000 a revista dominou o mercado, conseguindo muitas vezes entrevistas exclusivas com astros do rock, e excelentes resenhas de shows que aconteceram no Brasil e no exterior, além de lançamento de discos. Chegou até a mudar de formato e nome (por um tempo virou Show Bizz), mas durante o tempo em que circulou dominou o mercado de publicações musicais.
Ao sair de circulação em 2000, deixou um vácuo, já que não havia uma outra revista do segmento que a substituísse. Alguns anos depois, a revista voltou a circular mensalmente, mas com uma distribuição menos eficiente, e já sem a mesma força anterior, e novamente, após uma sequência de edições, acabou sucumbindo no mercado editorial, apesar da força da marca Bizz.
Hoje a Bizz ainda é lançada, mas em edições especiais esporádicas, aproveitando algum evento, como um show ou algum evento importante que acontece no país, ou uma data comemorativa, etc. A mais recente edição nas bancas, por exemplo, é em virtude do Rock In Rio.
A edição traz por título "De Monterey ao Rock In Rio 2011", mas ao verificar a forma em que o título aparece grafado na capa, vê-se que os editores buscaram aproveitar o grande apelo que o festival acontecido no Rio ganhou na mídia: Rock In Rio 2011 vem em nítido destaque.
Como o próprio título da revista diz, a primeira matéria destacada é sobre o festival Monterey Pop, acontecido em 1967 nos EUA, e considerado o primeiro grande festival de rock acontecido no mundo. Também são destacados os festivais de Woodstock, como não poderia deixar de ser, e outros eventos de rock que se tornaram notáveis, como os festivais de Leeds, Altamont, Glastombury e Roskilde, e alguns mais recentes, como SOS África, Live Aid, Coachella, Pitchford e Lollapaloza.

Mas, o grande destaque na revista é realmente o Rock In Rio, que ocupa a maior parte da revista. Começa com uma entrevista com Frejat, que participou de todos os quatro festivais. Em seguida, há um bom material fotográfico e de texto sobre todos as três primeiras edições do Rock In Rio (a revista foi lançada antes da edição 2011). Trata-se de um ótimo material sobre o festival, destacando-se ainda o Rock In Rio Lisboa e Madri.
Algumas curiosidades, principalmente sobre o estrelismo de alguns rock stars que participaram de algumas edições do Rock In Rio são relembradas, como: "Fred Mercury, do Queen, deu piti ao ver artistas brasileiros com Erasmo Carlos e Elba Ramalho 'atrapalhando' sua passagem rumo ao camarim. Exigiu que todos sumissem ou ele voltaria ao hotel. Um coro de 'Viado!' ecoou pelo corredor. 'O que eles estão gritando?' perguntou a Amin Khader, responsável pelos camarins. 'Estão te elogiando.' 'É mentira!' Entrou no camarim. Pouco depois, saiu e perguntou:'No Brasil tem furacão?' Amin disse que não. 'Pois acabou de passar um por aqui'.
'Quando entrei, estava tudo virado! A bicha tinha botado tudo de pernas pro ar. Tinha até papaia no teto', contou Khader à Bizz de janeiro de 2000."
Quando sair alguma edição contando detalhes do Rock In Rio 2011, provavelmente a Rolling Stone e a Billboard, que são as duas mais importantes revistas sobre música em circulação no Brasil, se poderá ter uma visão geral de todas edições do Rock In Rio, se somadas à Bizz Especial.

Vinil - A Volta Dos Que Não Foram

2011-09-28T13:48:00.001-07:00

De tempos em tempos é comum determinado produto, modismo, hábito, etc, saír de evidência. Muitas vezes, no caso dos produtos, eles acabam se tornando obsoletos, e por isso abandonados pelos consumidores a ponto de deixarem de ser fabricados, ou terem sua produção reduzida drasticamente. Essas mudanças, provocadas normalmente pelos avanços tecnológicos que trazem praticidade e melhor qualidade para o produto final muitas vezes trazem um efeito colateral para a indústria envolvida no processo, e por extensão aos próprios consumidores.
O exemplo mais conhecido e comentado na atualidade é o mercado fonográfico. Com o advento da pirataria e dos downloads de discos, muitas gravadoras deixam de investir em um produto que não tenha um retorno garantido, buscando-se cada vez mais produtos comerciais, ou seja, menos apurados.
Em meio a toda essas mudanças, que começaram a ganhar força há mais ou menos vinte anos, com a popularização dos cds, os discos de vinil tiveram momentos em que foi descretado seu fim eminente. Isso ocorreu exatamente nesse período citado, em que a maioria dos consumidores de música, encantados pela qualidade apurada e limpeza do som dos cds, além da praticidade de seu uso, passaram a considerar o velho bolachão um produto obsoleto. As lojas, que até então, naquele período de transição entre um formato e outro, passaram a colocar os lps em saldo, por preços reduzidíssimos, para desocuparem espaço e se dedicarem somente à grande novidade do mercado. Assim, havia lojas que vendiam até lps a quilo, como um restaurante self service. Aquele período, no início dos anos 90, foi a melhor época para se comprar discos de vinil, pois passou a ser considerado um produto obsoleto, ultrapassado, e fadado a desaparecer do mercado.

Eu, assim como outros aficcionados pelos velhos bolachões, não me deixei contaminar pelas previsões nada otimistas com relação ao fim definitivo dos lps, e consequentemente dos aparelhos, agulhas e peças de reposição.
Apesar de também ter comprado um cd player, e me encantado pela sonoridade limpa e por todas as facilidades que a nova tecnologia trouxe, nunca perdi meu encanto diante de um lp. Iniciei uma coleção de cds que hoje é bem volumosa, mas minhas visitas a sebos de discos nunca deixaram de ocorrer.
Hoje, eu vejo uma valorização ao formato do vinil. O mercado de vendas tem se reaquecido, velhos discos vêm sendo relançados e muitos lançamentos em cd também estão sendo postos no mercado em lp. Isso prova que o formato vem ganhando espaço não só para os velhos apreciadores, como também para uma nova geração de consumidores que começaram a ouvir música através dos cds, e hoje se encantam com um lp girando num toca-discos, como nos velhos tempos.
Na verdade, os discos de vinil nunca deixaram de ter seu apelo e reconhecimento. Continuaram a ser comercializados em um mercado paralelo. Quem continuou, mesmo na era digital, a cultuar e consumir aqueles velhos discos sabe que o que hoje já se chama de uma volta gradativa do vinil não é exatamente uma realidade, pois sempre houve esse comércio. O que ocorre hoje, é a volta da fabricação de produtos nesse formato.

Alceu Valença - 1975

2011-09-19T12:10:00.001-07:00

Em 1975 Alceu Valença trazia uma renovação para a MPB. Era um dos representantes da música nordestina, que ganhava força no panorama musical brasileiro. Junto a Ednardo, Quinteto Violado, Belchior, Geraldo Azevedo, Fagner e outros, Alceu mostrava um trabalho diferenciado, de ritmo e poesia. Sua postura, imagem e presença de palco remetiam a um músico de rock, e sua música fazia essa fusão - o rock, o repente nordestino, Luiz Gonzaga e Jackson do Pandeiro com a pulsação e a eletricidade do rock. A revista Música do Planeta Terra nº 1, de 1975, trazia uma matéria sobre Alceu. O texto não é assinado, e reproduzo abaixo:
"Força: a primeira palavra. Poder da força. Poder em cima da minha cabeça. Poder fazer o que está em cima.
São restos, são sobras, são pedras preciosas, lamentos, uivos, um grito. É a pedra das eras (o rock) latente no secular cancioneiro popular do nordeste.
O discurso de Alceu Valença vem direto dos poetas de cordel, cantando nas praças do sertão de Pernambuco. Caído em meio a Copacabana.

Alceu é o grito, o palhaço, o carrasco da cultura burguesa, pulando com as botas de couro, os cabelos mais compridos, correndo atrás da banda de pífaros eletrificada de Zé da Flauta, as cores da guitarra que de repente explode. Esta banda tem um drive que de imediato faz vir à lembrança uma locomotiva, Israel e Juliano, bateria e percussão, são a máquina de ritmo, a bateria providenciando a base densa, sempre em crescendo, a percussão fazendo um firme comentário a essa solidez. O baixo aqui é pedra, ponteio sólido das bandas de soul nascidas em meio ao Recife.
Junto a Alceu, está Zé Ramalho da Paraíba, um outro fino poeta nordestino, seco, agreste, que inventa um blues carioca em cima da hora, repentista, violeiro, a base sólida de onde Alceu alça voo qual um carcará cabeludo, gritando sozinho por um milhão de famintos.
É um momento de puro poder. Poder mágico. Transporte. São as raízes em busca da linguagem universal, cometendo porém o que se passa aqui, em nossa volta.
Nesta banda, o preciosismo técnico não é meta., aqui se investe o poder das raízes eletrificadas. Nada de preciosismo burguês. Apenas raízes elétricas, atômicas, nordestinas."

O Juiz Roubou

2011-09-13T05:37:00.001-07:00

Em minha adolescência fui peladeiro. Jogava meu futebolzinho em um campinho de várzea, próximo à minha casa. Quando escrevi meu romance Chicletes & Prazer, um dos aspectos autobiográficos que coloquei na obra foi essa característica: o personagem principal preenchia suas tardes em disputas diárias em um campinho de terra batida.
Ao ouvir o primeiro disco do músico mineiro Tavinho Moura, Como Vai Minha Aldeia, conheci uma música que também fala de antigas peladas, disputas acirradas pelos campinhos, que hoje estão desaparecendo das cidades. O campo onde eu jogava, por exemplo, hoje é uma revenda de automóveis. A música em questão, Dindilin, uma parceria com Fernando Brant, tem como subtítulo Cláudio Manoel X Contorno, que são os nomes das duas ruas que os times descritos na letra defendiam. Um achado na letra é a forma com que é usada a expressão "o juiz roubou", usada duas vezes. Primeiramente da forma literal, e na segunda como uma metáfora, já no final do texto. Ao dizer que gostaria de voltar àqueles tempos, e que a cidade mudou, as pessoas mudaram, o mundo mudou, ele lamentando diz: "o juiz roubou", como se as mudanças naturais fossem obra de um árbitro mal intencionado. Segue a letra:

Dindilin (Cláudio Manoel X Contorno)
Tavinho Moura e Fernando Brant

Na janela uma voz/gritaria no porão/já é dia, já é hora/todo mundo está lá fora/com o tênis na mão/esperando Dindilin/artilheiro e capitão/ da rua Cláudio Manoel/o café da manhã/grita a mãe no corredor/eu já estou muito longe/solidário companheiro/pois eu sou Dindilin/já não posso mais ouvir/só consigo perceber/o som de uma bola oval/nas paredes,/nos portões de metal/tudo agora é gol, é gol, é gol/no açougue e no bar/todos prestam atenção/para os cinco que desciam/no passeio da avenida/e lá vem a subir/Caldirica e Caldeirão/Zero, Caco e Cabeção/a Contorno é um timão/preparar, apostar/e marcar o Calderão/que só tem o pé esquerdo/mas é muito perigoso/e correr e chutar/e suar de escorregar/e berrar de coração/cada gol comemorar/cada erro lamentar e xingar/o juiz roubou,/roubou, roubou/nunca foi fácil não/sempre era pau a pau/para cima e para baixo/corre gente, rola bola/mas na queda de dez/gol pra lá e gol pra cá/eu me lembro de ganhar/muito mais do que perder/alegria geral/foi de um, será que foi/quem ganhou já vai cantando/foi de dois, de três, de quatro/foi de cinco ou não foi/e de seis e sete foi/e de oito e nove foi/ou será que foi de dez?/sobe a rua o vencedor/e lá vai descendo o perdedor/é dor, é dor, é dor/na janela uma voz/gostaria de ouvir/me chamando, está na hora/todo mundo espera agora/o Pescoço, o Cascão/Muquirana e Jiló,/o Boivaca e o Dodô/e Toureiro, o Freio de Mão/eu queria voltar/a jogar com o pessoal/todo mundo foi crescendo/foi virando gente séria/e a cidade cresceu/com os carros se casou/suas ruas asfaltou/as montanhas derrubou/só me resta lamentar e xingar/o juiz roubou,/roubou, roubou

Suzi Quatro - Um Pôster na Parede

2011-09-12T06:43:00.000-07:00

Ídolos teen, também os tive. Aos 15 anos comecei a acompanhar mais atentamente o mundo do rock. Como sempre acontece nessa faixa de idade, a percepção musical ainda em formação, é influenciada pela imagem que os astros passam. A indústria fonográfica já percebia isso, e alguns artistas e bandas procuravam atingir aquela faixa de público. Na época os mais famosos nessa faixa (pelo menos os que agora me lembro) eram principalmente os Jackson Five, The Osmonds e David Cassady (que estrelava na tv a série Família Dó-Ré-Mi). Essa bandas não me interessavam. Mas uma cantora me arrebatou, e como eu, muitos garotos e garotas: Suzi Quatro. Eu a achava deslumbrante e sexy. Ela era realmente uma gatinha. Via sempre seus clipes em programas do gênero, e matérias em revistas da época.
Suzi sempre cantava vestida de couro, sua marca visual mais marcante, e muitas meninas passaram a usar a mesma vestimenta. Era comum em seus shows, a presença de um bando de adolescentes vestindo couro, como uma reverência ao ídolo. Outro detalhe interessante em seu visual, é que ela já usava tatuagens, bem antes de virar moda.

A foto acima é um poster de Suzi que eu tinha pendurado em meu quarto, e que guardo até hoje. Ela era baixista, fazia um hard rock com peso, e liderava uma banda formada por homens. A música de Suzi que eu mais gostava era 48 Crash, um de seus sucessos. Hoje nem curto muito o seu som. Acho as músicas muito iguais, com uma batida meio padronizada, com poucas variações. Um rock meio chatinho. Mas na época, era o máximo pra mim.
Uma matéria publicada na revista Pop em outubro de 1974 falava do fenômeno Suzi. Abaixo alguns trechos:
"Suzi é hoje o maior estouro do rock, seus discos não saem das paradas e os teatros estão sempre cheios de gente disposta a tudo para chegar perto dela. As crianças vivem escrevendo cartas para Suzi, perguntando se também devem se tatuar e usar roupas de couro. Ela tem uma tulipa tatuada no ombro direito e uma estrela no pulso esquerdo. 'Eu sempre quis ser estrela e achava que a tatuagem iria me ajudar muito a chegar lá.' Na Inglaterra, o seu público é de trabalhadores, garotos de cabelos curtos que gostam de de encarar uma briguinha de vez em quando. Mas nos Estados Unidos a transa é bem diferente. Suzi Quatro foi foi 'eleita' a rainha dos andróginos, e seus shows são curtidos por rapazes de cabelos vermelhos, brincos, saltos altos e blusões de lamê, e garotas com botas e roupas de couro.

Muita gente pergunta qual é, afinal, a de Suzi Quatro. Ela bebe cerveja, joga bilhar, pratica esportes masculinos e vive cercada por rapazes que parecem saídos do submundo de Londres e de Nova York. O jeito com que segura o baixo, no meio das pernas, lembra uma metralhadora atirando. Por isso, ela é considerada uma vigorosa resposta ao rock masculino. E, ao mesmo tempo, a ascensão da androginia feminina. É como se as garotas dissessem: 'Os meninos têm Mick Jagger e David Bowie. Nós temos Suzi Quatro'. E Suzi sabe explorar muito bem essa imagem dúbia, que faz furor no incrível e confuso universo do rock. 'Eu não sou andrógina! Sempre fui um pouco de tudo. Mas, no palco não sou garota nem rapaz. Somente o rock é o meu sexo.'"

Peter Tosh - A Segunda Voz do Reggae

2011-09-11T10:47:00.000-07:00

Peter Tosh foi uma figura lendária do reggae. Companheiro de Bob Marley nos Wailers, e propagador do reggae, quando o ritmo estava sendo descoberto fora dos domínios da Jamaica, Tosh, como Marley, teve uma morte prematura. Foi assassinado durante um assalto. Quando se completaram dez anos do ocorrido, foi lançada uma caixa de cds com várias de suas gravações, algumas delas inéditas. A sessão Rio Fanzine do jornal O Globo destacou o lançamento, e ainda lembrou a passagem de Peter Tosh no Brasil, em 1980. Ele esteve aqui para se apresentar no Festival de Jazz de São Paulo, e ainda apareceu em uma cena da novela Água Viva, da Globo. Lembro bem da cena da novela: ele cantando ao violão, e um gupo de jovens ao redor, entre eles, a atriz Lucélia Santos. Eis a matéria, intitulada O Cidadão Honorário do Reggae:
"Dez anos atrás, boom, boom, boom. Vários tiros disparados pelo marginal Denis 'Lepo' Loban acabaram com a vida de Peter Tosh, um dos gigantes do reggae, num assalto em sua casa em Kingston, Jamaica. Uma década depois da tragédia, plin, plin, plin, as máquinas registradoras saúdam a chegada às lojas da caixa 'Honorary Citzen' (Sony legacy), com três cds que passam a limpo a carreira de Tosh. O controverso astro que sempre atacou a 'shitstem' (a forma, intraduzível,como se referia ao sistema de valores do mundo ocidental) é lembrado por esse mesmo 'sistema' com um produto comercial - belíssimamente acabado, diga-se de passagem. Poderia ser diferente?
Talvez. Mas para os fãs, ainda bem que não foi diferente. 'Honorary Citzen' traz espalhados pelos três cds tanto clássicos da carreira solo de Tosh (Don't Look Back, Bush Doctor), como versões ao vivo até então inéditas (o clássico Johnny B. Goode, Mystic Man) e singles de valor histórico, alguns com a presença dos seus companheiros na primeira fase dos Wailers, Bob Marley e Bunny Wailler. Material bom.
Peter Tosh esteve no Brasil em 1980 como uma das atrações do Festival de Jazz de São Paulo, que aconteceu no Anhembi. Tosh chegou ao país um pouco antes do horário do show. Segundo jornais da época, o atraso se deu porque ele demorou a conseguir um visto da imigração americana, embora fosse apenas um passageiro em trânsito. Mesmo com esses problemas, ele acabou fazendo uma apresentação histórica.

Acompanhado por uma banda que tinha como destaques os fantásticos Sly Dunbar (bateria) e Robbie Shakespeare (baixo), ele subiu ao palco vestindo uma roupa árabe (incluindo o turbante), e com óculos escuros. A galera, que nunca tinha visto um show de reggae daquele porte, ficou maluca. Tosh acendia um baseado atrás do outro, dava golpes de karatê no ar, intercalava as músicas com a saudação rasta (Jah, rastafari!) e desfilava um leque de canções militantes (como Get Up Stand Up) num país que começava a se libertar da ditadura e via ser ensaiado o processo de abertura política. Foi um baque.
No dia seguinte ao show, Tosh veio para o Rio. Ficou num hotel em Ipanema e circulou pela cidade. Foi ao Canecão, onde acontecia um concurso de patins (moda na época) e chegou a ser barrado pelos seguranças. Entrou, mas não teve a mesma sorte na sua parada seguinte, um bar no Jardim Botânico, onde sua entrada foi realmente vetada. Toque pitoresco da visita: sua participação na novela 'Água Viva', cantando e tocando violão numa festa na casa da personagem Estela, vivido por Tônia Carreiro."

Artur da Távola Fala de Elvis - Parte 2

2011-09-03T06:43:00.000-07:00

Continuando a crônica de Artur da Távola:
"Quem não se recorda das iras despertadas pelos maneios dos quadris de Elvis? Quem não se recorda da associação permanente de uma espécie de de relação sexual entre ele e a guitarra durante seus espetáculos? Quem hoje pode deixar de analisar a associação orgástica com a explosão do rock, no qual a sensação alucinatória substituía ou representava a ânsia do pleno prazer sensual, fundamental numa sociedade que se reprimira no esforço comum da II Guerra Mundial e que trazia ancestrais tradições moralistas?
Pois Elvis representou no palco e no pasmo uma liberação que anos depois viria revolucionar o comportamento de milhões de pessoas. Só que quando esse 'depois' chegou, veio com tal força que que engoliu o próprio Elvis, como todo 'depois' que chega sempre engole quase todos os 'antes' que não souberam se fazer 'sempres'.
E claro que passada a voracidade com que qualquer 'depois' devora os 'antes' (os precursores, os antevisores, e os simbolizadores), quando se acalmam os radicais de qualquer 'novo', há um retorno aos valores positivos sucumbidos na ânsia das mudanças, nos excessos inevitáveis nas mudanças.
Foi quando Elvis voltou. E voltou com grande força porque aí não era mais o foguete de renovações simbolizadas na irreverência e nos gestos, nem era mais, igualmente, aquele que começou ameaçando estruturas mas tão logo as estruturas perceberam que ali não estava propriamente uma revolução e sim uma evolução natural, elas o envolveram, fazendo um instrumento a serviço delas, em termos ideológicos e mercadológicos.
Passados, portanto, os anos da loucura e passada uma geração (a da década de 70) que levara às últimas consequências as revoluções existenciais (pagando até o mortal preço da entrada dos tóxicos), a visão mais nítida, embora sempre complexa do artista pôde surgir com a música, com sua voz sempre jovem, apenas com sua arte, contando, agora, com a saudade de milhões, com o reconhecimento de outros milhões e com a expressão de uma arte que simbolizava outro tipo de angústia: a da geração de Elvis depois que cresceu, viveu, casou, procriou e enfrentou um mundo muito mais complexo e difícil. Só isso já seria um desafio e um filão artístico incrível a levar as pessoas para a arte do Elvis quarentão inconformado. A gordura dele era a gordura delas (dessas pessoas da sua geração). O cansaço dele era o cansaço delas. As neuras dele (ficar trancado nos quartos) eram neuras delas.
Assim é o artista: na vida e na morte, na beleza e na feiúra, sempre uma antena, captando todos os males e todas as saúdes que estejam passando pelo homem em cada realidade histórica."

Artur da Távola fala de Elvis - Parte 1

2011-09-02T15:20:00.000-07:00

Dois dias após a morte de Elvis Presley, acontecida em 16/08/77, o jornalista e escritor Artur da Távola, codinome de Paulo Alberto Monteiro de Barros, escreveu uma bela crônica sobre o rei do rock. Artur da Távola, que na época era cronista de O Globo, depois entrou na política e se elegeu senador. Morreu há alguns anos, e deixou uma bela obra literária. Por se tratar de uma crônica longa, vou dividi-la em duas partes.
"Elvis Presley é mais um exemplo de algo que merece a meditação da gente: todo antecipador, depois da vigência daquilo que antecipou, se torna antigo e consevador dentro do que ele mesmo revolucionou.
A velocidade da realidade é tão grande que o homem nunca percebe a celeridade com que as coisas mudam a seu lado. A tendência do homem, dos países, dos movimentos políticos, das revoluções, etc, é sempre a de conservarem intactos os elementos que os causaram ou motivaram, o que é paralisante exatamente daquilo que movimentou e agitou estabilidades anteriores.
Mas fiquemos com Elvis, tema bem menos polêmico:
A volta dele há poucos anos, depois de ter sido considerado um marco, um nome, um figurão das passadas glórias, mais um da onda nostálgica etc, revela o quanto o artista antecipatório fica (ou parece como) conservador quando aquilo que ele antecipou passa a ser norma na sociedade.
Explico om que estou querendo dizer: quando Elvis, na década de 50, apareceu com um rock de branco que misturava algo das baladas caipiras norte-americanas com algo da música negra (lembremo-nos que ele é do sul dos Estados Unidos), ele estava, em primeiro lugar, antecipando, com essa fusão, uma evolução da sociedade norte-americana na direção da integração racial, uma necessidade do país. E o que o rock de Elvis fundiu antes veio a se intensificar depois, graças, até, a medidas governamentais e rigorosa legislação contra a odiosidade racial incompatível com o alto nível civilizatório da nação norte-americana.
Mas em segundo lugar o comportamento cênico de Elvis estava simbolizando uma liberação sexual e uma desrepressão do corpo que, também elas, viriam revolucionar a história do comportamento humano no século 20, principalmente depois que a pílula retirou da comunhão sexual o risco (seria a glória em vez de risco?)da procriação.
O simbólico sempre antecipa. O que o inconsciente humano expressa através de símbolos é aquilo que que já percebeu, já pressentiu, mas ainda não conseguiu conceituar, definir, catalogar, racionalizar, ordenar."

Waly Salomão

2011-08-26T18:24:00.001-07:00

Meu grande amigo
desconfiado e estridente
eu sempre tive comigo
que eras na verdade
delicado e inocente
findaste o teu desenho
e a tua marca sobre a Terra resplandece
resplandece nítida e real
entre livros e tambores do Vigário Geral
e o brilho não é pequeno
Eu sigo aqui e sempre em frente
deixando minha errática marca de serpente
sem asas e sem veneno
sem plumas e sem raiva
suficiente

Caetano Veloso

Preciosidades em Vinil - Concerto para Bangla Desh

2011-08-21T15:12:00.001-07:00

Um concerto beneficente, organizado por George Harrison, resultou em um dos momentos mais marcantes do rock nos anos 70. A consciência política e histórica foi a tônica do grande concerto acontecido em 1971, no Madson Square Garden. Além de George Harrison, participaram do concerto Ravi Shankar, Bob Dylan, Eric Clapton, Billy Preston, Leon Russel e Ringo Starr.
Também lançado como filme, o Concerto Para Bangla Desh teve sua gravação ao vivo lançada em um álbum triplo, lançado em uma caixa, trazendo todo o clima do histórico show. O crítico americano Jon Landau escreveu na épóca do lançamento:
"O Concerto Para Bangla Desh é o rock atingindo sua maturidade. Sob a liderança de George Harrison, um grupo de músicos conhecidos admitiu, de forma consciente, deliberada e profissional, que tinha responsabilidades - e se propôs a tratar delas seriamente.
Com nomes como Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston, Leon Russel e, finalmente, Bob Dylan, o concerto seria fatalmente sucesso, não importa como fosse planejado e executado. Mas parte da beleza do disco se deve ao fato de que Harrison fez um concerto digno do propósito para o qual foi idealizado, em todos os sentidos. Com tanto talento disponível, ele criou um programa que escapou miraculosamente à comparação com quaisquer supershows anteriores, através do expediente simples de não fazer dele uma série de apresentações individuais, mas mostrar uma revista, um aglomerado de atrações."
Lembro-me de ter assistido ao filme quando tinha 15 anos, e estava começando a conhecer o rock, portanto, muitos daqueles artistas que se apresentaram ainda eram desconhecidos pra mim. Mas aquelas imagens me marcaram, até porque, foi o primeiro filme de rock que assisti. O álbum triplo do concerto era um sonho de consumo, que achava que nunca iria realizar. Cheguei a gravar o disco em fita cassete nos anos 90, quando foi lançado em cd. Na época, algumas locadoras de vídeo também alugavam cds, e como eu tinha o hábito de alugar cds e gravá-los em cassete, um dia encontrei o Concerto Para Bangla-Desh, aluguei e o gravei. Anos depois, já na era dos dvds, consegui uma cópia do concerto. Também baixei o disco em mp3, mas faltava a edição em vinil, aquela caixa contendo os três discos extraídos do show. Acabei encontrando por acaso em um sebo da cidade, em ótimo estado, e por um preço bem razoável. Hoje posso dizer que possuo esse álbum histórico.
É difícil se destacar algum momento do show, já que todo o concerto é fantástico, e todos os músicos fazem uma ótima apresentação. George Harrison, o anfitrião da noite, realiza uma apresentação impecável. Bob Dylan, que na ocasião andava meio recluso, aceita participar do concerto, e fez um show emocionante. Eric Clapton, fez uma apresentação discreta, porém sua guitarra fala por si. Na época, ele andava muito envolvido com a heroína, e sua apresentação era dúvida até momentos antes do show. Havia até um outro guitarrista preparado para substituí-lo para o caso de sua ausência. Clapton ao subir no palco recebe uma grande ovação do público. Ao lado de Harrison e Leon Russel, ele toca em Beware of Darkness e While My Guitar Gently Weeps. Ravi Shankar, que abriu a série de shows, trazendo a música indiana para as massas roqueiras foi uma grande surpresa da noite. Billy Preston tocou uma ótima versão para That's The Way God Planned It. Ringo Starr cantou seu sucesso da época, It Don't Come Easy. Leon Russel, outra atração do concerto, também realizou um belo show. Concerto Para Bangla Desh, minha mais recente aquisição em vinil, já é um dos ítens mais importantes de minha coleção.

Rita Lee 1973 - Retomada na Carreira

2011-08-14T12:27:00.000-07:00

Em julho de 1973 a revista Pop trazia uma matéria com Rita Lee, recém-saída dos Mutantes. Na época ela retomava a carreira, ao lado de Lúcia Turnbull, quando formou a efêmera dupla as Cilibrinas. Na matéria Rita afirma que sua saída dos Mutantes foi pacífica e na boa, fato desmentido por ela muitos anos depois, quando afirmou ter sido expulsa da banda. Também fala de drogas, afirmando que não as usava na época, coisa que também não corresponde a verdade. Interessante também é o uso do verbo transar, que na época tinha outro sentido. Transar com alguém significava trocar experiências, interagir com essa pessoa. Abaixo trechos da matéria:
"No começo, ela não sabia exatamente o que ia fazer. Pensou uma banda só com mulheres e até ir pra África fazer Teatro Mágico. Achou que era piração e ficou.
Nessa jogada, a Rita fica com o teclado, mexe com o mug, flauta, harpa e violão. Lúcia, que apareceu, pela primeira vez, num palco brasileiro cantando na peça Casamento do Pequeno Burguês e já havia transado em Londres (com um grupo de música folk) é quem toca pra valer no Cilibrinas. Ela está com os instrumentos de corda, banjo, viola americana e guitarra.
Cândido é o técnico de som do conjunto e vai ter uma participação ativa, dando efeitos eletrônicos, jogando o som de um lado para o outro, mexendo com o eco, as fitas. Horácio vai cuidar da parte visual: luzes, ilusão de ótica, cenário.
O afastamento de Rita dos Mutantes não foi como o dos Beatles. Tudo aconteceu na base da paz e amor.
'Nós não nos desunimos. No nosso caso, o que ocorreu foi uma multiplicação. Agora, em vez de apenas os Mutantes, existem Rita e Lúcia. A música dos Mutantes sempre foi muito do meu gosto, apesar da letra um pouco fraca. Saí para abrir novos caminhos.'
Antes de Caetano e Gil, tudo era uma caretice no Brasil, diz Rita Lee. 'Agora, o que se vê é uma reviravolta geral, na cuca das pessoas, no som. Esse papo de astral, de interesse pela pessoa humana está sendo curtida pra valer pelo pessoal. Agora a turma está mais solta, mais bem informada, sem medo do imprevisto. Ou estou pirando ou as coisas estão mesmo melhores.'

Ela não tem religião, mas é ligada no zen-budismo. Curte muito horóscopo, seu signo é Capricórnio, e sabe que pode transar legal com Touro e Virgem. É contra droga e outros baratos que só fazem intoxicar o organismo e diz que o importante é ter fé pra chegar até Deus.
Separou-se do marido, Arnaldo, porque 'isso de transar com uma só pessoa limita muito'. Atualmente, Rita dorme na casa de Lúcia, passa na sua só para apanhar as roupas e ensaia na casa de Arnaldo. Lúcia Turnbull, a parceira de Rita Lee, tem vinte anos, é paulista e estuda canto e teoria musical. Com catorze anos começou a tocar violão, já vidrada nos Mutantes. Em 1969 morou em Londres, onde tinha um grupo de música folk, que se apresentava em clubes e praças públicas. Sempre curtiu muito som americano, o que determina, de certa forma, seu modo folk de cantar e pensar as coisas. Seu entrosamento com Rita foi natural e espontâneo.
Grande inovação no Cilibrinas: utilização de vários aromas nos shows.'É pra obrigar as pessoas a usar todos os sentidos'"

Negão Nas Parada - Aldir Blanc

2011-08-10T09:33:00.000-07:00

Volta e meia eu falo em Aldir Blanc aqui neste espaço. Gosto de falar das pessoas que admiro, por isso Aldir, o "ourives do palavreado", como bem definiu Caymmi, é um dos personagens que mais cito aqui, até como uma forma de valorizar meu blog.
Dentre as características que mais admiro em Aldir, uma é a diversidade de sua poética. Alguns de seus mais famosos versos são carregados de uma profunda densidade, uma poesia rebuscada, carregada de metáforas muitas vezes até difíceis de serem interpretadas. Posso citar como exemplo Caça à Raposa, Corsário, Falso Brilhante e tantas outras. Por outro lado, em outras letras Aldir usa um linguajar popular, a fala do povo, carregada de erros propositais de português e concordância à la Adoniram Barbosa, numa linguagem simples, totalmente em contraponto com o exemplo anterior. Posso citar, por exemplo, Kid Cavaquinho (Ói que foi só pegar no cavaquinho/Pra nego bater/Mas se eu contar o que que pode um cavaquinho/Os home não vai crer...).Existe uma gravação de Emílio Santiago para essa música em que ele teve a infeliz ideia de corrigir o português(...Mas se eu contar o que que pode um cavaquinho/Os homens não vão crer). Para quem conhecia a letra original, chegou a doer no ouvido.
Outro exemplo, dentre tantos outros, desse estilo de letra praticado por Aldir, é Negão nas Parada, parceria com Guinga, que o próprio Aldir interpreta muito bem em seu disco comemorativo a seus 50 anos. O título, com seu erro de concordância, já dá pistas do estilo da letra, que abaixo reproduzo, com a escrita conforme foi publicada pelo autor:

Eu vou pro Estácio, negão,
Parece fácil, nénão...
No tempo do lotação
já era rúim, hoje então...
Mas só no Estácio, negão,
batuca o meu coração.
Parece papo, nénão:
naquele chão é que se cria
a picardia, a fidalguia...
Eu vou pro Estácio, negão
Que de metrô? Nã-nã-não!
Joguei, fiquei sem tostão,
eu vou movido a limão,
Aí, no Estácio, mermão,
acerto a tal transação,
Tu fica frio, negão,
qu'esses cabôco é tudo lôco e hoje eu tô um pôco rôco
Eu tô levando a seda de primeira na algibeira pro canudo
eu tô que tô, pô!
E o recheio é da boliviana,
das Guianas, do Himalaia, tás com tudo, ô
O Dunga vai te dar a cobertura.
Esse é bandido joia e cana dura,
chegado num pagode com morena, sangue bom,
é meu bróder
Eu vou pro Estácio, negão.
Tô parecendo avião,
Fiz por você. Condição:
eu não repito mais, não,
Tô cheio que nem balão,
num gosto de confusão,
Chegando aí, coração,
tu solta o meu e pega o teu,
pois quem sou eu?,
valha-me,Deus
Ceceu me disse que Eunice, se te visse na rua,
chamava logo a Entorpecente e te sentava a pua.
Mas se Eunice persistisse nesse erro primário,
Paulo Amarelo aparecia sem cobrar honorário...
Tô de saída, negão,
O Estácio é fácil? Nénão...
No tempo do lotação
já era rúim, hoje então...

Revista Bizz Especial - Amy Winehouse

2011-08-08T12:53:00.000-07:00

Desde o sábado, 23 de julho, quando foi anunciada a morte de Amy Winehouse, já era de se esperar que a notícia ganhasse grande repercussão, como costuma acontecer na morte de pessoas famosas, embora em termos de popularidade, Amy ainda não estivesse no nível de outros astros, como Michael Jackson, Kurt Cobain, Elvis, Lennon, etc. Muita gente, aliás, conhecia mais o nome de Amy pelos constantes escândalos e notícias de seus excessos de álcool e drogas, do que propriamente por sua música. Eu mesmo, demorei um pouco a conhecer o trabalho de Amy, sobre quem sempre lia em revistas e matérias de jornais. Acho que até conhecia suas músicas mais radiofônicas, mas talvez não identificasse aquela potente e bela voz como sendo daquela excêntrica figura. Não tardei a me encantar pela cantora, e ao mesmo tempo, me compadecia por sua vida sem limites, suas internações e vexames públicos, e um futuro previsível, que infelizmente se confirmou naquele sábado de julho.

Igualmente previsível era que começassem a sair nas bancas revistas especiais sobre sua vida e carreira, e assim a Bizz - uma revista que já foi mensal, e hoje só publica edições especiais - saiu na frente, e lançou um número especial com a cantora. E assim, com um belo trabalho gráfico, com várias fotos de diferentes fases da vida de Amy, desde sua infância, sua carreira, e claro, aquelas que se tornaram a alegria dos paparazzi, de seus escândalos e flagrantes de sua conturbada vida pessoal. O texto é informativo, e traça um perfil do que foi sua vida, sua forma de encarar o mundo, seu envolvimento profundo e autodestutivo com a bebida e as drogas, e também, como não poderia deixar de ser para uma publicação especializada em música, seu talento, e a marca que deixou no mundo da música.
A revista, de 66 páginas, se divide em vários capítulos, e vai mostrando quem era essa figura que hoje é tão comentada, e passou a ser ouvida com mais atenção por uma boa parte do público após sua morte - um lado um tanto mórbido da indústria cultural. Várias de suas frases mais marcantes e reveladoras são também destacadas, como "Minha desculpa é que a maioria das pessoas da minha idade passa um tempão pensando no que vão fazer pelos próximos cinco ou seis anos. Enquanto elas pensam na vida, eu passo o tempo bebendo". Sua vinda ao Brasil, em janeiro, também é destacada. Desde detalhes de seus dias no hotel onde se hospedou em Santa Tereza, no Rio, a preocupação com seus empresários e os promotores dos shows por aqui em não deixá-la próxima de nenhum tipo de bebida - coisa que ela soube desobedecer sem dificuldades - a famosa foto em que tirou na sacada do hotel, com cara de quem havia tomada todas, e ainda pagando peitinho para os fotógrafos, até seus shows nos palcos brasileiros.
Na parte final da revista, são destacados também aqueles artistas, que como ela, se foram aos 27 anos, também em virtude de excessos e abusos com drogas e bebidas: Jimi Hendrix, Brian Jones, Janis Joplin, Jim Morrison e Kurt Cobain. É uma boa revista para se ler e guardar.

Egberto Direto da Horta

2011-08-01T16:32:00.000-07:00

Em 1984 a revista Manchete trazia uma matéria com o grande músico Egberto Gismonti, que estava lançando na ocasião, seu disco Coração da Cidade. Abaixo alguns trechos dessa matéria:
"Egberto Gismonti está indo à horta. 'Eu tô agora só com gente-horta, tudo fresquinho, umidinho de sereno da manhã, é só passar a mão e comer, não tem nem de lavar por causa de inseticida. É puxar e mastigar. E isso está me dando uma energia muito grande, ouvir gente nova como essa que eu ando curtindo, aproveitando, ajudando. O brasileiro é um povo que está transbordando música.! Sabe, cavalo de raça preso? É isso aí! Tô vendo de perto. E me lembrando que não faz muito tempo eu também era horta, tantos anos depois de Tom e apesar de estar envolvido agora com tantas turnês mundiais. Mas sempre tenho um tempo. Ihhh, cê num pode imaginar como é bom! Ao mesmo tempo que estar envolvido agora com computadores, cítaras, violões, pianos, contrato pra tudo quanto é lado, ainda poder sentir cheirinho de seis e meia, sete horas da manhã, terra escura, boa, sacumé? Fica tudo uma coisa fácil demais, simples pra burro. Claro que há - ou deve haver - um componente psicológico nisso tudo, do fato de eu ter sido tirado da horta um dia e agora estar tirando outros dela, mas o que eu tenho tido de volta, de aprendizado! E o que acontece de mais gostoso é que, como tive muito mais prazeres do que decepções nesses anos todos de trabalho na música, a minha memória é muito viva quanto ao meu chegar ao Rio-cidade, vindo do Rio-estado, atravessar o túnel da Avenida Princesa Isabel, que desemboca em Copacabana e achar que estava na Grécia antiga, de tão grande, tudo. Eu nunca tinha visto um troço daquele tamanhão! Aquele marzão todo, ali, cê tá louco! Forte demais pra mim, dentro de um ônibus, abraçando meu violão. É muito bom que isso esteja presente e recente e que agora eu esteja podendo transar diretamente com esse tipo de coisa, ligando memória com realidade, redescobrindo o cheiro da terra.

Tudo muito presente, nos sentidos todos. Sem nunca neguinho ter chegado pra mim com a conversa de que dali pra diante era só enlatado. Sabe que ninguém, nunca, me forçou enlatados? Aliás, felizmente, porque se tivessem forçado, que sabe eu tivesse até engolido?'
Assim está Egberto Gismonti. Já em plena excursão nacional de lançamento de mais um elepê, que era pra ser chamado Bandeiras do Brasil, mas a censura não gostou. Virou Coração da Cidade.
Bandeira brabíssima seria - segundo ele - ter assinado contrato com a Atlantic Records, em 1975, quando morou nos Estados Unidos, e pretendiam transformá-lo num 'novo Sérgio Mendes'.

'Era uma pancada de dinheiro desgraçada, produções do Billy Coburn, na época com uma aura bacana, eu provavelmente fazendo até hoje uma coisa da qual diria ser 'meu música internéchional'. Rico, rico como o diabo. Mas felizmente resolvi que vou enriquecer de outra maneira: mostrando legumes frescos da horta. Porque a gente pode enriquecer de vérios jeitos, até com dinheiro. Até com dinheiro, né? A proporção dessa riqueza, meu amigo, é que é discutível. Porque o fato de imaginar e poder realizar projetos audaciosos, com gente nova, de eu poder subir a um palco de Saporo, no Japão, de Nagipur, na Índia, de Buenos Aires, na Argentina, de Quebec, no Canadá, ou de Macaé, no Estado do Rio, é uma riqueza muito grande'"

A Grande Verdade de Thomás Thomé - O Voo da Borboleta Imaginária

2011-07-24T14:09:00.000-07:00

Existem coisas mais importantes e urgentes do que simplesmente ficar observando o voo da borboleta imaginária. Se fixar no nada, no inexistente, com os olhos travestidos de desbravadores de um falso universo paralelo. É preciso antes de tudo procurar mover os moinhos da existência através da força do pensamento. Fazer ecoar o grande grito de liberdade e arrebentar as correntes que encarceram nossos impulsos elementares.

O vento e o sol serão testemunhas de um novo mundo que se formará diante de nós, onde cada palavra ocupará seu lugar exato no universo verbal e soará como um trovão, entre luzes de relâmpagos numa tempestade de verdades que inundará nossas mentes.
Ao nos libertarmos dos falsos valores que nos são impostos, rompemos o cordão de isolamento que nos reprime, invadimos a pista e adentramos pelos quarteis-generais da auto-repressão, marcando a ferro e fogo nossa presença, redescobrindo sentidos reais para nossas vidas, sem perdermos a visão geral do que nos é essencial. Não sentir a passagem do tempo a observsar o voo da borboleta imaginária.

A Prisão de Gilberto Gil - 1976

2011-07-23T11:44:00.001-07:00

Em 1976 Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa e Maria Bethânia se uniram para formar um grupo que se chamou Os Doces Bárbaros, e saíram em excursão por várias capitais do Brasil. Em Florianópolis, a polícia local prendeu Gilberto Gil e o baterista Chiquinho Azevedo, por posse ilegal de maconha, e o caso ganhou ampla repercussão. O filme Os Doces Bárbaros, um documentário sobre o grupo, mostra cenas do depoimento de Gil na delegacia. A revista semanal Fatos e Fotos na ocasião fez uma matéria sobre o caso, intitulada Gilberto Gil - "Eu não sabia que era crime fumar maconha". Abaixo, alguns trechos da matéria:
"A intenção do delegado Elói Gonçalves de Azevedo não era prender os Doces Bárbaros - Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa e Maria Bethânia - por porte ilegal de maconha. Quem, o policial queria ver atrás das grades era o jornalista Beto Studieck, do jornal O Estado, de Florianópolis. Antes do horário estipulado pela lei para efetuar a invasão de um domicílio suspeito, ele entrou no apartamento do jornalista e nada encontrou. Para não perder a viagem, reuniu a equipe e rumou para o Hotel Ivoram, onde não só os Doces Bárbaros estavam hospedados, como os seus tácnicos, músicos, empresários e acompanhantes. Após se identificar na gerência e conseguir a relação dos hóspedes, o delegado e equipe passaram à ação. O primeiro apartamento vistoriado foi o 306, de Gilberto Gil.

- 'Nós batemos à porta. Quando o cantor respondeu, falamos que era da gerência - conta o delegado Elói. - Gil veio atender, perguntou qual era o assunto. Me identifiquei e revelei as razões que me lavavam a fazer uma revista no apartamento. Sem se perturbar, o cantor abriu a porta, mandando que entrássemos. Procedemos ao exame dos armário0s e roupas. Quando encontramos na carteira o cigarro de maconha, perguntamos se ele era o dono da carteira e do cigarro. Sem perder a calma, Gil respondeu afirmativamente. Disse ainda que sabia ser ilegal o porte e a venda, mas a maconha era para o seu uso. Dei-lhe voz de prisão. Fomos revistar os outros quartos. O seguinte foi o de Gal Costa. Ela não estava. A moça que ali encontramos disse que ela havia dormido no apartamento de Maria Bethânia. Seguimos para o quarto de Caetano Veloso. Percebendo que éramos da polícia, Caetano começou a gritar por socorro. Quando se acalmou, pediu desculpas, dizendo que ainda estava sonhando. Examinamos o seu quarto e encontramos um vidro de Valium. Ele disse que o mesmo tinha sido comprado com receita médica, o que mais tarde foi comprovado'.
No apartamento 406 encontraram Maria Bethânia e Gal, que também estavam dormindo e receberam os policiais vestindo trajes bastante sumários. Maria Bethânia ficou tranquila, enquanto Gal reclamava da maneira como haviam invadido o apartamento. Ali encontraram ´"pó de pema" e outros materiais usados por Bethânia no culto de sua religião. Na dúvida, recolheram tudo para exame de laboratório. No apartamento 308 encontraram não só alguns cigarros (baseados), como uma boa quantidade de maconha prensada, que daria 'para mais uns 30 ou mais cigarros bem feitos'. Os suspeitos e flagrados foram foram colocados no apartamento de Caetano Veloso. No final, só Gilberto Gil, Chiquinho e Djalma foram conduzidos até a delegacia para serem autuados.
Perante o juiz, Gil declarou que havia começado a fumar maconha há oito anos, numa fase de ansiedade aguda. Disse desconhecer que o ato de fumar maconha representava um crime, embora sabendo que o tráfico e o porte eram passíveis de punição. Justificou também o vício como 'uma maneira de melhor atingir uma introspecção mística necessária para se concentrar'. Não fez segredo de ter provado LSD no período em que morou em Londres, mas que não havia se tornado um dependente.
Roberto Carlos telefonou do México, oferecendo seu advogado para cuidar dos assuntos de Gil.
- 'Há males que vêm para bem - diz Gilberto Gil. - Essa hospitalidade eu já conhecia mas não sabia ser tão grande. Foi por isso que eu e o Caetano insistimos em fazer a apresentação em Florianópolis. E tudo o que está acontecendo comigo não modificou em nada a admiração que sentia antes. Pelo contrário, jamais irei esquecer a pessoa do juiz Palma Ribeiro, pelo seu equilíbrio, e do Dr. Pedro Largura, pela sua inteligência, sensibilidade e compreensão.'"

Caetano no Exílio, Vindo ao Brasil - 1971

2011-07-20T11:29:00.000-07:00

Em uma postagem anterior, falei sobre o exílio de Caetano Veloso em Londres, citando a letra de London London para demonstrar seu estado de espírito naquele período. Porém durante sua estada na Inglaterra, ele chegou a cometer um ato um tanto imprudente e arriscado: fez uma rápida viagem ao Brasil, para visitar os familiares, por conta dos 40 anos de casamento de seus pais. Caetano sentia muitas saudades do Brasil, vivia deprimido com a distância e o frio de Londres, mas visitar o Brasil sem autorização dos militares era por demais arriscado. Segundo Caetano, quem o encorajou a desafiar a ditadura foi João Gilberto, que afirmou que ele poderia vir, que nada iria acontecer com ele. Como Caetano via em João um profeta ou algo assim, se encheu de coragem e desembarcou no Brasil junto a Dedé Gadelha, sua esposa na época, em janeiro de 1971. E como João Gilberto havia previsto, surpreendentemente nada aconteceu. A revista O Cruzeiro na época fez uma reportagem sobre essa rápida vinda de Caetano, intitulada "Caetano de Volta à Bahia´- Prefiro viver aqui"
"Salvador - O ambiente no apartamento do Edifício Andarahy, fundos do colégio Estadual da Bahia, está quase como na casa da infância dos meninos de dona Canô, em Santo Amaro: mesa grande na sala, flores, papéis coloridos para enfeite e cobertura dos frios da festa que hoje é de toda a família. Maria Bethânia usa uma camisa do Flamengo. Dedé está descalça. Há muitos abraços, beijos, amigos, parentes - uma agradável confusão.

Caetano surge na copa. Vem mascando chiclete.
- Até onde pretende ir - você que é tido como como renovador da música popular brasileira - para expressar-se musicalmente?
- Não pretendo ir muito longe. Pretendo voltar para a Bahia.
Caetano tem nas mãos algumas folhas de papel com mais de cem perguntas endereçadas por jornalistas daqui e de outras publicações nacionais. Uma delas é sobre os Beatles ('Dizem que você é um imitador deles...')
- Na verdade, os Beatles foram muito importantes para mim. Não tanto pelas músicas que faziam e sim porque eles existiam.
Sentado no chão, ele olha um retrato antigo de uma imagem em procissão. Ligeiro intervalo de silêncio, e a voz sai com certa amargura:
- Hoje, nem sei se minha música é mesmo válida. Todo mundo sabe que a música popular da Inglaterra e dos Estados Unidos foi de uma grande importância na década de 60. No início desta nova década, já se sente o esvaziamento desse movimento. Os Rolling Stones continuam sendo a presença mais forte da música inglesa. Mas o último disco de John Lennon é a coisa mais bacana que já se fez lá.

De repente os sobrinhos e primos o cercam: 'Cae!, Cae!'. O apelido da intimidade, que há muito não ouvia, comove Caetano, que abraça a todos.
- Você e sua mulher passaram fome em Londres?
- Nunca passei fome. Nem mesmo em Londres. Faturei bem no Brasil, e as minhas músicas davam-nos condições de viver bem, com os direitos autorais.
Mais parentes, mais amigos vão chegando. Querem saber quando ele voltará definitivamente para o Brasil.
- Não sei quando. O certo é que não aguento o frio e a vida fora desta vida. Fiquem tranquilos que meu filho nasce na Bahia.
- Alguma emoção especial na Inglaterra ou em outro país?
- Fiquei muito emocionado quando vi Jimi Hendrix tocando na Ilha de Wight.
É conversa para muitas noites, há muito o que dizer. Todo mundo quer falar, perguntar. De lá da cozinha, vem a voz da dona Canô:
- Cae, precisa se preparar para a missa, meu filho!

Rodrigo, o irmão de Caetano, que tem quase o mesmo rosto e o mesmo físico, informa:
- O padre da Igreja da Misericórdia disse que se soubesse que essa missa era para nossa família, não a celebraria. Tudo por causa do Caetano.
Há mais perguntas, Caetano respónde sempre. 'Em fevereiro sairá na Inglaterra, meu primeiro LP em inglês. Acho que nossa música popular está numa fase indefinida'.
- Depois dessa viagem, você se sente cidadão do mundo?
- Poderia viver em qualquer país. Mas a Bahia é Bahia. Prefiro viver aqui."

O Sabor das Palavras

2011-07-14T18:28:00.000-07:00

Hoje eu percebo que o sabor que certas palavras deixam em nossas bocas só é percebido quando a memória retoma o poder de retroceder o tempo, fazendo um replay em nossas cabeças. Na verdade, existem frases que de tal maneira tornam-se marcantes, que nos é possível saborear cada palavra como se saboreia um sorvete, às vezes até nos engasgando com os pontiagudos circunflexos e os anzois dos pontos de interrogação.
A palavra fácil, o verbo desprovido de vaidade vocabular, não precisam trazer a sofisticação de frases de uso não-cotidiano a passear com seus trajes a rigor pelas movimentadas avenidas de nosso idioma. É como se deixar levar pela falta de compromisso com sonoridades nobres, num papo de botequim em um fim de tarde, onde os assuntos se sucedem como folhas de papel a voar, governadas pela ventania de ideias descompromissadas com o profundo. Porém mortais e coletivamente dependentes são as palavras não esclarecidas, trazendo dúvidas onde se esperava obviedades. Buscando, embora nem sempre com êxito, um ponto equidistante entre a dúvida e a certeza. Sem dúvida.

Ligações On'Pidididíri

2011-07-13T18:46:00.001-07:00

Nos anos 90, aconteceu o fenômeno dos fanzines. Essas publicações eram produzidas de várias formas, das mais rudimentares e artesanais, até algumas com melhores tecnologias. Fui um consumidor desse tipo de manifestação, e ainda tenho vários deles, aliás, quase todos que recebia. Um dia resolvi também produzir um fanzine próprio, e criei Ligações On'Pidididíri. Produzi poucas edições - somente três, e não tenho guardado nenhum exemplar. Há pouco procurei alguns originais que ainda tinha, mas por não encontrar, achei que tinha perdido. Agora, recentemente, acabei encontrando esses originais.

O nº 1 trazia uma matéria sobre os Novos Baianos. O texto escrito à maquina e com as fotos recortadas e coladas, era xerocado, com a capa e as páginas grampeadas.
Como não tinha o recurso do computador, eu usei na matéria sobre os Novos Baianos aquelas letras que se fixam na folha após raspadas por trás, como um decalque. Eu tinha poucas letras disponíveis. Só tinha duas letras "o", e o nome Novos Baianos tem três. Então tive que pegar uma letra 'q" e tirei a parte de baixo, para virar um "o". Não é preciso observar muito, que as letras ficaram tortas. As ilustrações que usava eram de um arquivo próprio de fotos que há anos recortava de jornais e revistas, que aliás ainda tenho.

O nome Ligações On'Pidididíri (que é paroxítono, ou seja, rima com "adquire") eu compus da seguinte forma: usei a palavra ligações, e para reforçar usei a palavra on, que em aparelhos eletrônicos especifica que ele está ligado. O uso da apóstrofe é apenas por razões estéticas. Pidididíri é uma onomatopéia para especificar algumas improvisações vocais muito usadas por cantores de jazz e também de Bossa Nova, especificando o caráter de improviso que a publicação representava .
Normalmente eu usava o Ligações como moeda de troca, por outros fanzines.

O Jazz e a Indiferença Literária

2011-07-08T14:04:00.000-07:00

A revista Música nº 70, de 1983, trazia uma interessante matéria sobre o pouco uso do jazz em importantes obras da literatura. Assinada pelo crítico Hélio Helman, o texto dizia em sua chamada que "apesar de um passado rico, com mitos marginalizados e histórias dramáticas, o jazz acabou desprezado pela ficção". Abaixo, trechos da matéria:
"Embora em termos de influência o jazz tenha atingido como uma metralhadora giratória todas as manifestações artísticas do século, é de causar pasmo que um dos alvos mais visíveis aqui, a literatura, tenha sido pouco afetado. Numa comparação rápida, o jazz guarda estreito parentesco com o futebol brasileiro que, inegável mola propulsora cultural, não rendeu até hoje obras-primas em prosa e verso, descontando-se a excessão (que só confirma a regra) da peça Chatuba Futebol Clube, de Oduvaldo Viana Filho.
O fato é que a literatura tem se servido desse filão riquíssimo que é o jazz, praticamente só como música incidental, composição de ambiente. Uma atitude imperdoável para com a uma área superpopulada de personagens incompreendidos, marginalizados - campo fértil para qualquer autor. Citar a vida de Charlie Parker, o mito supremo, chega a ser covardia. Mas que dizer da derrocada de Billie Holliday; da luta de Miles Davis contra os demônios das drogas; dos internamentos de Lester Young e Bud Powell; da festa que foi a vida e época daquele que já foi chamado de um dos maiores poetas em língua inglesa, Cole Porter? E não é só isso: algumas escolas do jazz têm um passado coloridíssimo. Vejam só o be bop ou o hardbop, frutos de estudos incessantes dos negros, que em seus guetos buscaram rechaçar o comercialóide jazz branco. A relação de temas não caberia numa lista telefônica só.
O reconhecimento dos beatnicks
Todo esse efervescente caldo de cultura não tem passado de pasto para traças da literatura. Desde o começo do século, quando irrompeu nos EUA, o jazz foi mero pano de fundo literário. Um aparecimento mais consistente na literatura americana (fico nela por ser a mais importante da atualidade e pelo seu acesso natural ao jazz, ocorreu no livro Seis Contos da Era do Jazz, onde no ensaio introdutório e na atmosfera fabricante dos contos, Scott Fitzgerald se refere à loucura dos anos 20 nos EUA, utilizando entre as referências da época as bandas do estilo Chicago e swing que animavam já as festas da alta sociedade branca. Daí para a frente, todas as tentativas de pôr no papel o american way of life esnobaram solenemente o jazz. No máximo, ele comparecia num conjunto de fundo numa barcaça que descia o Mississipi ou num cabaré qualquer de Nova Iorque.
O jazz ganhou espaço significativo nos círculos literários a partir dos anos 50, com a geração beatnick, que comandada por jazzófilos fanáticos como Jack Kerouac, colocou algo do espírito e bastidores do jazz em seus textos. Mais que vanguarda literária, o movimento beatnick, hoje se sabe, impôs um estilo de vida em muito precursor dos hippies, yippies, seitas orientais e tutti quanti. E o jazz, através de músicos como Bird, Lester, Miles, Sonny Rollins e Bud Powell, tornou-se umas das referências imediatas para a identificação desta geração. Mas o movimento beat, além de comprador fiel de LPs e ouvinte capaz de prestigiar músicos na noite, também serviu-se do jazz por sua postura avessa às concessões comerciais e pela liberdade de criação. Kerouac, por exemplo, põe seus personagens volta e meia escutando jazz na obra prima beat, On The Road, e, para não nos alongarmos, recitava seus textos em meio a trechos de jazz em shows nos cafés do Village (NY)"

Clara Brito - Sesc Campos

2011-07-07T13:59:00.000-07:00

O Sesc continua a representar uma ótima opção cultural para aqueles que procuram novas alternativas na cidade, que hoje oferece tão poucos espaços para os artistas da terra. O projeto Urbanidades, que teve início na noite de ontem, trouxe em sua abertura um show de uma nova cantora: Clara Brito. Conhecia pouco o trabalho de Clara, apenas algumas participações na banda Avyadores do Brazyl, sendo que o vocal na gravação de Indi/Gesta (talvez a última gravação feita pelo grande Luiz Ribeiro) foi a mais significativa. Luiz, por sinal, foi citado por ela como um grande mestre, e quem lhe apresentou o blues, de uma forma mais contundente. Também a havia assistido em uma pequena participação em shows da banda 401, formada por ex-membros da banda de Luiz, além de outra participação, cantando Mercedez Benz, do repertório de Janis Joplin, num show do guitarrista Big Joe Manfra. Sua bela voz e interpretação me chamaram a atenção.
Ontem pude assistir pela primeira vez a um show solo de Clara, no Sesc. Acompanhando-se ao violão, além de trazer a participação de Sérgio Máximo na guitarra e André Aguiar na harmônica, Clara pôde trazer ao público um show próprio, com seu trabalho vocal e autoral, além de covers nacionais e internacionais. Seu trabalho autoral é de boa qualidade, já deixando claro uma maturidade musical e um bom ouvido para construir melodias. "Ateu, Graças a Deus", por exemplo, fala de suas mal sucedidas experiências religiosas, de uma forma um tanto iconoclasta, mas sincera. Aliás, segundo ela, suas primeiras experiências no canto foram através de músicas gospel, que até pode ter lhe valido como experiência, mas seria uma pena ver sua bela e potente voz ser desperdiçada com aquelas músicas chatinhas. Outras composições próprias, como um samba que fala da rua Gil de Góis, mais especificamente de seu aspecto boêmio, bares, etc. Aliás, a palavra "estranho" aparece na letra sem fazer uma referência direta ao famoso e finado bar que fez história naquela conhecida esquina, mas com certeza é uma citação. "Morfeu" é outra composição autoral, que por sinal foi cantada duas vezes- a segunda, a pedidos.

Clara sabe se acompanhar bem ao violão, o que lhe dá uma autonomia no palco. Por sinal, algumas das músicas são executadas somente com voz e violão. É o caso, por exemplo, do clássico "As Rosas Não Falam", de Cartola. Clara nessa música, deu uma levada diferente ao violão, em uma interpretação bem pessoal. A troca de um trecho da letra - "Bate outra vez a esperança em meu coração" ao invés de "Bate outra vez com esperanças o meu coração" não comprometeu a poesia de Cartola, como muitas vezes acontece com a mudança de uma simples palavra. Canudinho, de Renata Arruda e Pagu, de Rita Lee, foram outros covers nacionais interpretados por ela. Dentre as internacionais, boas interpretações para Hoochie Coochie Man, de Muddy Waters (que ela transformou em Hoochie Coochie Girl), Wish You Where Here, do Pink Floyd e Sweet Home Alabama, do Lynyrd Skynyrd. Não poderiam faltar músicas dos Avyadores do Brazyl, sua grande escola: Indi/Gesta, O Amor é Cruel e 401, em um arranjo que começa com uma versão instrumental de "Baião", de Luiz Gonzaga, executada por André, Clara e Sérgio.
Foi um show intimista, onde todas as possibilidades de acompanhamento foram executadas - voz e violão; voz, violão e gaita; voz, violão e guitarra. Só faltou cantar à capela. Pelo potencial que Clara demonstrou, ela merece se apresentar em um show com banda: outra guitarra, um baixo e uma bateria, por exemplo, lhe dariam a oportunidade de mostrar sua presença de palco, pois lhe traria uma maior mobilidade, por não precisar se acompanhar em todas as músicas.
Valeu a pena conhecer essa nova cantora. Que venham outros shows.

Pérolas de Aldir Blanc

2011-07-06T13:09:00.001-07:00

Aldir Blanc sempre foi pra mim uma referência como letrista, e depois como cronista. Aliás, muitas de suas letras já eram crônicas, que traziam pequenas histórias e personagens. Passei a prestar maior atenção no letrista a partir de sua parceria com João Bosco, que eu descobri maravilhado ainda adolescente. Depois vim saber que aquele Aldir que eu pensava estar descobrindo naquele período, eu já conhecia e nem sabia. "Amigo É Pra Essas Coisas", "Nada Sei de Eterno", "De Esquina Em Esquina", músicas que eu conhecia dos antigos festivais universitários da TV Tupi, eram letras suas, sem que eu soubesse. Depois, anos mais tarde, conheci o Aldir cronista, através de sua coluna no jornal O Pasquim, crônicas que depois foram reunidas em dois livros ("Rua dos Artistas e Arredores" e "Porta de Tinturaria"). Abaixo selecionei algumas frases curtas, verdadeiras pérolas de uma prosa poética, carregada de sensibilidade e um refinado humor:
"O amor tanto se mete a edredon que acaba virando colcha de retalhos"
"Às vezes, eu me provo tão velho quanto esses biscoitinhos que a gente serve pra visita inesperada. E ainda mais falso que o sorriso de 'que surpresa!'"
"Todo escândalo de adultério deve comportar uma trégua pro cafezinho"
"Na inauguração do novo Distrito Policial coube ao Secretário de Segurança dar o pontapé inicial"
"A casa era exatamente o que eu esperava. Um jardim, aquelas garrafinhas pra beija-flor, o maior sossego. Respirei fundo e fiquei repetindo pra mim mesmo: 'Puxa! É impossível que alguém se sinta infeliz num lugar assim'. Eu tava me sentindo muito infeliz"
" Nos jogos do amor eu sempre perco porque sou amador"
"... na varanda de uma casa em Paquetá, a moça sorri:
- Mas nós nos conhecemos tão pouco, amor!
E dentro da casa, a mãe da moça resmunga:
- Eu conheço bem esse filho-da-puta"
"... em Vila Isabel, meu avô Aguiar me explica:
- Nos fins de domingo sempre se pensa na morte. Chato é que às vezes a gente morre mesmo."
"...passa aos gritos o Carro de Bombeiros, girando a pupila vermelha na grande órbita da noite, insano como os olhos verdadeiros solitários, solidário como os verdadeiros insanos. Um homem fala sozinho:
- Em algum lugar há fogo, Zelda. Meu coração inveja."
"... penso nos teus cabelos e naquelas frases todas, não sei porque estou dizendo tudo isso. Por favor, não ria. Eu poderia escrever um livro sobre nós dois, enquanto, com o piano de Teddy Wilson, Billie Holiday me ensina que depois de tudo isso:
- I'll never be the same"

Greve dos Bombeiros - Há 50 anos

2011-07-03T14:41:00.001-07:00

Muito se falou, e ainda se fala, no movimento dos bombeiros do RJ. A manifestação ganhou as manchetes dos jornais e apoio de boa parte da população, que se mostrou solidária aos os bombeiros que foram presos, e agora anistiados, etc. Mas há 50 anos, em 1961, uma paralisação e manifestação semelhante aconteceu em São Paulo. A revista O Cruzeiro fez uma ampla reportagem sobre o assunto em fevereiro daquele ano:
"Sexta-feira, dia 13, 8:30 da manhã, uma bandeira negra foi hasteada no alto de uma escada Magirus, em frente ao Quartel-General do Corpo de Bombeiros de São Paulo. O ato marcava o início de um movimento de indisciplina (o Corpo de Bombeiros pertence à Força Pública do Estado) que chegaria a provocar uma 'marcha sobre o Palácio do Governo', na manhã do dia seguinte. Ao substituirem o tradicional pavilhão vermelho da Corporação por uma bandeira negra, os soldados do fogo deflagavam o primeiro movimento de insubordinação em toda a existência (129 anos) do Corpo de Bombeiros.
- 'Estamos passando fome, estamos em greve!'
A partir desse instante, todos os chamados para o QG eram respondidos com estas palavras: - 'Por motivos alheios à nossa vontade não estamos atendendo ao público. Queira dirigir-se ao Palácio do Governo, pelo telefone 51-2191'. A ordem era não atender a nenhum chamado, exceto quando houvesse vidas em perigo.
O principal foco do movimento - QG dos bombeiros, na praça Clóvis Bevilacqua - passou a ser o centro de todas as atenções. Os soldados do fogo (todos integrantes da Corporação) permaneciam em sua sede, e uma imensa multidão se aglomerava na praça, na expectativa dos acontecimentos. Os oficiais rebeldes esperavam, a qualquer instante, a chegada de uma tropa de choque da Força Pública, com ordem para pôr fim à situação."

A matéria, que trazia um bom material fotográfico, mostrava uma foto do General do Exército Costa e Silva, que mais tarde seria nomeado Presidente da República, todo nervosinho, pagando geral para os bombeiros insubordinados, como na foto acima, à esquerda. A matéria continua:
"O drama que se arrastara durante um dia e uma noite chegou ao seu climax, no Quartel dos Bombeiros, ao alvorecer do diam 14. Exatamente às 5 horas, os Generais Costa e Silva e Franco Ferreira, comandando cerca de 300 homens, sitiaram a Praça Clóvis Bevilacqua. Carros de assaltos, armados com canhões, tanques, metralhadoras. Os soldados do Exército tomaram posição, com suas armas apontadas para o Quartel do Corpo de Bombeiros, onde a ordem da oficialidade era para que todos mantivessem a disciplina."
Hoje, 50 anos depois, a história se repete, com outros personagens, outros tempos. Mas a verdade é que não mudou muita coisa além disso.

Sonhando Louis - Luis Fernando Verissimo

2011-07-02T16:02:00.000-07:00

Encontrei entre meus guardados uma crônica de Luis Fernando Verissimo falando de seu amor pelo jazz, e o desejo concretizado, de tocar sax. Já vi Verissimo tocando ao vivo. Nada de excepicional como músico (aliás seria demais querer comparar o músico com o cronista)mas estava fazendo uma coisa que gosta, sem fazer feio, e isso é o que importa. Abaixo sua crônica, publicada no tabloide de cultura Nicolau, de Curitiba, intitulada Sonhando Louis:
"Quem se lembra do Tesourinha? Era ponta-direita do Internacional e da seleção, chegou a jogar no Vasco, e não tem nada a ver com jazz. Mas, na infância, eu queria ser o Tesourinha, depois, na adolescência, queria ser o Louis Armstrong. O que só me levou a concluir que tinha nascido na raça errada. Nunca cheguei perto de ser o Tesourinha, mas quando fui morar nos Estadois Unidos, com 16 anos, tomei providências para ser o Louis Armstrong.
Fui procurar um curso de música em Washington D.C. para aprender piston. Eles emprestavam o instrumento. Não tinham um piston no momento. Tinham um sax alto. Servia? Serviu. O meu projeto de vida seguinte - ser o Miles Davis - já começou prejudicado. Além de a raça ser errada, o instrumento também era.
Aprendi o bastante para manejar as chaves e ler uma partitura, mas nunca cheguei a dominar o instrumento, e esqueci o que sabia. Eu só queria mesmo fingir que era jazzista, sozinho. No máximo me olhando no espelho. Mas, em 60, já de volta a Porto Alegre, fui convidado a participar de um 'conjunto melódico' que se iniciava, o Renato e seu Sexteto (que mais tarde, com nove figuras, chegou a ser o maior sexteto do mundo). Tocávamos em bailes de estudantes, e era tempo da Bossa Nova, da música italiana, do 'fox', e, às vezes, quando a harmonia era propícia, eu improvisava, e era um passável Paul Desmond. Toquei só um ano com o conjunto do Renato (que depois se tornou um dos melhores do estado, ficou famoso sem mim, e debandou na década de 70), e passei 17 anos sem pegar o sax. Até que o grupo resolveu se reunir para relembrar os velhos tempos, e descobriu que muita gente tinha a mesma saudade. Resultado: voltamos a tocar em bailes, para o mesmo público da nossa juventude. Os que ainda podem andar, claro.
E hoje, quando o fôlego permite e os dedos obedecem, ainda ensaio umas corridas pela borda do tema. É um pouco como o Tesourinha quando acabou, melancolicamente, no Grêmio, confiando na benevolência do público. Mas é a realização de um sonho, mesmo assim."

Rick Wakeman no Brasil - 1975

2011-07-01T12:33:00.000-07:00

Nos anos 70 não era muito comum a apresentação de grupos e astros do rock internacional no Brasil, pelo menos aqueles que viviam seu auge artístico e de popularidade. Apesar de o público brasileiro sempre ter sido um grande consumidor de música pop, vários fatores faziam com que as grandes bandas não extendessem suas excursões mundiais por aqui. Uma excessão foi Rick Wakeman, ex-tecladista do Yes, que naquele período, quando o rock progressivo estava em alta, era um dos artistas mais populares na época, e tocou no Brasil em 1975. A revista Pop fez uma matéria com fotos dos shows e bastidores:
"E a lenda do anjo sinfônico dos teclados virou ralidade. Rick Wakeman esteve no Brasil por mais de duas semanas, transando shows que foram curtidos por mais de 80 mil pessoas em São Paulo, Porto Alegre e Rio de Janeiro. A moçada foi em massa reverenciar o mago que sabe misturar o rock com a música clássica num som único e apoteótico, muito bom de curtir.
E o que se viu foi quase como um londrino acordo entre cavalheiros: se, por um lado, o público saudou seu ídolo com comoventes ovações que ecoavam dentro dos ginásios superlotados, por outro lado, Rick Wakeman entregou-se inteiro à tarefa de arrancar sons sublimes dos teclados de seus instrumentos. Ele deu tudo o que pôde, fez tudo o que sabe, chegou a extremos de consagração que nem esperava.

Na verdade, nem os organizadores da temporada (e muito menos os empresários) esperavam que a consagração do ídolo seria tão grande. Todos ficaram de boca aberta quando perceberam que a moçada conhecia a fundo o repertório de Rick - reagindo ruidosamente aos primeiros acordes de suas músicas preferidas. E os aplausos iam crescendo, até o fim dos concertos, quando eram dirigidos também ao maestro Isaac Karabitchevsky, aos músicos da sinfônica e aos competentes carinhas do English Rock Ensemble - o grupo de Rick. Em todos os shows, Rick precisou voltar ao palco para bisar uma ou duas músicas.
Rick é um carinha legal, sem pose de superstar, mas consciente de suas virtudes como instrumentista e criador de música. E é um cara aberto a todas as curtições. Logo que chegou ao Rio, soube que há toda uma transa de discos voadores e visitas de fenícios ligada à Pedra da Gávea - e imediatamente compôs uma música inspirada na pedra (que ele via da janela de sua suíte). Mais tarde jogou uma partida de futebol (com os carinhas do conjunto) contra um time de artistas brasileiros. Perdeu esportivamente por 5 a 2. Em São Paulo, durante uma recepção na casa de um dos diretores da gravadora Odeon, lá pelas tantas da madrugada, Rick e todos os do seu grupo tiraram a roupa (ficaram só de cuecas), mergulharam na piscina e começaram a puxar todos os convidados para dentro d'água - de roupa e tudo.

Mas, é claro, toda essa temporada de festas, trabalho, curtições, muita música e apoteose, teve seu preço. Para garantir todo o luxo, a pompa e a impecável perfeição técnica (tanto de som como de iluminação) dos espetáculos, havia uma equipe de 70 pessoas nos bastidores. O total da aparelhagem pesa 18 toneladas, e só a mesa de som trabalha com 285 canais. O transporte dessa aparelhagem saiu por volta de 800 mil cruzeiros. E a Rede Globo e o Projeto Aquarius, responsáveis pela excursão, investiram no total cerca de 6 milhões de cruzeiros. Rick, que levou 50% da renda bruta, deve ter faturado uns 2 milhões!"

A Esfinge

2011-06-29T18:34:00.000-07:00

Ofélia tem os cabelos tão pretos
como quando casou.
Teve nove filhos, sendo que
tirante um que é homossexual
e outro que mexe com drogas,
os outros vão levando no normal
Só mudou o penteado e botou dentes
Não perdeu a cintura, nem
aquele ar de ainda ser feliz,
inocente e malvada
na mesma medida que eu,
que insisto em entender
a vida de Ofélia e a minha.
Ainda hoje ela passou de calça comprida
a caminho da cidadezinha
Os manacás cheiravam
como se o mundo não fosse o que é.
Ora, direis. Ora digo eu. Ora, ora.
Não quero contar histórias,
porque história é excremento do tempo.
Queria dizer-lhes é que somos eternos,
eu, Ofélia e os manacás.

Adélia Prado

London London - O Exílio de Caetano

2011-05-20T16:10:00.001-07:00

O Tropicalismo é reconhecido internacionalmente como um movimento contracultural, e sua influência não se resumiu à música produzida pelo grupo baiano, mas também abrangeu cinema, teatro e artes plásticas. Apesar de todo o alvoroço que causou em nossa vida cultural, o movimento foi bem curto, deixando de existir a partir do exílio em Londres de seus dois maiores porta-vozes: Caetano e Gil.
Em Londres os dois baianos tiveram que se adaptar não só aos hábitos e características de um outro país, mas também ao meio musical, já que para sobreviver, teriam que dar continuidade às suas carreiras naquele país. A foto acima, que ilustra essa postagem, por exemplo, traz um cartaz anunciando um show de Caetano por lá, quando ele é apresentado como um cantor brasileiro de folk-rock. Cada qual, à sua maneira acabou desenvolvendo suas carreiras. Pelo que li a respeito, Gil se adaptou melhor à vida Londrina, inclusive tendo uma elogiada participação alternativa no lendário festival da Ilha de Wight, em 1970. Já Caetano demonstrava um desgaste emocional mais acentuado. A foto da capa de seu disco londrino, onde ele aparece com uma expressão envelhecida e tristonha, deixa claro o que o exílio representava para ele. Nesse disco, na música If A Hold Stone, uma versão para a língua inglesa de seu sucesso Marinheiro Só, ele cita , em português, um verso da música Quero Voltar Pra Bahia, feita em sua homenagem pelo compositor Paulo Diniz: "Eu não vim aqui para ser feliz/ Cadê o meu sol dourado?/ Cadê as coisas do meu país?"

Porém a experiência em Londres abriu novos horizontes, e acrescentou muito ao desenvolvimento de sua carreira. Lembro de em 1977 ter lido uma entrevista de Caetano onde ele afirma que morar em Londres diminuiu sua timidez musical.
Em uma edição especial da revista Contigo, de 2004, dedicada a ele, um texto sobre seu exílio diz:
"Por mais paradoxal que possa parecer, Caetano Veloso deve à ditadura militar o fato de ter continuado a cantar. Preso pelos militares em dezembro de 1968, o músico e seu inseparável parceiro Gilberto Gil foram obrigados a partir para Londres, onde permanceram por dois anos e meio. 'Não sei o que seria a minha vida na música popular se eu não tivesse sido preso e exilado', revelou o cantor à revista Veja em 1991. Antes de ser detido, Caetano planejava uma pausa estratégica para pensar na vida tão logo se desvencilhasse do movimento tropicalista."
A letra de London London, reflete todo o seu estado de espírito naquele período de exílio. Eis a tradução:

Eu vagueio pela cidade/Sem destino/Estou só em Londres,Londres é tão simpática/Atravesso as ruas sem receio/Todos conservam o caminho desimpedido/Sei que não conheço ninguém para dizer-lhe alô/Sei que eles conservam o caminho desimpedido/Estou sozinho em Londres sem receio/Estou vagando por aqui/Sem destino/Enquanto meus olhos procuram por discos voadores no céu/Oh, passam os dias e também o outono/E as pessoas se apressam ordenadamente/Um grupo se dirige a um policial/Este parece muito satisfeito em poder servi-los/É bom estar pelo menos vivo e eu concordo/Ao menos ele parece muito satisfeito/É bom poder viver em paz todos os dias, todos os anos/E eu concordo/Enquanto meus olhos procuram por discos voadores no céu/Eu não escolho rosto para olhar/Não escolho caminho/Apenas estou aqui e está tudo bem/Grama verde, olhos azuis, céu carregado/Deus abençoe o sofrimento oculto e a felicidade/Vim para dizer sim e digo/Mas meus olhos continuam procurando por discos voadores no céu

Bossa Jazz e Tavo Duque - Teatro de Bolso

2011-05-18T12:34:00.000-07:00

Um excelente programa para quem gosta de música instrumental de qualidade é o projeto "Clube do Jazz e Bossa", que tem apoio da Prefeitura de Campos, através da Fundação Teatro Trianon. O projeto, que já apresentou várias edições, sempre às terças-feiras, traz o excelente quinteto Bossa Jazz, sempre apresentando um convidado especial, que pode ser um nome de projeção nacional, como já aconteceu, por exemplo, com o saxofonista Mauro Senise, ou músicos locais.
O Bossa Jazz é formado por Dalton Freire (sax e flauta), Magno Oliveira (trompete e flugelhorn), Márcio Leal (teclados), André Rangel (contrabaixo) e Vitor Vieira (bateria). O quinteto, liderado por Dalton Freire, traz músicos de primeira linha, que desenvolvem um trabalho, como o próprio nome já revela, calcado em standards do jazz e clássicos da Bossa Nova.
Na noite de ontem, o convidado da vez foi um músico da cidade, que já acompanho há algum tempo: o guitarrista Tavo Duque. O primeiro contato que tive com com a guitarra de Tavo, foi através da banda de rock Big Head, em que ele, ainda bem jovem já mostrava uma boa pegada. Algum tempo depois, Tavo assumiu a guitarra da lendária banda Blues Band Vidro, substituindo outro grande músico da cidade, Betinho Assad. Na Blues Band, Tavo tocou durante anos, aprimorando sua levada de blues. Um excelente momento de Tavo na banda está registrado no segundo cd da Blues Band. Nesse disco, que tem uma parte registrada ao vivo, no 3º Campos Blues Festival, posso destacar uma versão para uma música de Stevie Wonder, que se imortalizou em uma gravação de Jeff Beck no disco Blow By Blow, de 1976: Cause We've Ended as Lovers. Naquela noite de julho de 2003 fiquei bastante impressionado com sua interpretação para essa música. Jeff Beck, por sinal, é uma de suas maiores influências na gutarra.

Paralelamente ao trabalho com a Blues Band Vidro, Tavo também realizou trabalhos instrumentais autorais, voltados ao estilo fusion, como é o caso do trio Superjam. Após alguns anos frente a Blues Band Vidro, Tavo Duque se mudou para São Paulo para se aprimorar no estudo de seu instrumento, o que lhe deu mais cancha no palco, e lhe abriu um maior horizonte musical.
Prestes a lançar seu primeiro cd solo, Vagabundo, onde toca todos os intrumentos, e é autor das músicas, Tavo em boa hora foi convidado para participar do projeto instrumental Jazz e Bossa.
O show de ontem, teve a participação de Tavo em três músicas, onde a improvisação foi a tônica, como não poderia deixar de ser em um show predominantemente de jazz. Trazendo alguns clássicos do estilo, em composições de autores como Chick Corea, Gerry Mulligan, Dave Brubek (uma ótima versão para o clássico Take Five), entre outras, e algumas pérolas da Bossa Nova (Influência do Jazz, Meditação, Rio), a apresentação foi marcada pelo virtuose dos excelentes músicos, sendo que o convidado da noite, pelo tipo de repertório, não trouxe ao palco sua influência de Jeff Beck, mas apresentou seu lado Pat Metheny, que se entrosou muito bem com o quinteto. Foi mais um grande show.

O Que Passou, Passou?

2011-05-16T15:49:00.000-07:00

Antigamente, se morria. 1907, digamos, aquilo sim é que era morrer. Morria gente todo dia, e morria com muito prazer, já que todo mundo sabia que o Juízo, afinal, viria, e todo mundo ia renascer. Morria-se praticamente de tudo. De doença, de parto, de tosse. E ainda se morria de amor, como se amar morte fosse. Pra morrer, bastava um susto, um lenço no vento, um suspiro e pronto, lá se ia nosso defunto para a terra dos pés juntos. Dia de anos, casamento, batizado, morrer era um tipo de festa, uma das coisas da vida, como ser ou não ser convidado. O escândalo era de praxe. Mas os danos eram pequenos. Descansou.Partiu. Deus o tenha. Sempre alguém tinha uma frase que deixava aquilo mais ou menos. Tinha coisas que matavam na certa. Pepino com leite, vento encanado, praga de velha e amor mal curado. Tinha coisas que tem que morrer, tinha coisas que tem que matar. Que mais podia um velho fazer, nos idos de 1916, a não ser pegar pneumonia, deixar tudo para os filhos e virar fotografia? Ninguém vivia pra sempre. Afinal, a vida é um upa. Não deu pra ir mais além. Mas ninguém tem culpa. Quem mandou não ser devoto de Santo Inácio de Acapulco, Menino Jesus de Praga? O diabo anda solto. Aqui se faz, aqui se paga. Almoçou e fez a barba, tomou banho e foi no vento. Não tem o que reclamar. Agora, vamos ao testamento. Hoje a morte está difícil. Tem recursos,tem asilos, tem remédios. Agora a morte tem limites. E, em caso de necessidade, a ciência da eternidade inventou a criônica. Hoje sim, pessoal, a vida é crônica.

Paulo Leminski

30 Anos Sem Bob Marley

2011-05-11T16:28:00.000-07:00

Há exatos trinta anos morria um dos maiores ícones que a música produziu no séc. XX, Bob Marley. Após uma luta contra o câncer, Bob morreria em 11 de maio de 1981, e seu nome ficaria marcado como o maior representante do reggae.
Conheci a música de Bob Marley por volta de 1977, quando o reggae ainda era uma novidade, e aquele ritmo com uma batida diferente e envolvente logo me chamou a atenção. Na verdade, já conhecia a música de Marley através de uma regravação de Eric Clapton para I Shot The Sheriff, anos antes, mas não sabia quem era Bob Marley. Acho que a primeira matéria sobre Marley, o reggae e a filosofia rastafari eu li em 1977, no Jornal de Música, uma publicação da época, escrita pelo jornalista Júlio Barroso, futuro líder da banda dos anos 80, Gang 90 & Absurdetes.
Lembro das primeiras imagens que chegavam ao Brasil de apresentações de Bob Marley, e me impressionaram bastante. Na época, a música dominante, que tocava nas rádios e casas noturnas era a discotéque, um gênero que me desagradava bastante. Com o surgimento do reggae, e a ascenção de artistas como Bob Marley e Peter Tosh, a música vinda da Jamaica passou a representar para mim uma alternativa contra a música disco, que eu odiava.

Em 1982, foi lançada pela Editora Brasiliense a primeira biografia de Marley publicada no Brasil: Bob Marley Mestre Dinamitador. Já comentei aqui sobre a coleção Encanto Radical, que trazia livros de bolso, em edições de preço barato, trazendo biografias de personalidades. A de Bob Marley alcançou bons índices de venda, pois teve um segunda edição em 1983. O texto de contracapa dizia:
"Bob Marley e suas tranças, serpentes que saem da sua cabeça. Ganja e muita fruta, sua dieta básica. Aquariano, filho da zoeira babilônica, mas atento crítico do Babylon System. A verdade está fora da política, do mundo do Time Magazine e dos Rolling Stones... Sigo seu olhar pela janela. O sol batendo nos arranha-céus, um brilho de diamantes. Nova Yorque, um pote de ouro no fim do arco-iris. O que pensa Bob quando olha para uma cidade grande e moderna como N.Y.?
'Bem, quando eu estava no começo do Rastafari, talvez eu nunca chegasse a entrar num prédio como esse. Mas então, depois de um tempo, comecei a pensar; 'Bem tenho um trabalho a fazer, tenho que lidar com a música que Deus me deu. E essa música pode me levar adiante.'"
Hoje, trinta anos após sua morte, Marley ainda é reverenciado e amado mundo afora. O reggae invadiu o mundo, novos astros surgiram, inclusive alguns de seus filhos, sendo Ziggy Marley o melhor representante da Dinastia Marley. Mas a verdade é que passados esses anos todos, o reggae ainda tem o mesmo nome e sobrenome: Bob Marley.

Gilberto Gil - Refazenda

2011-05-08T07:27:00.000-07:00

Em 1975 Gilberto Gil lançava um de seus mais inspirados trabalhos, o disco Refazenda. Tive o privilégio de assistir a um show de Gil quando o disco ainda estava saindo do forno, e assim, pude ouvir pela primeira vez músicas como Refazenda, Tenho Sede, Lamento Setanejo, Pai e Mãe, e outras antes mesmo delas começarem a tocar no rádio.
Em outubro daquele ano, a revista Pop trazia um matéria com Gil, falando do lançamento, e o texto de apresentação dizia:
"Ele pesquisa o universo misterioso das religiões orientais, mergulha nos túneis escuros da mente, mexe na terra, conversa com o público das cidades do interior. Mas nunca se afasta do caminho: em todo o trabalho de Gilberto Gil há uma profunda preocupação com a cultura popular. Dentro dessa coerência, Gil agora vem de Refazenda."
Abaixo a transcrição da matéria:
"Gilberto Gil estava na Bahia, depois de uma excursão por várias capitais e cidades do interior. Uma noite, pintou num sonho a palavra Refazenda e a imagem um pouco confusa de uma fazenda encravada num vale, com vacas, galinhas, árvores e, ao mesmo tempo, cercada de um aparato tecnológico próprio das grandes cidades. 'Era um lugar de todos os homens, e ao mesmo tempo, de solidão total. Analisando depois, entendi tudo aquilo como a síntese da simplicidade e também como uma grande necessidade existencial dominando minha cabeça. Resolvi explorar a palavra Refazenda ao máximo, pois a acho muito bonita.'
Da dissecação da palavra, como forma, e do conceito Refazenda, resulta o novo LP (recém-lançado) e toda a direção do trabalho atual de Gil: 'É um LP muito simples, quieto, tranquilo. As canções são todas apresentadas com muita cautela, sem improvisações e sem as explorações vocais até certo ponto absurdas que já me permito fazer. Nunca explorei um filão. Sou discípulo direto de Luiz Gonzaga e Dorival Caimmy. Mas, por outro lado, já incursionei pelos experimentalismos, dodecafonismos, já usei os osciladores todos, já fui violeiro e também Jimi Hendrix.'
Mas, como ideia, o que significa o novo trabalho de Gil? O que é a Refazenda? 'Refazenda é, para mim, como um prêmio conceitual a tudo o que já fiz, fui e serei. Minha intenção é acentuar esta abertura total, buscar dar mais cor ao verde das matas, fazer tudo renascer: que as flores voltem aos campos e, se for na cidade, que seja Refazenda. Em suma, Refazendaé tudo o que eu quiser viver, fazendar, andar de ré.'

Por outro lado, Refazenda é também um oportuno toque sugerindo a volta à simplicidade, à natureza, uma nova proposta de equilíbrio ecológico. Na explicação do conceito, por escrito, Gil diz: 'Renda tecida com fios do milho, milho ouro, milho sol, (...) Esperança transmutada em verde de verdade, verdes notas mágicas, o encanto da fazenda nova. Reencantação. A árvore da trindade: abacate, tomate, mamão. Árvore milagrosa: um fruto diferente a cada estação. (...) Refazenda segue sendo a vontade de Deus para cada estação'.
Muito dessa ideia nasceu do próprio trabalho de Gil, um trabalho incansável de troca de informações que ele pretende continuar:'Quero sair por aí conhecendo cidadezinhas do interior, levando espetáculos para pessoas que têm muito mais carência de um mundo de sonhos e fantasias como um show de Gilberto Gil ou outro artista qualquer. Uma apresentação dessas é muito mais densa que o circuito Rio-São Paulo. Alguém tem que fazer este trabalho de interiorizar a arte. Aliás, desde que voltei da Inglaterra tenho me dedicado a isso'.
E Refazenda 'também deve ser na cidade'. Ou na cabeça de cada um, mesmo que isso leve ao misticismo. 'Eu me considero um místico por excelência. Já abordei todas as seitas em busca do conhecimento, melhor entendimento entre matéria e espírito, céu e terra: candomblé, zen-budismo, ioga, etc. Cada nova fase é uma prisão voluntária à qual me submeti em busca da liberdade, sacou? Refazenda começa num vale e termina nos limites da mente...'"

Woody Allen Se Encanta Com Machado de Assis

2011-05-07T12:14:00.000-07:00

Em entrevista recente, para o jornal inglês The Guardian, foi pedido ao diretor de cinema Woody Allen que citasse os seus cinco livros favoritos, e que mais o influenciaram. Dentre os cinco citados estava Memórias Póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis,.A escolha do livro de Machado causou surpresa para muitos, pois se trata de um livro escrito por um autor sem o merecido reconhecimento internacional, portanto um desconhecido para o grande público. Até para nós, brasileiros, que conhecemos e valorizamos a obra de Machado, não deixou de ser uma agradável surpresa, pois sabemos o quanto é raro uma obra escrita originariamente em português ser citada entre os livros preferidos de uma personalidade internacional. Os livros de Paulo Coelho não contam nesse caso, pois é uma outra vertente que nem valeria a pena ser analisada agora.
O livro de Machado de Assis, um autor de quem Woody Allen nunca tinha ouvido falar - e não vai aqui nenhuma insinuação de falta de cultura do cineasta - chegou a suas mãos enviado por um brasileiro: "Eu recebi o livro pelo correio um dia. Algum estranho do Brasil me mandou e escreveu: 'Você vai gostar disso'. Como é um livro fino, eu li. Se fosse um livro grosso, eu teria descartado na hora. Eu fiquei chocado com o quão charmoso e interessante o livro era. Eu não conseguia acreditar que ele, Machado de Assis, viveu a tanto tempo. Você pensaria que ele escreveu o livro ontem. É tão moderno e interessante. Me chamou a atenção da mesma forma que O Apanhador do Campo de Centeio, de J.D. Salinger."
O caráter atemporal da obra machadiana, e aqui não falo somente do livro citado, e que surpreendeu Allen, já que o livro foi escrito em 1881, deve ficar ainda mais acentuado em uma tradução para uma língua estrangeira. Isso porque, o texto original traz uma linguagem da época, dando a entender que foi escrito ainda no séc. XIX, apesar de estar à frente de seu tempo. Já uma tradução, creio eu, usa uma linguagem contemporânea, o que torna o texto ainda mais moderno e atual.
Resta saber quem foi esse brasiliro que com tanta perspicácia, concluiu que Memórias Póstumas de Brás Cubas tinta tanto a ver com Woody Allen, que ainda comentou: "Era um assunto que eu gostava, e era tratado de forma bem-humorada, cheio de originalidade e sem sentimentalismo."
Seria ótimo que esse encantamento sobre o livro de Machado, revelado por um formador de opinião como Woody Allen, desperte um interesse internacional para a obra de um dos maiores escritores de todos os tempos.

Confundindo os Arnaldos

2011-05-03T14:23:00.000-07:00

A revista de domingo de O Globo trouxe uma boa matéria com o ex-Mutante Arnaldo Batista. Fala de sua carreira, de tudo porque passou quando sofreu um grave acidente ao cair do quarto andar do hospital onde estava internado em 1982, que quase o levou à morte, sua recuperação, projetos, etc. É sempre bom ver matérias como essa saindo em um jornal de grande circulação, trazendo um artista como Arnaldo, um sobrevivente, que continua criando, fazendo música, escrevendo livros, pintando, e sendo retratado em um belo documentário, como "Loki", de Paulo Henrique Fernandes, que chegou a receber alguns prêmios.
A matéria é bem escrita, traz boas fotos dele em seu atelier no sítio em que mora em Juiz de Fora com sua mulher, traz fotos de arquivos, depoimentos, etc. E foi justamente um depoimento que me chamou a atenção na matéria. Em dado momento, a cantora Zélia Duncan, que recentemente chegou a trabalhar diretamente com Arnaldo por um período na nova formação dos Mutantes (hoje os dois não tocam mais na banda), fala sobre ele, ou supostamente fala. Transcrevo abaixo o trecho em que Zélia é citada, para explicar porque digo que a matéria cometeu um grande engano:
"Quem também traz novidades do planeta Arnaldo é a cantora Zélia Duncan. Em seu próximo DVD, ela canta a música 'Borboleta', de Arnaldo, que gravou em parceria com Marcelo Jeneci e Alice Ruiz.
- Certa vez pedi a ele uma música para gravar, e quando ele tocou 'Alma', dele com Pepeu Gomes, senti um calafrio. Foi um dos meus maiores sucessos - lembra a cantora. - Ele faz parte da tríade que me inspira, com Renato Russo e Cazuza. Arnaldo decidiu viver, e isso é muito bonito de se ver. Fico feliz de fazer parte desse importante retorno."
Esse depoimento me deixou completamente confuso. A música Alma é de Arnaldo, porém outro Arnaldo, o Antunes, realmnte em parceria com Pepeu Gomes. Quando ela cita outra música, supostamente de Arnaldo Batista, tudo leva a crer que ela novamente estava se referindo a Arnaldo Antunes, pois Marcelo Jeneci e Alice Ruiz (viúva de Paulo Leminski) são parceiros de Arnaldo Antunes. Tudo estava me levando a crer que houve um erro de comunicação, ou Zélia confundiu um Arnaldo com outro, ou quem colheu seu depoimento fez a confusão. Porém no fim de seu depoimento, Zélia faz um comentário que só pode ser relativo a Arnaldo Batista, e não o Antunes : "Arnaldo decidiu viver, e isso é muito bonito". Ficou tudo muito confuso em minha cabeça. Só mesmo a Zélia para explicar.

Sid Vicious - O Espetáculo Punk

2011-04-30T10:37:00.000-07:00

Nos anos 80 a Editora Brasiliense publicava uma coleção de livros de bolso que traziam biografias de diferentes personalidades de vários segmentos. Não se tratava de biografias altamente pesquisadas, de grossos volumes, até porque o formato era de livros de bolso. Mas na verdade eram obras que traziam um ótimo resumo da vida e obra das personalidades resenhadas. Essa coleção se chamava Encanto Radical, e tinha a vantagem de ter um custo bem barato, e os textos normalmente eram feitos por um autor que conhecesse bem a vida do biografado, que fizesse um bom trabalho de pesquisa, e um texto resumido, porém destacando os principais aspectos pessoais de quem fosse por ele biografado.
Em 1985, por exemplo, foi lançada uma biografia de Sid Vicious, baixista da banda punk Sex Pistols. Para falar a verdade nunca fui muito chegado a punk rock. Até reconhecia a importância da atitude transgressora que as bandas do movimento impunham, e toda a reviravolta que provocaram no panorama do rock em meados da década de 70, mas musicalmente o punk nunca me seduziu. Lembro do grande alvoroço que o principal represente do movimento, os Sex Pistols - do qual Sid fazia parte, provocou, e todas as mudanças comportamentais e estéticas que vieram na onda punk, mas aquilo tudo passou meio batido por meus ouvidos.
Às vezes, naquelas famosas listas dos melhores discos de todos os tempos, o grande clássico dos Pistols, "Never Mind The Bolocks, Here's The Sex Pistols" é colocado entre vários daqueles discos que são verdadeiras obras-primas, e sempre que me deparo com isso, discordo. Mas se a lista for de "mais importantes" em vez de "melhores", eu até posso concordar, pois é um disco que redefiniu um panorama, eu reconheço.

Por tudo isso, eu na época adquiri a biografia de Sid Vicious, até porque sua vida desregrada e seu final trágico por si só já garantem uma boa leitura. O texto é ágil, simples, e conta bem a história de Sid e dos Sex Pistols, seu problema com as drogas e com a justiça, sendo o mais grave seu envolvimento num processo de assassinato de sua namorada Nancy Spugen, até sua morte em fevereiro de 79, no mesmo dia em que foi libertado após dois meses de prisão. Foi encontrado morto em seu apartamento, aos 21 anos. Causa mortis: overdose de heroína administradapor ele próprio. O filme Sid and Nancy conta muito bem toda a história.
No livro, o autor o define como "o arquétipo do punk, um dos principais articuladores da linguagem de sua geração. Uma combinação de filmes de terror classe B com um apocalipse dadaísta feito por adolescentes."

Cabaret Voltaire - Dadaísmo Eletrônico

2011-04-26T14:35:00.000-07:00

A banda Cabaret Voltaire trazia um tipo de som diferente do que se fazia nos anos 80, uma música com elementos eletrônicos, mas que fugia daquele bate-estaca característico desse gênero musical. Em 1º de maio de 1988, a coluna dominical Rio Fanzine, do jornal O Globo, trazia uma matéria sobre a banda, com o título Dadaísmo Eletrônico, assinado pelo editor da coluna Tom Leão. A foto que ilustra essa postagem, extraída da matéria, trazia a leganda: "O som do Cabaret Voltaire cria indecifráveis momentos de transe". Abaixo a transcrição da matéria:
"A luz estreboscópica pisca intermitentemente. A cabeça gira. A marcação eletrônica pesada ecoa dentro do estômago e bate forte como um soco. O som mântrico repete-se e repete-se... A cabeça gira. Esses são alguns dos efeitos provocados pela música do grupo inglês Cabaret Voltaire. São os sintomas dos blipverts musicais que jogam uma mensagem subliminar dentro dos cérebros, seja via fones de ouvido ou através das caixas de som.
Esse é o código "Sensoria" que dá acesso mas não decifra totalmente o Cabaret Voltaire. Formado em 1974, o grupo até hoje continua lançando trabalhos interessantes, resultados de uma pesquisa incessante de som e tecnologia. Sua música é extremamente difícil de se descrever, embora a dupla que o compõe, Stephen Mallinder e Richard H. Kirk, aprecie a denominação 'rumba eletrônica'. Who cares? São anos de experimentos e transgressões na escala musical. Nada faz sentido dentro de um trabalho muito disciplinado.
O nome reflete bem a proposta. Cabaret Voltaire. Quando Hugo Ball e seus amigos correram da opressão nazista, foi nessa casa instalada em Zurique, na Suíça - que existiu por um curto período - que loucuras foram cometidas para criticar as loucuras da guerra. E o que diziam ou faziam não precisava ter senso. Dadá. Nulo como o discurso de um bebê. Década e meia depois, o Cabaret Voltaire tem seu primeiro elepê editado no Brasil. 'Code', por estes dias nas lojas, via EMI-Odeon.
As faixas correm ininterruptas a partir de 'Don't argue', vozes e ruídos armazenados em samplers criando uma chuva contínua de frases vocais e musicais. Os samplers do Cab não são roubados de alheios, e sim criados por eles mesmos. O som contínuo vai emendando 'Sex money freaks' (sobre os falsos pastores eletrônicos, incluída na trilha do filme 'Salvation', inédito no Brasil), com 'Thank you America', até chegar em 'Here to go', único exemplar mais visivelmente orientado para para rádios. Mas o outro lado, que finda em 'Code', mantém a integridade musical do grupo.
Para primeira incursão no mercado fonográfico a nível mundial (o CV sempre gravou por selos independentes), a dupla Kirk-Mallinder até que está bem contida e não desapontará seus antigos admiradores."

Contra

2011-04-24T13:10:00.001-07:00

Contra:
Burocratas travestidos de poetas
Sem-graças travestidos de sérios
Anões travestidos de crianças
Complacentes travestidos de justos
Jingles travestidos de rock
Estórias travestidas de cinema
Chatos travestidos de coitados
Passivos travestidos de pacatos
Medo travestido de senso
Censores travestidos de sensores
Palavras travestidas de sentido
Obscuros travestidos de complexos
Bois travestidos de touros
Fraquezas travestidas de virtudes
Bagsaços travestidos de polpa
Bagos travestidos de cérebros
Celas travestidas de lares
Paisanas travestidos de drogados
Lobos travestidos de cordeiros
Pedantes travestidos de cultos
Egos travestidos de eros
Lerdos travestidos de zen
Burrice travestida de citações
Água travestida de chuva
Áquário travestido de tevê
Água travestida de vinho
Água solta apagando o afago do fogo
Água mole sem pedra dura
Água parada onde estagnam os impulsos
Água que turva as lentes e enferruja as lâminas
Água morna do bom gosto, do bom senso e das boas intenções
Insípida, amorfa, inodora, incolor
Água que o comrciante esperto coloca na garrafa para diluir o whisky
Água onde não há seca
Água em abundância
Água em excesso
Água em palavras

Eu apresento a página branca
A árvore sem sementes
O vidro sem nada na frente
Contra a água

Arnaldo Antunes

Festivais Universitários - TV Tupi

2011-04-23T14:23:00.000-07:00

A partir do final dos anos 60, a Tv Tupi do Rio promovia o Festival Universitário de Música Brasileira. Como o nome indica, os participantes teriam que ser universitários. Na época, uma boa parte de nossos compositores que iriam se revelar nos anos 70 ainda se dividia entre a indecisão de uma carreira artística e uma profissão mais sólida. Assim uma boa parte deles fazia faculdade e compunha suas músicas, pensando na possibilidade de seguir na música. Dessa forma o sucesso do evento foi um fato inquestionável, bastando dizer que os festivais universitários revelaram nomes como Gonzaguinha, Ivan Lins, Aldir Blanc, Belchior, Ruy Maurity e outros.
Num livro que conta a história da Tv Tupi, o Festival Universitário da Música Brasileira é lembrado no seguinte trecho:
"Foi uma grande sacada levar o som universitário para o efervescente universo dos festivais. O poder jovem estava na ordem do dia em contestação e participação social no mundo inteiro. Havia um nó na garganta, que através da música se fez presente quando os universitários soltaram seu canto. A censura rebolou com esses caras.
Na Tv Tupi dessa época, ventos progressistas ventilavam pela Urca, sob o comando do Grupo de Criação, encabeçado por Vianinha e Paulo Pontes, dois brilhantes representantes da geração de 1968. Na direção estava José Arrabal, que pilotava a casa com pulso forte,em tempos de prestígio e audiência. Quando Arrabal foi procurado pelas meninas do Grupo Interuniversitário Musical, o Grim, encaminhou-as ao Adonis Karan, que tinha acabado de realizar com sucesso o Concurso de Carnaval.
- Elas faziam parte do Movimento Artístico Universitário (MAU), uma rapaziada da Tijuca formada por Gonzaguinha, Ivan Lins, Aldir Blanc, César Costa Filho e Paulinho Tapajós, todos ilustres desconhecidos até então. Fechamos com a ideia de realizar o Festival Universitário da Canção Popular. O Grim fazia a ponte com os universitários e a Tupi entrava com a realização geral. Eu, Vianinha, Paulo Pontes e Lúcio Alves montamos a estrutura geral e fomos à luta. Enquanto a Record e a Globo investiam nos compositores da moda, a gente vinha com uma rapaziada completamente desconhecida. E aconteceu que nosso festival fez muito sucesso, e acabou revelando uma geração de compositores que está aí até hoje.

Foram momentos inesquecíveis para quem viveu essa época. O primeiro Festival Universitário foi realizado no Teatro República, apresentado por Blota Júnior e Maria da Glória. A música vencedora foi Helena, Helena, Helena, de Alberto Land, interpretada com brilho por Taiguara. O segundo lugar ficou com Irinéia Ribeiro e Neville Jordan Larica, autores de Vida Breve, interpretada por uma Claudete Soares possessa. Ivan Lins ficou com o quarto lugar: Até o Amanhecer, parceria com Valdemar Correia, defendida por Ciro Monteiro.
No segundo ano, Gonzaguinha venceu com O Trem, canção emblemática para tempos de repressão. No terceiro foi a vez de Ruy Maurity em parceria com Jorge Miquiioty, arrebatar com Dia Cinco. E na quarta edição do festival, Belchior levou a melhor, junto com Jorginho Telles e Jorge Néri, com Na Hora do Almoço."
Dentre as músicas que concorreram a esses festivais, uma que se tornou um clássico, mesno não tendo sído vencedora foi Amigo É Pra Essa Coisas, de Silvio Silva Jr. e Aldir Blanc. Sobre essa música, o livro fala:
"O Amigo é Pra Essas Coisas eu tinha convidado o Ciro Monteiro e o Paulinho da Viola, mas por uma questão de agenda não pudemos juntar os dois. O Lúcio escalou então o MPB4, que arrebatou."
Apesar de ser criança na época, eu acompanhava com atenção aqueles festivais, e já torcia por minhas preferidas. Era uma época, em que apesar da situação política do país, da censura e a outras coisas negativas, havia uma inegável qualidade, que raramente se vê hoje. Basta vermos que o termo "universitário" que hoje é usado para qualificar um tipo de música de péssima qualidade, naqueles anos definia um público exigente e engajado, e músicos que traziam algo de novo, e que valia a pena ouvir atentamente.

Airto Moreira - 1973

2011-04-21T07:31:00.000-07:00

Os percussionistas brasileiros sempre fizeram sucesso no exterior. O jeito brasileiro de tirar som de instrumentos de percussão, aquele toque bem pessoal, sempre encantou os gringos, principalmente no jazz. Vários nomes se destacaram lá fora, como Paulinho da Costa, Naná vasconcelos, Laudir de Oliveira, que nos anos 70 tocou com a banda Chicago, entre outros. Dentre esses nomes da percussão brasileira, um dos mais bem sucedidos é sem dúvida Airto Moreira, que já tocou com nomes como Miles Davis, Chick Corea, o guitarrista Carlos Santana, e muita gente mais.
A revista Pop, de fevereiro de 1973 trazia uma matéria com Airto, que já começava a se destacar nos EUA. Com o título de "Nos EUA, Airto Virou Star", a matéria dizia:

"Airto Moreira está em Nova York desde 1968, quando vendeu todos seus intrumentos para comprar a passagem e acompanhar sua mulher, a cantora Flora Purim, que ia trabalhar com Stan Getz.
- Eu já tinha feito de tudo que era possível no Brasil. Tinha o melhor conjunto, com os melhores músicos, tocava nos melhores programas, e era só. Eu queria ir para os EUA para encontrar grandes músicos, como Miles Davis, Herbie Hancock e Ron Carter. No Brasil, isso é um sonho para os músicos; você imagina que Miles é alguma coisa de diferente, que ele não é humano. Eu sempre pensei que, se eu o encontrasse, poderia voltar para casa e viver feliz para o resto da vida, pensando nesse encontro. Bem, a primeira vez que eu encontrei Miles tinha acabado de chegara aos EUA, em Los Angeles, e tinha ido vê-lo tocar no Manne Hole. Quando acabou o show fui até os bastidores e, como não sabia ainda falar inglês disse: 'Miles, me brazilian, me musician... I love you', E ele respondeu: 'O quê? Fora daqui!' Dois anos depois, quando eu já tinha me mudado para Nova York, Miles estava precisando de um percussionista para uma gravação, quando alguém falou sobre um brasileiro 'genial' chamado Airto Moreira. O empresário de Miles me chamou, e nós tocamos um fim de semana no Village Gate. E esse foi nosso segundo encontro.

Daí em diante Airto não parou mais. Tocou com Miles no festival da Ilha de Wight, em 1970, tocou com Cannombal Adderley e outros menos conhecidos. Gravou seu primeiro LP na CTI Records, e acaba de gravar o segundo pela Buddah Records, esse último com Flora, sua mulher, e Hermeto, seu grande amigo multi-instrumentista. Mereceu página inteira no jornal inglês Melody Maker , onde foi considerado the percussionist, o melhor atualmente, em Nova York.
- Miles me ajudou demais, me dando confiança e me dizendo sempre para tocar o que eu sentia com mais convicção. Eu era muito inseguro.
Aurto atribui o sucesso ao seu jeito instintivo de tocar.
- Eles descobriram comigo que percussão não é uma coisa rígida. Em jazz, por exemplo, você tem que tocar de uma certa maneira, dizer coisas engraçadas e tomar drogas. Nós não fazemos isso. Quando tocamos, só queremos comunicar alegria a paz."

Billie Holiday - Lady Sings The Blues

2011-04-17T06:45:00.001-07:00

Nos anos 80 havia um tabloide informativo publicado pela editora Brasiliense intitulado Primeiro Toque, que a editora enviava gratuitamente a quem solicitasse. O informativo trazia anúncios dos lançamentos da editora e trazia um cupom para vendas pelo correio. Naqueles tempos pré-internet, o Primeito Toque funcionava como um site, onde os livros da editora eram resenhados, e o leitor poderia fazer contato para opinar e dar sugestões através de cartas. Fiz muitos pedidos de livros por esse canal.
Em sua edição nº 14 o Primeiro Toque trazia em destaque um ótimo lançamento da editora, a biografia da cantora de jazz Billie Holiday, intitulada Lady Sings The Blues. O interessante é que na tradução para o português se optou em preservar o título original em inglês. Quem fez a resenha do livro foi o jornalista Antonio Bivar:
"Bilie Holiday era da pá virada. Quando ela nasceu, o pai tinha 15 anos e a mão 13. O pai ainda usava calça curta! O velho teve que esperar três anos para juntar dinheiro para comprar a calça comprida necessária à cerimônia de casamento.
Um livro que começa contando isso promete emoções de conto de fada. Lady Sings The Blues é um conto de fada às avessas. Tem muito mais vida que as obras completas dos Irmãos Grimm. Na tradição dos melhores textos sobre o jeito de viver americano desde Mark Twain e a Cabana do Pai Tomás. A autobiografia da maior cantora de jazz de todos os tempos é um barato, saborosíssima. Finalmente traduzida para os leitores brasileiros, sem dúvida vai ser um dos livros mais lidos do ano.
Billie arrebata o leitor, nessa viagem pelos 41 anos dos 44 que viveu. O livro é também fudamental para se entender o jazz como arte original norte-americana. Além do humor e da revolta com que narra uma vivência trágica. Billie, desde menina, não gostava do nome com que fora batizada: Eleonora. Moleca de rua, circulava com os meninos, daí o Billie. Bill, diminutivo de William, Guilherme, Bill, Billie.

Sapeca, negra, pobre - antes da puberdade já trabalhava como faxineira num bordel ( o único lugar nas redondezas onde havia uma vitrola - ela trabalhava para poder ali mesmo ouvir os discos de seus ídolos, Bessie Smith e Louis Armstrong - , prostituta, encarou uma barra nada leve até iniciar a carreira de cantora. Prisões, hospitais, reformatórios, álcool, sexo, música, drogas pesadas (heroína, morfina). A barra pesada foi o seu caminho, sempre. Um dia lá em cima, ganhando milhares de dólares, outro dia lá em baixo, voltando para a casa da mãe de mãos vazias e arrasada.
Ela morreu doente, sofrendo do coração e do fígado, dependente de drogas, em 1959. Na maior solidão. Deixou cerca de 300 músicas gravadas. De sucessos de Cole Porter até composições dela mesma, como as maravilhosas Strange Fruit, Good Bless the Child e Don't Explain, jamais superadas."

Encontro com a Arte e o Pensamento de Jorge Mautner

2011-04-16T05:12:00.000-07:00

Na noite de ontem o projeto Consciência Ampla Cultural, do qual já falei na postagem anterior, nos brindou com uma palestra brilhante com uma das cabeças mais antenadas e conscientes da cultura, do pensamento, da filosofia e da arte brasileira - Jorge Mautner. À princípio pensava se tratar, a exemplo de Moraes Moreira, de um show musical seguido de debate, mas se tratava somente de uma palestra. Normalmente quando saímos de casa preparados para uma coisa e acontece outra, nos decepcionamos, pois carregamos uma expectativa que não se concretiza. Mas no caso de ontem, essa regra foi quebrada. É claro que um show seguido de debate seria fantástico. Sua música instiga, traz reflexões, é criativa e traz uma marca pessoal por suas letras inpiradas e as melodias de seu eterno parceiro Nelson Jacobina, que é também um violonista de mão cheia. Isso sem falar no violino de Mautner, umas de suas marcas pessoais.
Porém, o que se viu ontem em sua palestra intitulada Encontro com a Arte e o Pensamento de Jorge Mautner foi um banho de cultura, de alguém que conhece profundamente a alma, a gênese e a grandeza de nosso país. Era impossível não se encantar com a profunda cultura e o dom da palavra do grande pensador que é Mautner, e seu amplo conhecimento nas áreas do pensamento e da filosofia para explicar com palavras simples e exatas, e sem o menor sinal de estrelismo ou vaidade, o que representa o Brasil para o mundo. É esse Brasil mostrado por Mautner que nos faz refletir sobre o que realmente representamos para o mundo, através de nossa criatividade, nossa alegria e espontaneidade e cultura, que são tão invejados por outros países.

A palestra de Mautner e sua simplicidade e simpatia em atender a todos que o procuraram após o evento, constatam que Jorge Mautner é uma das grandes e mais expressivas figuras de nossa cultura. Salve Jorge!

Moraes Moreira em Campos

2011-04-14T12:36:00.000-07:00

De 13 a 17 desse mês, a Ampla, que é a empresa concessionária do serviço de energia elétrica de região de Campos, realiza um evento voltado à cultura e às artes. Trata-se de uma excelente iniciativa, e é a segunda vez que esse tipo de evento acontece na cidade. Denominado Consciência Ampla Cultural, o projeto engloba debates, shows de música, espetáculos de circo, teatro e dança, e trouxe em sua abertura um show e uma palestra com Moraes Moreira.
Acompanhado somente de seu violão elétrico, Moraes, que traz uma bagagem musical de mais de 40 anos de carreira, desde os tempos da formação dos Novos Baianos, até uma carreira solo bem sucedida, iniciada em 1975, Moraes fez um ótimo show, onde cantou vários de seus grandes sucessos. Não faltaram interpretações de velhos sambas de Ari Barroso, como Canta Brasil e Isto, Aqui o Que É?, para em seguida, num clima bem intimista de voz e violão, com um coral puxado pelo público, aprsentar composições próprias como Meninas do Brasil, Lá Vem O Brasil Descendo a Ladeira, Sintonia, entre outras. O repertório dos Novos Baianos não poderia faltar, e assim A Menina Dança, Mistério do Planeta, Preta Pretinha e Brasil Pandeiro (de Assis Valente) completaram uma sequência dedicada à sua antiga banda, que fez história dentro da MPB. O lado carnavalesco, trazendo músicas que marcaram os carnavais dos anos 80, e que até hoje ainda contagiam qualquer folia veio ao final da apresentação com Pombo Correio, Festa do Interior e Bloco do Prazer.

Após o show, Moraes participou de um debate mediado pelo poeta Victor Loureiro, onde ele falou de sua recente carreira de escritor - já lançou dois livros: A História dos Novos Baianos e Outros Versos e o recente Sonhos Elétricos, sobre a história do Trio Elétrico de Dodô e Osmar. Também falou sobre sua careira de músico e interagiu com a plateia. Dentre tantas coisas falou sobre sua infância no interior da Bahia, em Ituaçu, sua terra natal, e o descontentamento com a atual fase do carnavsal baiano, onde o axé tomou conta das ruas, de uma forma um tanto imposta por uma mídia feroz e um poder financeiro, que acabou afastando os verdadeiros criadores de uma cultura carnavalesca, inclusive introduziram os trios elétricos nas ruas de Salvador, como ele, que hoje anima os carnavais de Recife, que é bem mais espontâneo e verdadeiro que o carnaval baiano.
O evento cultural promovido pela Ampla e com apoio da prefeitura da cidade começou bem, com uma aula de brasilidade.

Baden Powell e os Afro-Sambas

2011-04-12T13:40:00.000-07:00

Baden Powell é um dos músicos mais completos, e mais internacionalmente conhecidos que o Brasil já teve. Dono de uma técnica fantástica ao violão, Baden não tardaria a conquistar o mundo, pricipalmente a Europa, onde fez uma brilhante carreira.
Costuma-se dizer quando um músico cria um novo estilo de tocar, que ele "fez escola", ao influenciar outros músicos, que seguem seus ensinamentos. Embora seja referência para vários violonistas, pode-se dizer que não existe propriamente uma "escola Baden Powell", já que nenhum músico ousou seguir sua linha de tocar. Por isso Baden Powell é único.
Além de músico Baden se destacou também como compositor, de harmonias e melodias refinadas. Um dos pontos altos de sua carreira como compositor é o histórico disco que compôs em parceria com Vinícius de Moraes, chamado Os Afo-Sambas. Gravado no verão de 65 para 66, de um jeito informal, como se a dupla não tivesse conhecimento da dimensão que a obra alcançaria através dos anos (e acho que não sabiam mesmo), o disco era considerado por Vinícius como não-comercial e semi-amador. O próprio Vinícius, um não-cantor assumido, fez os vocais masculinos (Baden, com seu fiapo de voz não ousaria cantar nesse disco). Dulce Nunes, uma boa cantora da época, e o Quarteto em Cy fizeram as vozes femininas. Um coro meio improvisado foi formado entre amigos para fazer o apoio vocal. As orquestrações ficaram a cargo do Maestro Guerra-Peixe, que soube dar ênfase ao violão de Baden e a percussão de candomblé em meios às orquestrações.

O disco produziu clássicos da MPB, como Canto de Ossanha, Berimbau e Consolação. Outras composições, mesmo não se tornando sucessos, e até pouco conhecidas hoje em dia, podem ser consideradas verdadeiras obras-primas, como Canto de Xangô, Bacoché, Canto de Iemanjá, Tempo de Amor e Labareda.
Tive a oportunidade de assitir a um show de Baden pouco antes de sua morte, com o músico já com a idade um tanto avançada, e já sem o mesmo vigor, mas era ele com sua batida de violão, sua técnica apurada e única. Era um pouco da história de nossa música a nos brindar com seus acordes.

Revista ShowBizz - Grandes Guitarristas

2011-04-11T13:59:00.000-07:00

A revista ShowBizz (ou simplesmente Bizz, como era chamada no início) era uma publicação especializada em rock, que circulou entre 1985 e 2000. De vez em quando lançava edições especiais, como a que vou comentar agora: Grandes Guitarristas de Todos Os Tempos. A revista destaca vários guitarristas, de diferentes estilos e épocas, dando assim um caráter mais abrangente e democrático, já que ao longo de todas as fases do rock, vários guitarristas fizeram história. Alguns nomes óbvios não podiam faltar, como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pete Towshend, Jimi Page, Carlos Santana, Jeff Beck e outros. Alguns que não são tão lembrados nesse tipo de lista também são merecidamente destacados, como John Lee Hooker, Robert Fripp, Frank Zappa e Andy Summers.

Qualquer tipo de listagem sempre peca pelas ausências, mesmo quando se trata de uma obra volumosa, o que não é o caso da revista. Aliás, já até virou clichê ao se falar nesse tipo de matéria se destacar as ausências. Logicamente, eu senti falta de alguns nomes marcantes, que eu incluiria na minha lista dos melhores guitarristas de todos os tempos, mas ao final da revista, os editores citam outros vários guitarristas que não entraram em destaque, como uma forma de reconhecerem que a lista é quase interminável. Ao destacarem as principais ausências, eles dizem:
"Comecemos pelos blueseiros, Freddie King, Robert Johnson, Albert Collins e Muddy Waters ajudaram a abrir a trilha para que muito branquelo começasse a dar voz à dor por meio da guitarra. Entre esses discípulos, além dos citados entre os vinte maiores, há os britânicos Rory Gallagher, Peter Green e Gary Moore. Do outro lado do Atlântico, os blueseiros brancos mais aplicados atendem pelos nomes de Johnny Winter, Mike Bloomfield, Duane Allman e Ry Cooder."

Conforme citei acima, alguns nomes nem sempre lembrados nesse tipo de relação, mereceram dessa vez fazer parte da lista dos grandes guitarristas de todos os tempos. Um desses nomes, por exemplo é Frank Zappa. Sempre considerei Zappa um virtuose da guitarra, com um fraseado único, mas por ter ao longo de sua carreira ter feito um trabalho onde nem sempre se destacava como guitarrista, normalmente não era lembrado por ser um dos grandes representantes da guitarra no rock.
Acompanhava a revista um cd que trazia vários dos artistas citados ou não, como Yardbirds (destacando Eric Clapton, Jeff Beck e Jimi Page), Carlos Santana, Elmore James, Robert Cray, John Lee Hooker, Jimi Hendrix, John Mayall e Albert King.
Trata-se de uma boa revista, com bons textos e um bom trabalho gráfico. Hoje em dia pouca coisa do gênero tem sido publicada, por isso essa revista merece ser guardada por qualquer interessado pela história do rock.

Langston Hughes

2011-04-10T07:48:00.000-07:00

Nos anos 90, através de um jornal cultural chamado Nicolau, que era editado pela Secretaria Estadual de Cultura do Paraná, conheci alguns poemas de um poeta americano de quem nunca havia ouvido falar, chamado Langston Hughes. O poeta era inédito, e talvez ainda seja, no Brasil. Quem fez a apresentação e tradução de seus textos foi o cineasta Sylvio Back, que também é poeta e escritor. O texto sobre Hughes é o seguinte:
"Conhecido no Brasil (talvez) apenas pela emblemática primeira estrofe de seu poema 'Democracy', Langsston Hughes (1902 - 1967) é um dos maiores poetas norte-americanos do século, porém ainda inédito entre nós.
Publicou seis livros de poesia, além de contos, ensaios, peças e, inclusive, letras de canções populares, cujo lirismo tem origem nos blues e spirituls. Em 1944 teve editada no Brasil uma autobiografia com o título de 'O Imenso Mar'.
Cantor da negritude americana, do Harlem vem a inspiração mais densa, e na esteira dela, a miséria, a solidão e a morte. Na contramão, Hughes sublima as vicissitudes de sua raça com o orgulho, a fraternidade, a esperança e o humor. A dicção de Lanston Hughes, que não disfarça certo parentesco com a de Walt Whitman, sobrevive intacta pelo seu viço e alta invenção.
Esses poemas foram extraídos de uma seleção feita pelo autor pouco antes de sua morte."

Democracia
Democracia não virá
hoje, este ano
jamais
pelo compromisso e o medo.
Tenho tanto direito
quanto qualquer sujeito
de ficar
sobre meus dois pés
e ser dono da terra
Estou cheio de ouvir, deixe assim,
Amanhã é outro dia.
Não preciso da minha liberdade, morto.
não consigo viver com o pão prometido.

Liberdade
Liberdade
É uma semente forte
plantada
na maior necessidade.
Vivo aqui, também
Quero liberdsde
como você

Esperança
Levantou-se do leito de morte e pediu peixe.
A mulher dele consultou o livro dos sonhos
e tranfigurou-se

Sonho
Ontem sonhei
o sonho mais louco
por tudo eu via
o que parecia inverossímil:
Você não estava ali comigo!
Acordado me virei
e toquei você
adormecida
o rosto virado
Aí pensei:
como os sonhos podem mentir
Mas você não estava mesmo ali

Hemp Family Comix

2011-04-05T16:52:00.000-07:00

A banda Planet Hemp, liderada por Marcelo D2, surgiu nos anos 90, fazendo um som que misturava rap com pitadas de rock e hip-hop, e além de revelar um artista que faria um trabalho respeitado por muita gente da MPB - Marcelo D2, levantava a polêmica de falar abertamente em maconha, um tema que sempre foi tratado com muita cautela seja em música ou outras manifestações de expressão artística, mesmo após o fim oficial da censura no país.
A banda chegou a ser detida uma vez após um show, quando as autoridades alegaram que a música que eles faziam representava uma apologia às drogas. A prisão dos integrantes da banda acabou ganhando uma enorme repercussão na imprensa, e causou grandes protestos por parte da classe artística e demais setores da sociedade, considerando arbitrária a ação policial. A verdade é que o pessoal do Planet Hemp chegou a passar uns dias encarcerados, até conseguir ganhar relaxamento da prisão através de seu advogado.
Lembro que no dia seguinte à sua soltura, eles compareceram ao Programa Livre, que era apresentado no SBT por Serginho Groisman, onde gravaram dois ótimos programas, que foram ao ar em dois dias seguidos, contando todo o episódio de sua prisão. Tenho gravado em vhs esses dois programas.
Esse episódio, como era de se esperar, colocou a banda na mídia de uma forma mais contundente, e de certa forma trouxe à tona a discussão sobre a discriminalização da maconha, liberdade de expressão, volta da censura, etc. Após alguns anos, a banda se dissolveria, e Marcelo D2 seguiria sua carreira solo. Cheguei a assistir a um show deles em outubro de 2000, pouco antes de sua dissolução.
A verdade é que independente de toda a polêmica que sempre cercou a banda, às vezes em detrimento da própria música que produzia, o Planet Hemp fez história e deixou saudade.

Em entrevista de Marcelo D2 à edição brasileira da revista Billboard, em agosto do ano passado, lhe foi perguntado sobre uma possível turnê de reunião do Planet Hemp. Marcelo respondeu:
"Acho difícil, quase impossível. O Planet é uma parada tão sagrada que fiz na minha carreira. Acho tão feio ver bandas velhas enganado os fãs. A imagem legal do Planet Hemp é dando mosh, brigando com a polícia. Se voltasse agora a gente não ia nem andar junto. Antes era só amizade. A gente morreria um pelo outro."
No auge do seu sucesso, por volta de 1997, foi lançada uma revista em quadrinhos chamada Hemp Family, onde os músicos da banda eram os personagens. O interessante é que o primeiro número traz a indicação de Número Único, dando a entender que não haveria um segundo, mas em sua última página anunciava o número seguinte, que realmente acabou saindo. O assunto das histórias como não poderia deixar de ser, envolvia sempre muitas aventuras de perseguições policiais e tudo mais ligado ao uso da maconha. Além dos memnbros da banda havia outros personagens, como o Garoto Maconha. Vários artistas de quadrinhos participavam da revista.

Junto à revista vinha encartado um fanzine (um meio de expressão muito utilizado na época) chamado Camarão Pholha Prensada, que trazia matérias, contos, entrevistas, etc. No primeiro número há uma entrevista com a banda Zumbi do Mato, e no segundo com o próprio Marcelo D2. Só saíram esses dois números.

Matéria com Hildon - 1976

2011-04-04T15:40:00.000-07:00

Em 1974 uma música virou sucesso, e não saia das programações das rádios e dos ouvidos dos brasileiros. Um desconhecido compositor baiano chamado Hildon de uma hora pra outra passaria a ser conhecido como o autor e intérprete de "Na Rua, Na Chuva, Na Fazenda". Em seguida, viria outros sucessos, como As Dores do Mundo e Na Sombra de Uma Árvore. Seu jeito de cantar, sua batida de violão, suas letras que falavam de amores, natureza e coisas simples, logo conquistaram o gosto popular. Passou a ser considerado um dos grandes nomes do soul brasileiro, numa linha desenvolvida por seu amigo e parceiro Tim Maia, com quem viveu muitas histórias.
Em janeiro de 1976, a revista Pop trazia uma matéria com o jovem compositor de 24 anos, que tinha planos ousados, como lançar uma ópera-rock, um estilo muito em voga na época, projeto esse que acabou nunca se realizando. Eis a matéria:
"O sucesso para este baiano demorou seis anos. Mas, quando pintou, foi de forma definitiva. Com as lembranças da infância passada em Bonfim - 'pra lá do fim do mundo' - Hildon gravou um LP no qual não levava muita fé. Aos poucos porém, À Sombra de Uma Árvore e Na Rua, Na Chuva, Na Fazenda foram subindo nas paradas de sucesso. Com melodias e recados simples, falando de verde, pásaros e campos. Hildon passou de 'promessa' ao reconhecimento. Mas faz questão de advertir:'Não gostaria de ser rotulado como compositor agrário-ecológico, porque também uso outros temas em minhas músicas. E se eu deixar, já viu, vão ficar me cobrando eternamente o canto dos passarinhos'.

No ano passado, ele foi aos Estados Unidos para sacar de perto a música negra, na qual é amarrado, e voltou com planos para um novo LP e um trabalho bem mais ousado: 'Minha ideia é fazer uma ópera-rock. É a viagem de um cara eternamente insatisfeito, e vai se chamar Viagem ao Vale Encantado. O cara chega do trabalho e vai dormir, sonha que começa a percorrer uma estrada longa e muito bonita. Encontra uma fada que se prontifica a atender seus desejos materiais. Ele pede tudo, mas não se satisfaz. A fada fica triste, diz que que deu tudo que era possível, 'mas o que você busca não será encontrado aqui, siga por aquela estrada onde se lê Insatisfeitos'. Aí ele encontra um beija-flor e começa o segundo movimento: Confusões com as Abelhas por Causa de um Beija-flor Boa Praça. Ávido, o cara busca o poder e toma de assalto a colmeia. Mas logo se manda e chega num lugar onde todos os animais vivem numa paz total, sem brigas ou disputas. Tanta paz torna a vida monótona, e ele se aborrece. Então questiona o leão. O leão aponta uma estrela do céu e diz que o homem lá encontrará a satisfação total. 'Mas como chegar às estrelas?', o cara pergunta. ´É fácil' diz o leão. e dá uma paulada na cabeça do cara, que fica vendo estrelas de todas as cores e tamanhos. No momento em que ele começa a querer pegá-las, o despertador toca e aí então o sonho acaba. De volta à realidade, só resta a tristeza'.
Tudo isso será montado num esquema de ópera, as transações contidas em música e talvez até com locução. Mas por enquanto, é apenas uma ideia. Pois agora Hildon, de 24 anos, está conhecendo o sucesso e a consequente 'segurança financeira': 'Na verdade, cara, ainda não dá nem pra pra formar minha própria banda. A grana é pouca, só agora que começou a pintar'. Mas, se sua próxima música - o samba Três Éguas, Um Jumento e Uma Vaca - emplacar, 'aí sim, tudo vai ficar mais fácil, não é?'"

Celso Blues Boy Ao Vivo - 1985

2011-04-03T12:26:00.000-07:00

Em março de 1985, Celso Blues Boy deu um show no Parque Lage, no Rio de Janeiro, levando um grande público. Era o auge do período marcado pelo renascimento do rock brasileiro nos anos 80, e Celso Blues Boy era um legítimo representante daquela geração. O espaço para shows do Parque Lage não existe mais, está desativado. A revista Roll, uma publicação especializada em rock da época, fez uma matéria sobre esse show, intitulada Guitarras À Solta no Parque.
“No mês passado, Celso Blues Boy levou a rapaziada do Parque Lage à loucura. Não se via espaço dentro da casa, tamanha era a lotação do lugar. Com um cenário natural propiciando o clima da noite ele conseguiu o que era esperado: movimentar a galera o tempo todo. Seus solos foram acompanhados com entusiasmo pela tradicional fila do gargarejo. Até quem estava em cima do terraço não se conteve, dançando como podia. O auge da festa se deu com o já consagrado 'Aumenta que isso aí é Rock' n Roll'
Era como um trem sacudindo a cabeça /parado é que não dava pra ficar... Foi exatamente assim. Esse era o clina reinante no penúltimo fim de semana de março. Celso Blues Boy e sua inseparável Fender Stratocaster fizeram a festa no Parque Lage.
Desde as dez horas a rapaziada já esperava para o início do show, que estava marcado só para uma da manhã. Liberada a entrada da casa, o pessoal pôde alojar-se nas lages ou onde achasse melhor (e como estava cheio). Por volta de uma da madrugada, Mimi e a Orquestra de Guitarras abriram a noite de rock e blues. As cinco guitarras deram um show preparando o espírito da moçada. E, às vinte para as duas da manhã, Celso Blues Boy e sua banda entravam em ação. O local estava completamente lotado. As pessoas se empoleiravam no terraço e espremiam-se em frente ao palco. O público aplaudia com entusiasmo a performance de Celso e sua guitarra um tanto chorosa, um tanto agressiva.

Celso, sempre que podia, repartia o palco com os amigos, democratizando o ambiente. Seu amigo Carlitos deu um toque especial com sua gaita em 'Fumando na Escuridão'. Participaram da partilha também dois outros guitarristas; um deles foi tirado de dentro da plateia por Blues Boy que foi logo entregando sua Fender para o colega continuar levando 'Aumenta que isso aí é Rock'n Roll'.
Um dos momentos mais interessantes foi quando o guitarrista Pedrinho (ex-Bolha) juntou-se ao grupo. As três guitarras deram um show à parte, numa tirada 'à la Scorpions' (em termos visuais, é claro).
É isso aí. E para quem não sabe, ainda, lá vai um recado: a partir de abril Pedrinho vai integrar-se à banda de Celso. Marcelo, o atual guitarrista base, vai trilhar outro caminho.
Agora é esperar e conferir.”

Poeira D'Água - Teatro do Sesi

2011-04-02T15:14:00.000-07:00

Na noite de ontem, o SESI Campos apresentou um show de banda local Poeira D'Água. Foi uma ótima opção para aqueles que apreciam uma boa música, e que não se prendem a modismos, e o que se tornou padronizado. Digo isso porque o Poeira D'Água realiza um trabalho bem pessoal, e apresenta uma música diferenciada do que se costuma ouvir hoje em dia.
Formada por Faustho Terra Tupy (violão e voz), Lutte Oliveira (violão, viola, guitarra), Sérvulo Sotto (baixo) e João Felipe Velloso (bateria), o grupo mostrou um trabalho que abrange uma série de influências e ritmos, desde o folclore local, o rock, música mineira, soul music, etc. Com composições próprias, e ainda trazendo releituras (Jorge Ben - muito bem representado em "Ponta de Lança Aficano" , Tim Maia, Jair Rodrigues e Toni Tornado), a banda apresentou um show em que ficou clara a intenção de apresentar uma música multifacetária, uma fusão de ritmos que resulta em um trabalho bastante original.
Apesar de já ter assistido a banda em algumas oportunidades, foi a primeira vez que assiti a um show completo da banda, com seu repertório próprio. As apresentações anteriores que eu havia presenciado foram um show de releituras da Tropicália, em um projeto junto ao Sesc, uma apresentação em um festival de música e um show coletivo, portanto só ontem pude assistir a um show completo com o repertório da banda, e sua proposta musical.
Posso afirmar que o resultado do trabalho sério e profissional da banda liderada por Faustho Terra Tupy, um dos ouvidos musicais mais apurados que eu conheço, trouxe como resultado uma música rica em informações, de quem absorveu e assimilou o que de melhor suas vivências no universo da música puderam lhe oferecer. O resultado é uma música abrangente, moderna, mas sem se prender a modismos.

O show iniciou com Maquinista do Tempo, uma bela composição de Faustho, que lhe valeu o terceiro lugar em um festival de música promovido pela prefeitura de Campos, e se seguiram outras composições da banda, a maioria inéditas pra mim, e posso dizer que me soaram muito bem. Para quem tem experiência na audição de boa música sabe muito bem quando uma música cai bem a seus ouvidos, e fica aquela vontade de reouvir. Essa foi a sensação que senti ao conhecer muitas daquelas composições novas para mim. É lógico que o bom resultado da proposta da banda vem de uma soma de talentos. Além de Faustho, o Poeira D'água traz ótimos e experientes músicos, como Lutte Oliveira, que só vim conhecer recentemente, e que demonstra ser um ótimo instrumentista, e dá um toque todo especial às músicas do Poeira, no violão, viola, bandolim, guitarra e até berimbau. Sua guitarra, instrumento que predominou durante o show é precisa, exata, sem firulas e exageros. Sérvulo e João Felipe, que durante muito tempo formavam a "cozinha" da banda Avyadores do Brazyl, do grande e saudoso batalhador Luiz Ribeiro, trazem toda a experiência de anos de palco.
Na música "Os Meninos Dançam", que Caetano compôs em homenagem aos Novos Baianos, ele diz "A história do samba, a luta de classes, os melhores passes de Pelé, tudo é filtrado ali". Assim eu vejo o ato de compor, de trabalhar com música: absorver uma série de informações, e filtrar tudo em melodia, letra, harmonia e emoção. E assim eu senti a música do Poeira D'Água. Que venha o primeiro cd e outros shows, para eu poder reouvir aquelas músicas que me soaram tão bem.

Revistas Legais - Os Anos 60

2011-04-01T14:36:00.000-07:00

Já comentei aqui nesse espaço sobre uma antiga revista, especializada em cifras para violão, chamada Violão & Guitarra, que também lançava edições especiais, abordando determinado tema, mas sempre trazendo ao final, cifras correspondentes a músicas sobre o assunto retratado. O número especial que destaco agora é sobre os anos 60 na MPB, publicado em 1981. O texto de apresentação diz:
"A década de 60 é um divisor de águas na música popular brasileira. Até ela, a música que se fazia no Brasil sofria, à exceção do samba, de estrangeirite aguda (para aqueles que advogam que a música brasileira sofreu um processo de colonização a partir do rock, é bom lembrar que as composições feitas no Brasil até o final dos anos 50 eram basicamente assentadas nos boleros, guarânias, fox-trotes e demais gêneros que empolgaram a geração Hollywood). E só sabia cantar quem, tinha potência de voz e de pulmão.

A Bossa Nova foi o primeiro movimento a entrar em cena no final da década de 50 para mostrar que cantar podia ser exatamente o contrário. Paralelamente a essa transformação proposta pela Bossa Nova, a música brasileira começou a receber os ventos das revoluções externas aos pais, quando um novo comportamento, ditado pela juventude, passou a imperar. A partir daí, sexo e política misturam-se na quebra de antigos valores, O mundo passa por velozes e radicais mudanças. O Brasil entra num processo particular, ditado pelas influências externas e pelas próprias mudanças políticas e econômicas. Nada disso escapa à arte. A música popular é a que mais diretamente capta essas mudanças. E as reflete. Como resultado, um vigoroso processo de renovação musical instala-se no país, numa sucessão de significantes movimentos.
Esse processo, tão importante para a música e para a cultura brasileira é cronologicamente analisado nesta edição."

Como o texto acima deixa claro, a revista faz um balanço dos principais acontecimentos e movimentos que a década de 60 abrangeu, como por exemplo, a afirmação da Bossa Nova, como um movimento que ganhava o mundo e passava a se internacionalizar, os primeiros festivais, e os novos cantores e compositores que surgiam, a influência da tv na divulgação de uma nova música, não só através dos festivais, como também por programas como O Fino da Bossa, Jovem Guarda, etc.
Como diz a apresentação, o texto é escrito de forma cronológica, ano a ano, e não fala somente em música, mas também da situação política que o país atravessava, e a influência direta que o momento do país exercia sobre a música que era feita, inclusive o problema da censura.

Apesar de retratar aquela década, a maioria das fotos mostram os artistas na década de 70. As fotos que ilustram a capa, por exemplo, são todas dos anos 70. As fotos que aparecem nessa postagem, todas tiradas da revista, também mostram os artistas, à excessão de Roberto Carlos, em fotos da década seguinte.
O texto é bem escrito, e dá uma visão geral do que foi a dácada de 60 não só na música como nas artes em geral, o que torna a revista uma boa fonte de pesquisa para quem quiser ter uma visão panorâmica de nossa cultura naquela década tão rica, apesar de conturbada pela ditadura.

Caetano X Lobão: A Briga Continua

2011-03-30T13:47:00.000-07:00

Caetano Veloso e Lobão há muito vivem se debatendo através da imprensa. Lobão, por seu estilo mais provocador, normalmente é sempre quem alimenta essa polêmica, com críticas mordazes ao músico baiano. Caetano costuma respondê-lo, quando responde, com bom humor, dando a entender que não o leva muito a sério. Isso já vem de longa data. Dizem que tudo começou com duas palavras, “lobo bolo”, trecho da música de Caetano “Rock n' Raul”. Lobão ao ouvir a música, no Programa do Jô, sentiu que era com ele, e respondeu de imediato com a música “Para o Mano Caetano”. Em seguida, o que se viu foram seguidas farpas que os dois andaram trocando pela imprensa, como uma crônica escrita por Lobão em O Globo, intitulada “Quero a MPB de 4, Quarteto Fora de Si”, onde cita Caetano no seguinte trecho:
'Caetano com seu jeito santoamárico-provinciano, apadrinha a bossa nova e diz que ela é superior, que João Gilberto é seu ídolo, aquelas coisas dele, né?'
Caetano em seguida responde:
'Quanto a Lobão, vi no GLOBO o que ele escreveu. Um texto péssimo, confuso, querendo usar coisas que seriam bombásticas, mas não resultando bombásticas.”
Às vezes há uma trégua, mas volta e meia uma questão vem à tona, e os dois acabam se debatendo, mas sempre havendo um respeito mútuo, apesar das inúmeras discordâncias, sejam estéticas ou de opiniões.

Uma vez, inclusive, a revista Trip, em sua edição de julho de 2001 reuniu os dois em uma entrevista em um quarto de hotel, quando demonstraram o respeito mútuo que citei acima, e muito bom humor em relação às críticas e bate-bocas que os dois andavam trocando bastante naquele período. Na chamada de capa a revista destacava um trecho da entrevista:
Caetano: “Tenho recebido muitas farpas suas”
Lobão: “Eu queria mesmo sacanear você”
A entrevista não se prende a esse conflito de opiniões. Abrange assuntos gerais, sejam de ordem artística ou política, onde os dois por vezes divergem, porém nem sempre com um tom provocativo. Também se elogiam e reconhecem qualidades no trabalho de ambos. O bom humor é a tônica no encontro dos dois, como nos trechos abaixo:
Caetano: “Pô, Lobão é foda. Aparentemente agressivo comigo, mas tão engraçado!”
Lobão: “Tenho um respeito geriátrico pelo Caetano”

A polêmica entre os dois, que havia dado uma trégua, reascendeu agora com o comentado caso envolvendo um projeto de poesia envolvendo Maria Bethânia, que recitaria um poema por dia durante um ano, usando a internet como veículo, projeto esse que teria recebido do Ministério da Cultura uma verba de R$ 1,3 milhão. Inúmeros protestos quanto à liberação da elevada quantia, em detrimento a outros projetos culturais, foram feitos, inclusive por parte de Lobão. Em sua última coluna dominical em O Globo, Caetano veio em defesa da irmã. Em um trecho de seu texto afirma:
“Toda a grita veio com o corinho que repete o epíteto 'máfia do dendê', expressão cunhada por um tal Tognolli, que escreveu o livro de Lobão, pois este é incapaz de redigir (não é todo cantor de rádio que escreve um 'Verdade Tropical').
Pelo que se vê a polêmica Caetano X Lobão ainda não terminou.

Ana Cristina César

2011-03-29T13:30:00.000-07:00

Ana Cristina César era um dos nomes mais representativos de uma nova poesia que se estava produzindo no Brasil a partir dos anos 70, e se afirmando na década seguinte. Foi, segundo Eucanaã Ferraz, “personagem fundamental no ambiente artístico e cultural do Rio de Janeiro nos anos 1970.” Segundo Heloisa Buarque de Hollanda, doutora em Letras pela UFRJ, “no meio dos poetas marginais era e se comportava como musa, um pouco distante como devem ser a musas.” Por uma dessas coisas que não têm explicações – e para que buscá-las?, - Cristina resolveu antecipar sua partida desse mundo em 1983, aos 30 anos.

Em 1987, ao ser lançado seu livro póstumo A Seus Pés, o poeta e amigo Armando Freitas Filho escreveu esse texto, sobre a obra e a autora e amiga:
“Olhos azuis, a flor da pele. A Teus Pés (Ana Cristina César) foi escrito na rua e pelo telefone. Num caderno preto, pautado, de capa dura, desses que antigamente, eram usados por pequenas firmas para registro, sempre caligráfico, de suas atividades, do seu 'dever & haver'. Foi escrito com canetas de vários tipos e cores, como se, inconscientemente se desejasse sublinhar e fixar as muitas intenções e nuances, a pegada mais forte ou mais suave de cada texto.
Seu primeiro nome foi “Meios de Transporte”, logo abandonado por ter um segundo sentido demasiadamente explícito. A escolha definitiva me foi comunicada num telefonema extra, de tarde, pois nos falávamos diariamente pela manhã, quando Ana me disse que tinha achado o título, afinal, num poema meu, no último verso.
À princípio achei meio bolero, mas depois fui me acostumando, na medida em que acompanhava literalmente, passo a passo, a feitura do livro. Na época escrevia também o meu, que se chamava “3X4”. Esses 'telefonemas de consulta' eram discussões pormenorizadas sobre os escritos de cada um, quando tudo era visto sem nenhum rigor fetichizado, de colarinho branco, mas sim meio na contramão, a la diable.

Hoje, quando me lembro desse tempo, não poderia dizer, com exatidão, quem telefonava pra quem. Ora um, ora outro. Ou o telefone tocava sozinho numa ligação telepática?
A Teus Pés, também, foi escrito andando, ao meu lado, pelas ruas do Rio, viajando em 'frescões' ou sentado em mesas de chá transitórias. Foi, aliás, na Confeitaria Colombo que ela me levou a versão final, impecavelmente datilografada em máquina elétrica, às vésperas de enviar os originais para a Brasiliense. Sugeri cortes, supressões de alguns textos. Foram aceitos depressa. Fiquei arrependido, liguei à noite e disse que era melhor considerar com mais calma a eliminação deles. Ela disse não. Os originais já tinham sido remetidos. Dois anos depois penitenciei-me incluindo muitos desses poemas em 'Inéditos e Dispersos' (Ana Cristina César).
Agora estou aqui recordando esses pequenos acontecimentos, publicando intimidades delicadas, O telefone telepático, na ponta do trampolim, não bate mais. É uma caixa-preta, for ever. Nunca pensei que na minha vida acontecesse uma coisa tão forte, tão brusca e selvagem, e que uma ausência pudesse ser tão viva.”

Treze - Uma Aventura Literária de Pete Towshend

2011-03-28T05:16:00.000-07:00

Muitos astros do rock também já se aventuraram pela literatura. A lista seria extensa: John Lennon, Bob Dylan, Jim Morrison, só para citar alguns. Outro roqueiro que também deixou um pouco sua guitarra de lado para exercitar seus dedos na máquina de escrever (na época ainda se usava essas hoje peças de museu) foi Pete Towshend, líder da banda inglesa The Who. Em 1987 seu livro Horse's Neck seria lançado no Brasil, com o título de Treze. Na ocasião, o designer gráfico, e autor da capa da edição brasileira, Wilton Azevedo, escreveu a seguinte resenha:
"Todo mundo sabe: Pete Towshend, o líder do grupo The Who, foi o roqueiro que, além de introduzir a performance do ruído em seus shows, quebrando e incendiando instrumentos, inaugurou a linguagem do que se intitulou Ópera Rock. Quem conhece as letras de suas músicas sabe que Pete está sempre questionando o comportamento adolescente, principalmente vivendo na Inglaterra, um país onde se encontram pelas ruas adolescentes de até 50 anos.
Horse's Neck é seu livro agora lançado no Brasil com o nome de Treze. É um livro curioso, dividido em pequenos contos que se parecem muito com aquele desejo da gente de um dia cruzar o Pete no meio da rua, pedir um autógrafo e ouvi-lo contar algumas de suas aventuras.

Pete mistura ficção com fatos reais que não passam de situações banais. Acontece que é dele, e, se tratando de Pete, as coisas banais nunca são banais. Além do mais, Pete é bem charmoso ao tirar de si toda a culpa de ter escrito o que escreveu. Já no prefácio, atribui à sua mãe toda a responsabilidade por tê-lo influenciado a ponto de produzir este Horse's Neck, que, na gíria inglesa significa algo próximo a "Tolices".
Em "A Peixaria" ele conta como conheceu o dono, um espanhol que tinha sido violonista famoso em seu país e que mais tarde fugiu para a Inglaterra motivado por um caso amoroso. Pete ia todas as noites à peixaria para tocar junto com o amigo, onde executavam durante horas seguidas solos estilo flamenco. E não é tudo. Ele conta como as pessoas o julgavam homossexual por ficar horas com o amigo espanhol.
Sua imagem controvertida diante do público parece que o acompanha como uma espécie de carma desde a adolescência. O melhor retrato desta imagem é seu pulo voador com a guitarra em um solo estridente.
Foi baseado neste aspecto que desenvolvi o design gráfico da capa, extraindo do grafisno da xerox uma espécie de fôlego suspenso, assim como um vídeo clip das histórias de Pete."

Arnaldo Antunes no Sesi Campos

2011-03-26T10:36:00.000-07:00

Na noite de ontem (25/03) Arnaldo Antunes se apresentou no Sesi Campos. Apesar de seus últimos trabalhos serem o cd Iê-Iê-Iê e o cd e dvd Ao Vivo Lá em Casa, Arnaldo optou por um outro repertório, já que em vez de sua banda trouxe apenas dois de seus músicos: Chico Salém e Betão Aguiar, ambos no violão ou eventualmente com Betão na guitarra. Como a sonoridade de seus últimos trabalhos pede a presença de sua banda completa, o show acabou sendo um apanhado de sua carreira, o que em certo ponto até funciona melhor, já que pôde assim cantar músicas mais conhecidas do público. Essa opção pelo formato semi-acústico, segundo Arnaldo, foi em função das dimensões do teatro do Sesi.
Arnaldo, desde a época dos Titãs já se revelava um artista multi-mídia. Além de letrista publicava livros de poesia (com influências concretistas) e participava da arte gráfica dos álbuns da banda - um exemplo é o belo trabalho de capa de O-Blesq-Blom. Ao deixar a banda, em 92, Arnaldo lançaria seu primeiro cd e vinil (na época esse formato ainda era lançado) Nome. O projeto ainda incluia um livro e uma fita vhs. Era um trabalho bem experimental e pouco comercial, mas foi a realização de um projeto pessoal que seria impossível de ser concretizado enquanto membro da banda. Seus trabalhos posteriores passaram a tender para um tipo de música mais audível para os ouvidos menos habituados para suas experimentações, sem que isso viesse a significar qualquer tipo de concessão ao mercado.
Voltando ao show, Arnaldo escolheu um repertório que se encaixasse melhor no formato reduzido de voz/violões/guitarra, dando destaque para aquelas músicas mais conhecidas, mas não deixando de interpretar algumas de sua nova safra. Assim, ele trouxe ao palco músicas como O Silêncio, Alegria, Socorro, Não Vou Me Adaptar (remetendo aos Titãs), o Sol entre outras, além de algumas de seu disco atual, como Invejoso, Consumado e Longe (parceria com seu tecladista Marcelo Jeneci). Apresentou ainda uma música inédita ainda sem título, que compôs em parceria com seu baixista Betão Aguiar, Davi Moraes e Pedro Baby.

Sua performance no palco e sua comunicação com o público revelam um artista com ótimo domínio de palco, coisa que já demonstrava desde os tempos dos Titãs. Chegou a descer do palco e cantar próximo à plateia e dançar com desenvoltura de um jeito bem pessoal. O show funcionou bem, não só por Arnaldo, como também pelos dois excelentes músicos que o acompanharam.
Após deixar o palco sob calorosos aplausos, retorna ao palco para o bis trazendo três músicas, para encerrar sua apresentação: Engrenagem, do disco Um Som, Essa Mulher e Judiaria, de Lupiscínio Rodrigues, num arranjo bem eletrificado.
Foi mais um bom show trazido pelo Sesi.

Titãs - Revista HV 1988

2011-03-25T12:35:00.000-07:00

Os Titãs eram a minha banda favorita nos anos 80. Eu acompanhava atentamente todo aquele movimento que vinha acontecendo ainda no início daquela década, o surgimento de bandas que traziam um trabalho novo, revelando novos músicos, compositores e letristas de talento. É certo que como todo movimento que ganha a mídia, muita coisa ruim surgia na carona da onda do sucesso - as próprias gravadoras na busca de novos e rentáveis produtos para o mercado inventavam fórmulas, e apostavam em artistas fabricados. Mas o certo é que naquela década muita gente boa surgiu.
À princípio não me liguei muito no som dos Titãs. Seus dois primeiros discos passaram meio batido por meus ouvidos, mas em 1986, quando lançaram o histórico disco Cabeça Dinossauro, o som da banda deu uma guinada de qualidade. Aquele é um disco fantástico, e que merece entrar em qualquer lista dos melhores discos lançados no Brasil, e por sinal, entrou mesmo em várias que já li. Os discos que vieram a seguir mantiveram o nível de qualidade: Jesus Não Tem Dentes no País dos Banguelas, Go Back (ao vivo) e O-Blesq-Blom. O disco seguinte, Tudo Ao Mesmo Tempo Agora, já não manteve o mesmo patamar, mas mesmo assim traz bons momentos. Em seguida, já sem Arnaldo Antunes, a banda lançaria Titanomaquia, um disco radicalmente pesado, com produção de Jack Endino, conhecido produtor de bandas pesadas americanas.
Mas voltando a falar de sua fase áurea, em 1988 uma revista alternativa chamada HV (Humor/Verdade) trazia uma matéria de capa com a banda. Falando em capa, a revista trazia uma capa dupla, que aberta, como na foto que abre essa postagem, mostrava uma foto com todos os até então, oito integrantes do grupo.

A matéria trazia 20 depoimentos sobre a banda, como algumas dessas abaixo:
"Os Titãs são o melhor grupo de rock deste país. Eles compreendem o que é essencial para que um rock seja a alquimia da mistura da imensa tristeza que nos envolve com um pouquinho de alegria. Alguns críticos e gravadoras pensam que os grupos de rock como os Titãs, Inocentes, Legião Urbana, Lobão, etc. são descartáveis. Eles são anarquistas de um novo anarquismo. No sentido do pacifismo, da descentralização, onde a extrema hostilidade da disputa pela existência seja substituída não pela concordância e pela uniformidade do tédio, mas sim pela instalação de um suspense maior, em que cada segundo seja supercarregado de emoção, tesão, ardor e... beleza." Jorge Mautner
"Eu acho os Titãs o máximo. O Sérgio Brito é atualmente um dos melhores cantores do Brasil. Além disso, não tenho mais nada pra falar, pois a música deles já diz tudo." Renato Russo
"A partir dos dois últimos trabalhos dos Titãs é que eu passei a tê-los como a minha number one. Principalmente pelas letras, pois a música me lembra bastante o punk dos anos 70, mas isso não deprecia de forma alguma o trabalho musical do grupo. Explico: bandas como Gang of Four ou Buzzcoks hoje são praticamente a bíblia de quem quer fazer rock'n roll. É como se você tivesse de ouvir James Brown e Aretha Franklin pra falar de música negra."
Kid Vinyl
"Eu adoro. É uma banda de afinidades culturais especiais. E é por causa dessas afinidades que a banda se formou. Eles não tocam rock simplesmente por tocar."
Ivald Granato, artista plástico
"Eu gosto tanto dos Titãs que já comprei o disco e um dia pretendo ler o livro e ver o filme."
Washington olivetto, publicitário

Gal Costa - Ensaio Fotográfico Revista Status 1985

2011-03-24T14:27:00.000-07:00

Em fevereiro de 1985 a revista Status publicou um ensaio fotográfico de Gal Costa nua. Status era na época uma publicação masculina, que competia com a Playboy, e costumava fazer ensaios com modelos famosas e atrizes. Gal, que sempre foi considerada um sexy simbol, e sabia explorar bem sua sensualidade, sem nunca parecer vulgar ou exibicionista, nos anos 80 ainda apresentava belas formas, e esse ensaio foi muito aguardado. Como era de se esperar, as fotos, clicadas por Marisa Alvarez Lima, que por sinal, fotografou muito os tropicalistas, ficaram bem discretas, mais sugerindo do que propriamente mostrando detalhes de seu corpo. Não há fotos de nu frontal nem de sua bunda, mas as fotos ficaram belas, e podem se encaixar no conceito de "nu artístico".
A revista, além das fotos, traz uma boa matéria a seu respeito, e um texto de Caetano Veloso, que trancrevo abaixo alguns trechos, para não tornar a postagem muito longa:

"Gal só me surpreendeu uma vez: quando a conheci e a ouvi cantar. Foi uma surpresa tão grande e tão profunda que ainda hoje vivo sob o seu impacto. Na hora eu pensei: 'A maior cantora do Brasil.' Daí em diante foi só acompanhar os modos com que essa constatação procurou se confirmar (...)

Lembro do festival de rock da ilha de Wight, milhares de pessoas nuas na praia: eu ficava excitado, mas não envergonhado ou escandalizado. Gal estava lá. Eu nem me lembro se ela tirou a roupa. Eu nunca namorei com ela. Uma vez tive uma pequena discussão com o jornalista Ruy Castro (terá mesmo sido esse?) por causa dessa mania atual de se perguntar aos entrevistados se já treparam, se já brocharam, etc... Foi na casa de Eduardo Mascarenhas e por causa da entrevista deste (ele tinha se atrapalhado na resposta à pergunta sobre brochada). Acho uma tolice que as pessoas se sintam na obrigação de narrar suas intimidades. Pois bem, eu e Gal sempre brochamos todas as vezes que tentsamos brincar de namorar.

No início de da nossa carreira, dividíamos a cama de casal de Guilherme Araújo (empresário dos dois) em Sampa. Todas as noites eu tentava seduzi-la comum disco de Bob Dylan e papo-furado. Ela sempre resistiu e terminávamos às gargalhadas.
Acho que na época dos Doces Bárbaros, na Bahia, nós tentamos fingir que íamos namorar no hotal onde ela estava hospedada. Foi legal porque eu a vi nua como agora ela aparece em algumas dessas fotos bonitas que a Marisa fez. Tomando banho. Gal é linda."

Show do Kiss no Maracanã - Junho de 83

2011-03-22T16:43:00.000-07:00

Em 18 de junho de 1983, a banda Kiss deu um show histórico no Maracanã. A banda estava completando 10 anos de estrada, e para comemorar realizou uma turnê mundial, que incluiu o Brasil, para delírio de seus fãs brasileiros. A revista Mixtura Moderna fez uma ampla matéria sobre esse show. Se não estou enganado, esse foi o primeiro show de rock acontecido no estádio do Maracanã. Que eu me lembre, antes só Frank Sinatra havia cantado antes no mesmo local.
A revista, dava destaque ao show, e trazia na capa o guitarrista Paul Stanley. Acompanhava a edição um encarte em formato tablóide trazendo fotos e comentários do show.

A jornalista Ana Maria Bahiana comentava:
"O som estava muito baixo,tímido e embolado para um show de rock, ainda mais de heavy metal. O Kiss entrou em cena uma hora atrasado, os canas não deixaram ninguém no gramado em paz, a cusparada de sangue de Gene Simmons em 'God of Thunder' foi vista só por meia dúzia nas primeiras filas e depois, bem tipo nada-a-ver, ele deu de gritar 'Mengô! Mengô!' com o linguão de fora, todo ensanguentado. Para culminar, um bando de crentes enchia o saco da galera, distribuindo folhetos, fazendo pregações aos berros e agarrando as pessoas pelo braço para impedi-las de entrar naquele 'antro de perdição', onde se iria celebrar um 'culto a Satanás', dos 'Kids in Service of Satan', aliás Kiss.
Mas para quem gosta, que noite a de 18 de junho!

O som vem rugindo baixo, mas dá pra sacar que é 'Criatures of the Night' a música de abertura. As luzes estão belíssimas sobre a fumaça e os quatro, assim de longe e com as roupas em full regalia, nem parecem tão gordos quanto na vida real. Tocam, numa enfiada só, 'Creatures', 'Detroit Rock City' e 'Cold Gin', com brevíssimos intervalos para as adulações de praxe 'Helo Rio de Janeiro, we love you', etc, etc. Paul Stanley balança um rabinho de pele preso ao seu macacão de lycra e provoca o público: 'Precisamos do Doutor...(ninguém responde, a princípio), do Doutor... (Love!,a galera urra). DOCTOR LOVE!' - pronto, mais uma música.

O que se passa no palco agora? Ah, sim, começaram os solos, esse ritual imprenscindível ao heavy metal. Vinnie Vincent na guitarra é o primeiro. Bom. O melhor de todos. Acordes rápidos, à maneira de Eddie Van Hallen. Limpo, pouca distorção. Paul Stanley é o seguinte. Faz charme à beça, as meninas deliram, mas é fraquinho demais. Quase o mesmo solo de Vinnie, só que executado canhestramente.
Apoteose final: fogos de artifício por todos os lados, luzes, fumaça e um bis para arrasar com os maiores sucessos da banda, 'I Was Made For Loving You' e 'Rock And Roll All Nite'. Poder, poder! Arquibancadas em pé, dançando" Muita luz, delírio!
Fim de festa, a galera suada apesar do frio, eu me lembro de uma reportagem de Charles M. Young sobre o Kiss não prometerem esclarecer a origem do universo nem o sentido da vida, mas funcionam. Como funcionam."